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在现代社会，我们面临着各种信息和媒体的冲击和诱惑。如何准确、流畅地表达自己的思想，写出优美的文字？以下的总结范文有助于我们更好地把握总结的要义和核心。
艺术美术学论文篇一
近日，我参加了一场关于艺术美术学的讲座，主题为“探索艺术的魅力”。整个讲座深入浅出，内容丰富多彩，令我受益匪浅。通过这次讲座，我对艺术美术学有了更深刻的理解，对于艺术的魅力有了更为直观的感受。以下是我在讲座中的一些心得体会。
首先，讲座从艺术与美术的关系开始，阐述了艺术与美术的概念与内涵。在此之前，我一直认为艺术和美术是一个概念，但通过讲座的解析，我明白了艺术是更加广泛的概念，而美术只是艺术的一种表现形式。艺术是人类对世界的审美和情感的表达，而美术是通过绘画、雕塑等形式来呈现艺术的具体手段。这让我对艺术的内涵有了更为清晰的认识，也更加尊重艺术家的创作和表达方式。
其次，讲座详细介绍了不同时期的艺术运动与流派。从古代希腊的古典主义到现代的抽象表现主义，我了解了许多重要的艺术运动，以及它们对于后世的影响。这些艺术运动体现了不同时期的社会、文化和思想的变迁，每个艺术运动都有其独特的表现手法与观念。比如文艺复兴时期强调人体的比例与和谐，印象派则更注重对光线和色彩的变化的捕捉。通过学习这些艺术运动，我对艺术的多样性与创新性有了更深入的认识，也更加欣赏艺术家们的创作精神与艺术追求。
第三，讲座还介绍了艺术美术学的研究与方法。艺术美术学是一门研究艺术的学科，通过对艺术创作、艺术品以及艺术观念的分析，来探究艺术的原理和规律。在讲座中，我了解了一些常见的研究方法，如考古学、美学和形态学等，这些方法可以帮助人们理解世界各个时期的艺术作品，并为艺术史和艺术批评提供依据。通过对艺术美术学的学习，我相信自己以后在欣赏和研究艺术作品时，会有更全面和深入的视角。
第四，讲座充分展示了艺术对于人类生活的影响与意义。艺术作为一种表达形式，可以引发人们的共鸣，激发人们的情感，给人们带来美和快乐。艺术家通过艺术来表达自己的思想、情感和审美追求，同时也能够让观众找到共鸣、启发思考。艺术的力量是无穷的，它不仅仅是为了追求审美的享受，更是对于人类文明和社会发展的推动。通过参与这次讲座，我对艺术的价值和意义有了更加深刻的认识，也更加欣赏艺术家们的创作和贡献。
最后，讲座以一个小练习的方式结束，要求我们根据讲座中学到的知识来分析一幅艺术作品。这个练习为我巩固与运用所学的知识提供了机会。通过分析作品的构图、色彩和主题，我能够更加深入地理解艺术家的创作意图，并在观赏艺术作品时能够更好地享受其中的细节与情感。这个小练习对于我来说是一个很好的学习过程，也展示了艺术美术学的实践性与可操作性。
总体来说，这场关于艺术美术学的讲座给我带来了很多收获。通过讲座的内容和练习，我对于艺术的概念和内涵有了更清晰的认识，了解了不同时期的艺术运动与流派，并对艺术美术学的研究与方法有了初步的了解。最重要的是，通过讲座，我深刻感受到了艺术的魅力与价值，也更加敬佩和欣赏艺术家们的创作与贡献。在以后的学习与生活中，我将更加关注艺术领域的发展与创新，不断提升自己的审美与艺术欣赏能力。
艺术美术学论文篇二
生活中到处可见艺术和美。那么，艺术美学是个什么样的概念。我想在此把艺术和美学分开来理解，艺术是一种对象，是美学研究的对象之一;美学是一种学科，对美的本质和意义作为探索与研究为主题的学科。这就自然而然引出三个问题：对艺术的定义，对美和美学的定义，以及结合自身专业来解读油画艺术和美学之间的相互联系。以下我来简要谈谈我对这三个问题的理解。
毕加索说：“有人问：‘什么是艺术?’我回答：‘什么不是艺术?’。”可见，艺术作为一个文化名词，涵盖音乐、舞蹈、书法、画画、雕刻、建筑、影视、文学等众多文化领域，我们按照这些不同领域间各自的表达方式和手段，又可以把它们划分为实用艺术、造型艺术、表情艺术、综合艺术和文学艺术等。
艺术起源于生活，并渗透到人类活动的方方面面，它作为一种文化现象和社会意识形态满足着人类的各种精神需求，在发展过程中逐渐形成独立的精神活动领域。因此日常生活中我们随处可见“艺术”这两个字眼，琴棋书画是艺术，衣食住行是艺术，柴米油盐也是门艺术。通常我们从这几个方面来认识艺术，一是从主观方面来讲，艺术就是艺术家的自我表现, 是艺术家对美的追求，用来满足人类的精神需求。二是从客观方面来讲，艺术是客观世界的反映，但并不是单纯的模仿和复制，而是经过艺术家对客观世界深入观察、思考和体验的基础上，加以选择、加工和提炼，融入自身的想象和感情，通过艺术创作手法去表现和传递个人的审美感受和审美理想。三则认为艺术是一种创造，一种具有美学价值和人类劳动创造的精神产品。
曾有句话说过：“这个世界并不缺少美，而是缺少一双发现美的眼睛”，可见生活中的美也是无处不在的。生活中的'美通常是能够引起人们愉悦满足或让人产生的良好情感的积极属性的事物。很多事物让我们产生对美的反映，, 这种反映来自于由我们的视觉、听觉、味觉、触觉、以及我们的身心对某一事物的一种积极的情感，比如说大自然美不胜收的景色，美妙动听的音乐旋律，沁人心脾的花香或是姑娘们姣好的面容。所以我认为美是来自于人内心的一种美好情绪，每个人的审美价值标准不一，不同的人对美有不同的定义和审美感受。
所以，我们理解了美，相对美的概念，美学就是概括美这个定义的一门学科，对美的本质和意义进行探究，属于哲学的一个分支。
艺术和美学有着密不可分的联系。这种联系体现在美学对艺术有着重要的指导作用，艺术也处处体现着美学。我们以油画为媒介进行阐述二者之间的关联。
受佛教文化和中国禅宗的影响，意境作为中国古典美学的重要范畴，在中华民族长期艺术实践中形成了一种审美情节。中国传统诗歌绘画本身就具有表现意味的写意性，也就是借物抒情，艺术家通过对客观世界的描绘来表达主观内心情感，并将客观世界和主观感受加以融合。
这种情节在油画中也有很多体现，好比说写意油画吸收西方文化精髓的同时就继承了中华文化和美学意识，它的诞生便成了中国油画审美中的必然。我们从字面上来看，理所当然写意油画就是写意和油画的结合后的产物，深层意义上讲是东西方文化交融所形成的一种新的将中国传统写意内涵进行延伸的绘画类型。秉承“外师造化中得心源”的传统，用“写”作为油画构造形体的艺术语言，并与传统绘画中传递感性意味的“意”融合，营造出中国油画的哲思和审美韵味。如林风眠先生的油画作品《渔妇》，画面中并不强调一些主体物的再现，而用写意的方法描绘画面，加进了一些类似立体派的线条，线条的用法则取意元宋民间的瓷绘图案，饱含着浓厚的中国文化和审美情节。
中国古代南齐画家谢赫在他的著作《古画品录》中提出的评画六法中的“气韵生动”就有着独特的审美价值。所以很多艺术作品注重以形写神，意在笔先，传达作家感情，彰显审美对象的内在生命力。我国当代著名画家，油画家和美术评论家吴冠中先生，他的作品经常会娴熟的运用到中国美学的气韵之美，如他的油画作品《紫竹院早春》，画面的构图、整体色调以及画面中的物体描绘都是采用意象的表现手法，构图别致并具有韵律感，分别把近处的河，河岸边的枯树，远处的小山坡层层排开来推动空间的发展，加上质朴的色调，将意境和气韵表现的淋漓尽致，别具一格的传达浓郁的美感。
在作画的构思上，油画创作中也渗透着“禅”的美学思想。比如说西方油画中的虚实相生的创作手法，就借用的是这一美学思想。在绘画的创作中就体现为巧妙利用画面中留白部分，把虚与实相结合，产生以有限空间传达无限的视觉效果。中国传统山水画向来就注重虚实结合的手法，作画时在纸上留下空白的部分，看似随心的留白，其实也是画家为增强画面艺术效果的慎重思索所为的。这些留白或为天空、或为烟雾、或为江湖或为远山、或为深水，也可能什么都不是，只是一种感觉、印象而已。只为显现出一种禅意和淡远的境界，使画产生灵气和韵味，也为观赏者留有更多的想象空间，这就是中国传统的美学文化所倡导的。再例如，古典油画风景在写生中虚实的手法则体现在色彩的纯度、素描关系描绘的强弱、画面中主体物和其他物体刻画中的精略方面，这些都是写实风景油画虚实的重要因素。虚实关系处理的恰到好处，不仅给欣赏的人带来更多的想象和联想空间，利用这种虚实相生的手法，还能给画面营造一种意想不到的美，为油画作品的创作营造更多意蕴。
综上所述，我们会发现艺术中处处蕴藏着美学原理，美学指导着艺术的发展，艺术也传承体现着美学理念。油画如此，其它艺术也是如此。艺术和美学渗透在生活中的方方面面，无论是在人类的物质生活中还是精神生活中。因此，我们也应该培养自身审美情趣，注重发现生活中的艺术和美学，从理论的框架中走出来，加强对美的实践。
艺术美术学论文篇三
近期，我参加了一场关于艺术美术学的讲座，通过听取专家的分享，我深刻地认识到了艺术美术学的重要性。在这次讲座中，我学到了很多关于艺术美术学的知识，并且对于艺术的定义和表现方式也有了更深入的理解。
本次讲座中，专家首先介绍了艺术美术学的概念。艺术美术学是一门探讨艺术和美术的学科，研究的是艺术的起源、发展、演变过程以及艺术作品的鉴赏和创作方法等。通过这门学科的学习，我们可以更好地理解并欣赏艺术作品，丰富我们的审美意识和艺术修养。
第三段：艺术的定义和表现方式。
讲座中，专家还就艺术的定义和表现方式进行了深入的讲解。艺术的定义因时间、地域、文化等因素而迥异，但总体上都在探索美、表达情感、传递思想等方面有共同之处。艺术表现方式多种多样，如绘画、雕塑、摄影、音乐、舞蹈等，每一种艺术形式都有其独特的特点和表现手法。通过这些艺术形式的学习和欣赏，我们可以感受到不同艺术家的思想和情感，并从中汲取灵感和创作方法。
在讲座的最后，专家强调了艺术美术学对于个人成长的重要性。艺术美术学不仅可以培养我们对于美的敏感和欣赏能力，更能够提升我们的创造力和表达能力。通过学习艺术美术学，我们可以发现自己的特长和兴趣，并且培养艺术审美和创作能力。无论是在个人生活中还是职业发展中，这些都是宝贵的资本，能够让我们更好地适应社会的需求。
第五段：总结。
通过参加这次艺术美术学讲座，我深深地认识到了艺术美术学的重要性。艺术美术学不仅可以丰富我们的审美意识和艺术修养，更能够激发我们的创造力和表达能力。在今后的生活和学习中，我将继续关注艺术美术学的发展，不断学习和探索，提升自己的艺术水平，为社会做出更多的贡献。
艺术美术学论文篇四
摘要:中国画的教学已经由传统的拜师学艺模式转变到了现在的高校大规模扩招,中国画的技艺越来越普及。随着社会的发展和艺术实践的深入,中国一些艺术家和教育家逐渐树立起了自己的文化自信心,越来越认识到现行的高校中国画教学模式的问题存在着诸多弊端并亟待解决。
一、现状。
新中国以来的中国画教育已经走过了半个多世纪的历史,中国画的教学已经由传统的拜师学艺模式转变到了现在的美术学院的大规模扩招,中国画的技艺再也不是传统文人的专利,它随着教育规模的扩大已变得越来越普及。由徐悲鸿、蒋兆和、方增先为主要代表,以西方造型观念来统辖中国画教育成为中国画教育的主流。以水墨加素描的方式来塑造现实对象,为中国画在写实造型方面的开拓提供了可能,同时也丰富了中国画的表现技法,在形式上确实形成了与传统中国画迥然相异的面貌,培养了一大批造型能力颇强的写实中国画家,应该承认它为现实主义中国画的发展做出了重要的贡献。但是,再让我们回过头来看看中国美术的发展,我们不无遗憾的发现中国画的这个现代写实体系却没能培养出像齐白石、黄宾虹、张大千这样的大师级的画家来,而且立足于西方造型观念的教学体系本身也与中国传统文化有着相当大的抵触,笔墨与写实造型时常产生冲突,通常是笔墨在表达严谨写实的造型时,自身微妙丰富的效果荡然无存。
二、弊端。
现代高校中国画教育体系存在明显的弊端。
第一,不分专业的进行单一写实性教学,有碍于中国画各学科的个性发展。中国人物画在造型训练的时候借鉴一下写实造型还是可以的,但是山水画和花鸟画并不一定也要严格的画素描,这样容易失去中国画“应物象形”的美学本质。中国画的造型不是要求画得跟对象一模一样,而是要与对象有一定的距离,即追求“不似之似”和“美在似与不似之间”的审美理想。单一写实造型模式阻碍了中国画造型方式上的广度,而且也妨碍了中国画造型人文内涵在深度上的开拓,以至于大多数学生都是以写实独尊,而不能理解中国传统绘画中独到的造型方式,更不能认识到其中深刻的美学内涵。
第二,在中国画教学上不够系统。传统中国画的教育基本上是师傅带徒弟,学生可以通过广泛而深刻的临摹名家杰作十分系统的学习国画的表现技法、构图方式以及精神意境等各项内容,前后不会脱节,对绘画思想和技法训练都十分的有深度。但是现代学院教育却远远不如传统教学有系统,由于教师的经常变更,以及每个教师的艺术思想有很大的不同,造成学生在接受讯息的时候容易产生混乱,从而失去判断力。
第三,现代高校中国画教育过分注重技法的练习而忽视了中国画最为重视的“道”。“道”其实就是根植于中国人意识中的哲学思想,是中国人对宇宙、社会和人生的基本思考,中国画是通过绘画的“技”来体现“道”的,这个根本思想很多人还没有搞清楚,所以就不可能画出有深度的中国画。同时中国画又是人文特征很强的一种艺术门类,它十分强调绘画的文化含量。中国画最为典型的特征就是诗书画印一体,但学院学生整天是对绘画本体的重视,想尽办法把画画得如何的细致和深入,而忽视了画外之功。
对策。
要改变当前中国画教育的现状和纠正其种种弊端,尽管有着很多困难,但我们应该积极面对,并制定行之有效的应对措施。
第一,要改革现行的美术学院中国画专业入学考试制度。现行的美术高考入学是不分专业,一律实行统一考试,通常是素描、色彩,即使是考国画专业的学生也是如此。考生们每天都在面对着石膏或真人一遍又一遍的磨着光影,塑造着三度空间,对绘画造型的认识从一开始就蒙上了西画体系的影子。这种考试的方法,从源头上就阉割了中国画的生力军,这种破坏性的影响太深远、太彻底。
第二,强调临摹的作用,体现中国画的'文脉传承。现代的中国画教学在对传统技法的训练和对传统绘画思想的认识理解上都显得不够深入,学生无法深刻地理解中国画的笔墨精神和艺术格调,所画出的画缺乏“中国味儿”。要学习认识中国画的法度和精神就要深入临摹研究古代优秀的作品,就像陈绶祥先生所说:“学习的本质是临摹,学习的根本方法是重复”。只有大量而且虔诚的临摹中国画的杰出作品,才能真正领悟中国画的奥秘。
第三,建立独立的中国画评价机制,呼吁社会公正合理的评价制度。学院的中国画教学及评价基本上都是以一种统一的模式,采用的大都是徐悲鸿以来的教学模式和评价体系。尽管有一些老师和批评家“特立独行”,但也是“非主流”,终究不受重视。所以,这样一代一代的学生走向社会成为画家,深刻影响整个画坛。社会评价制度也是导致我们教学出现弊端的一个重要原因。社会上的主流美展基本上是受官方话语控制的,写实的、主旋律的作品是其主流。这样为政治服务的作品尽管在某种程度上缺乏美学的深度,但在参加官方展览的时候容易入展和获奖。
艺术美术学论文篇五
内容摘要：艺术的情怀和哲学智慧的结合，成就了中国画的精神。在纷繁复杂的现代，我们追寻探索中国古代哲学的精神，从“和”“道”虚实变化、淡泊致远中，探求中国艺术中反映民族与文化精髓的艺术表现语言。
关键词：中国哲学和道笔墨意象虚实。
艺术的使命就在于为一个民族的精神找到适合的艺术表现。而人的心灵意志和高远旨趣，乃至一个民族的精神，都要表现在人类的社会活动中，不可避免地与社会生活和社会文化有千丝万缕的联系。中国古代的社会文化与教育以诗书礼乐作为根基，“兴于诗，立于礼，成于乐”，从最低层的物质器皿，穿过礼乐生活，直达天地境界，是一片浑然天成的大和谐。古典和谐美作为古代艺术的理想，它追求的是心灵的自由流动，把自然作为最高的精神田园，从主观与客观、理想与现实、情感与理智、时间与空间，将心中的意向等处理和组织为一个平衡、和谐、有序的统一体。我们常常可以看到古代许多的杰作都是山水花鸟、树木青竹，山涧溪畔往往能见一人或两人，或对饮成趣，或静坐沉浸在天地的美妙之中，从中领会超越自然与人生的妙道，无不体现了“和”之“道”。
何谓“和”？中国哲学“以和为贵”，认为“和”是世界万物最本真、最具创生性的状态。和即是谐和、统一，是艺术最基本的性格。一切矛盾得到调和的世界才是最高的美，一切艺术作品，也正是世界调和的反复。所以才有庄子以和注释德，即是指人的本质就是和，正所谓“德者成和之修也”。人和上升为天和，庄子是以天和为道，和就是天的本质，只有和才能生道，才能生万物，“生生不已”；但它不同于“同”。“同”是缺乏生命力的，它意味着单调一律；而“和”是能化异为同，化矛盾为统一，却又允许异物的存在，逍遥出尘世，驰骋于艺术的大美世界中。在此状态中，精神是大超脱、大自由，“乘云气，御飞龙，而游乎四海之外，其神凝，是物不疵疠而年谷熟。”
“和”的思想渗透在中国画艺术中,使得中国画艺术在笔墨表现上讲“两和”。一是笔墨技巧之和。在用笔与用墨上讲求相反相成之理，卫夫人在《笔阵图》中形象地比喻道：“善笔力者多骨，不善笔力者多肉，多骨微肉者谓之筋书，多肉微骨者谓之墨猪。”可谓用笔单有力不够,还应刚中带柔；而墨法之妙又全在笔出，清代画家方薰说道：“墨法，浓淡精神，变化飞动而已。用墨，浓不可痴钝，淡不可模糊，湿不可混浊，燥不可涩滞。”笔、墨依照一定程式在纸、绢、壁上作画时产生的点、线、面、团、叠加、渗透、摩擦、转折，行笔徐疾、轻重、粗细，用墨运水多少所产生的光涩、枯润、曲直、方圆、厚薄，齐乱种种效果，这些效果引出的刚柔、道媚、老嫩、苍秀、生熟、巧拙、雅俗种种感受，以及技巧上的虚与实、巧与拙、繁与简、疏与密等矛盾双方达到了和谐统一,对立的概念成为相反相成的统一体，合乎天之造物,自无轻佻浑浊之病；另一是讲求笔墨精神之和。画由心生，笔为骨，墨为魂，“笔墨相为表里,笔为墨之经,墨为笔之纬,经纬联络,则皮燥肉温,筋骨健,而笔之四势矣。”中国绘画认为笔墨二者要互生、互动,和谐统一,才能“画以笔取气,以墨取韵”,这样才能达到如王维所言：“肇自然之性，成造化之功。或咫尺之图，写百千里之景。东南西北，宛而目前；春夏秋冬，生于笔下。”
“和”的另一个方面，就是意象之和。中国画最大的特征就是以有限的笔墨空间表达无限的“意”，无限的“象”。中国画的意境是什么？翟墨在他的《审美意境的构成》中这样说道：“意境，也可称为有情之境，因为它是由审美主体和客体各种矛盾的复杂关系所构成，它属于比形象更为丰富的美学范畴。画家按照自己的理想将生活中的实景用美的形式在作品中表达出来，形成一种能够引起共鸣的艺术境界。”这种意境，文学上是所谓的“言外之意”，而绘画中往往是“象外之境”，虚实相间，重在自身的体会与研修，强调内心的主观情思与自然物象的交融、浑化。它所呈现出的独特的空间包容了人类心灵与自然宇宙最深处的生命境象。
意境的创造最重要的是画家必须有一颗能体悟宇宙本原的诗心。现实世界中的人物鸣禽、虫鱼走兽、山川草木、江海湖泊、流云烟霞等自然物象为我们提供了一个蓬勃无尽的创作源泉。
中国哲学重视自然，对宇宙人生之道的把握，实际上是凭一种浸透着主体生命意识的诗性直觉。中国古代的哲学家，大都带有浓厚的诗人、艺术家素质，而中国诗人的灵性从来就蕴含着一种悠悠的形上情怀。中国哲学是诗性的，中国艺术是高妙的。在世人看来，国画作品所表现的是一种飘飘欲仙的理想王国与人类的不受世俗污染的真性情，仿佛是艺术家追求的一种出世情怀。作为中国哲学而言，它本身很难界定，既是现世的，又是出世的，它关心的是“不离日用常行内，直到天地未画前”。这是透着理想主义情怀的追求，体现在哲学家和艺术家心中，便成为对人生理想不断的追求，正是所谓的“内圣外王”，不断地操练自己，生活在哲学体验中，超越自私与自我中心，以求天地合一。这种操练一旦停止，自我就会抬头，内心的宇宙意识就会丧失，所以，为了达到圣人的理想，他们是永远不会懈怠的。
这种情怀自然体现在画家的笔墨之中，形成了其独特的表达方式，即富于暗示但却不是一泄无余。这也是中国绘画所追求的艺术目标。暗示的语言是如此的不明晰，但是所蕴含的几乎是无限的。在《庄子》的《外物》篇中这样说道：“荃者所以在鱼，得鱼而忘荃；蹄者所以在兔，得兔而忘蹄；言者所以在意，得意而忘言。”按照道家的思想，道不可道，只能暗示。笔墨的作用，好比语言，不在于它的.固定形态或是含义，而在于它的暗示，引发人们去悟道，引发人们去分享个人的所得，个人对待整个世界大美的态度。局限笔墨的所谓线条技法、浓淡干湿，其实都应该在完成它们的暗示作用后忘记，不要让人被并非必要的形式语言所拖累。近些年来，对笔墨的争论喧闹如此，其实不过是闹剧一场，我们所关心的不是笔墨本身的状态，而是讨论其真正的内心世界，外部状态不过是内心宇宙的反映。虚与实就是一个宇宙观的问题。
中国传统哲学理论认为:“宇宙空间是个太虚之境。太虚凝而成气,气聚而成物,物散而为气,气复散而为太虚。自然宇宙是气与太虚的统一,即物与空间的统一。”我们知道虚与实也是中国古代艺术美学中常用的一个概念：有形与无形，主观与客观，直接与间接，有限与无限，思想与意象等等，共同构成了中国传统的审美观。我们读古诗词，比如“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”，或是“日暮酒醒人已远，满天风雨下西楼”，体会到的往往是言外之境，弦外之音，让人如入一个具有意中之境，“飞动之趣”的艺术空间。画诗同理，所谓境生于象外，艺术意境具有“象”与“境”两个不同层次，由实入虚、由虚悟实，虚实相对，有者为实，无者为虚；有据为实，假托为虚；客观为实，主观为虚；具体为实，隐者为虚；有行为实，徒言为虚；当前为实，未来是虚；已知为实，未知为虚等等。直觉中看不见摸不着，却又能从画墨与空白中体味出那些虚像和空灵的境界，点点墨迹，和那画家苦心经营的看似不经意的空白，淡淡的几缕云烟，疏疏的几尾秋苇，或为江湖，或为深水，天地一体，渐入渐出，空灵之气跃然纸上。这正是“天地之间，其犹橐乎！虚而不屈，动则愈出。”“橐”即风箱，天地犹如一个巨大的风箱，充满了“气”，能使万物流动，生命不竭。车轮中心孔是空，车轮方能转动；杯子中间空，方能盛物；“气”是表现物体以外的“虚”，没有“气”，作品就没有生命。在中国画的意象结构中，没有虚空、空白，其意境就难以体现。中国画以线造型，取的就是线与线之间空白的含与意味，线为实，其为虚，体为空，其为实。正如宗白华先生所说：“中国画重视空白。如马远就因常常只画一个角落而得名‘马一角’,剩下的空白并不填实,是海，是天空，却并不感到空。空白处更有意味。”可谓实得“逼真而神境生”、虚得“空灵皆成妙境”的宇宙生命的空间。
如此“妙境”与“空灵”，追根溯源可以称之为“道”。
在中国古代哲学中，道被视为生命最终极的本源，它也是中国古典美学观念的原型。老子说：“有物混成，先天地生。”“道”是天地产生之先的原始混沌，它是万物形成之母，无从命名，我们称“道”为“道”时，这个名字只是一个指称，正所谓“自古及今，其名不去，以阅众甫”。老子的这一倾向，他所讲的“气”与“象”之间才能产生紧密关系。审美是对有限的“象”的观照，进而实现对“道”的观照。庄子说的“心斋”“坐忘”，都说明先要做到“澄怀”才能“味象”。“澄怀”就是“坐忘”，只有如此，我们才可能会有虚静空明之心境，才能实现对宇宙本体和生命的审美观照，即对道的观照。画家往往很注重自身的“虚静”之天性，很似孔子所谓的“乃凝于神”，因为“凝于神”，他所创造的作品，就不在外而在于他的精神之内，此时再“加手”去创造，不是以主观去追求客观的形态，而是以自己的手、自己的笔墨实现自己精神中的形与意，这样才能毫不歪曲地进入虚静之心的“表象”，主客观合一的创造也就无怪乎可以“惊扰鬼神”了。宋代郭熙将画家这样一个审美的胸怀称之为“林泉之心”，所谓“胸中宽快，意思悦适”正是此意。唐代美学家提出“境生于象外”，进一步地道出了“境”作为审美客体，比“象”更能体“道”。意象必须表现宇宙的本体和生命，作品才有生命力；南齐谢赫提出“气韵生动”的命题，就是这一思想的概括，它成为几千年来中国画的最高美学法则。
当一切喧嚣归于沉静，自然之心则归于淡泊。老庄皆以自然为道的特质，以为自然脱俗方能悟道。道是平淡天真的，只有去除一整套繁缛因明，才能外静内净，方能直指人心。万物以自然为性，至丽之极，而反若平淡；琢磨之极，而更似天然。正因为如此，虽然艺术必然要求变化，虽然凡是生命的东西必然有自然变化，但是没有淡泊的心灵，就无法窥视到对象的精神，画的再是尽诙诡怪异之变，也是死物而已。苏东坡所以知画，所以能创作有飞扬生命力的作品，就是因为他懂得保持一颗淡泊的心灵，“予尝论书，以谓钟王之迹，萧散简远，妙在笔画之外……独韦应物、柳宗元，发纤为简古，寄至味于淡泊，非余子所及也”，所以体悟“何如此两幅，疏淡含精匀”，这成为中国画基本性格的归结。
王国维在分析古典艺术成就时说：“最粹之文学，若自其思想言之，则又是纯粹之哲学也”，唯以其纯粹，故哲学与艺术通而为一，纯粹乃指哲学与美术为天下“最神圣、最尊贵而无与于当世之用者”。因为“哲学与美术之所志者，真理也。真理者，天下万世之真理，故不能尽与一时一国之利益合，且有时不能相容，此即其神圣之所存也。”“若夫忘哲学美术之神圣，而以为道德之手段者，正使其著作无价值者也。”中国哲学的终极关怀是做人，认为人类本真生命不应该受到外界的干扰和扭曲，突破世俗的利益去追求人生的价值，回归生命的本然；可见，中国古代哲学精神是以道德为精神，以内在真实为鹄，寻找生命的真实就必然要回归本来的心灵。这样的哲学价值一旦被艺术化，被艺术所吸收，艺术也就不仅仅是现实之外所构成的幻象，而是深化展开为生命构成中不可或缺的因素。
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艺术美术学论文篇六
中国画一路走来获得了长足的发展，也带来了各种思潮和风格的碰撞、交融。处在这样的历史条件下，随着这样的时代风潮，我们“80后”该何去何从是一个值得思考的问题。这一批人处在中国画发展的特殊时期的特殊地带，是值得给予关注的一个群体。
由于“80后”大都接受过高等教育，所以高校中国画系的教育也就成了至关重要的一个环节，高等教育给了我们规范、模式、感受、基础等一系列的东西，但同时也留给我们许多值得深思的问题。在高考的美术专业考试中，考试的项目基本上只有素描、色彩、速写，而报考中国画的考生却并未被要求加试任何与中国画专业特色相关的科目，这似乎有些让人感到不解和尴尬，这无疑是忽略了中国画的独特性和复杂性所在。人们可以问：学好了西方绘画就一定能学好中国画吗？或许有些人说可以，这也在某种程度上显现出了这个时代里占有极大市场的对于中国画的审美取向和评判标准。另一个事实是，随着西方造型艺术影响的扩大，在现今的高校中国画系里普遍注重基础造型等等技法的训练，而此处的基础技法训练大都以西方绘画中的训练方法为主，对于传统中国画的技法、历史、文化修养却少有提及。
中国画处在一个不稳定不成熟的时期，教育体系自然而然地受其影响，但是正如每种艺术形式都有其特定的发生发展条件。传统的中国画一直都维护笔墨的尊严，坚守着似与不似之间的那块领地。而它就是凭借着它的“传统”特性，独树一帜，不成为其它艺术的附庸。当然，历史也是在不断进步中的，发展和创新是必然的。毋庸质疑，不充分地了解传统是不可能有创新的，即使你是一个“反传统”，如果不熟读传统，就是落入前人彀中，也浑然不觉。
而“80后”和中国画的现状一样，处于一个尴尬的境地，所以我们在学习和创作的过程中总有很多困惑和不安情绪，致使很多人困在其中无法抉择，这或多或少的影响了一些人的发展。但换个角度来看问题，在这样一种背景和前提下，恰恰是我们发挥自身创造力的时候，因为这个时期给予了我们极大的发挥空间，鼓励我们出新出奇。
值得强调的是，我们绝不可以忽略传统，几千年来中国画界的先辈们的技巧总结，是历史、体会，更是方法论，是中国画一路走来的风雨历程。不了解传统的人如何了解中国画的本质，不了解旧的人又何谈新，何谈创新呢？传统还警示我们：学画要先学会做人，其人品高，画品自然高洁。学画还要重视学识的.积累，文史哲兼修，深厚的学养必然会浸润他的画风。这是经验，是劝导，使我们不至于误入歧途。
现在社会上有些人视传统为大敌，深怕掉进传统的泥潭无法出来，所以在还没完全走进去时就急着出来，这造成了一种普遍浮躁的恶性循环，使得很多的人已经不愿意，甚至不敢走进传统，而急功近利、哗众取宠的却比比皆是。这不禁让我们觉得，与其养成这样的陋习，还不如“归去”。从传统中打出来无疑是非常困难的，但不沉入传统却无创造可言。虽然这条路充满荆棘，、需要我们具有超乎常人的执着和努力，要有丰厚的学养和无数的创作实践的积累，当然还要有足够的聪明和才智。
“80后”的进退既关乎到中国画艺术在转型期的进展，也关系到我们自身的艺术之路，当然这条路需要我们自己去走，在这条大道上各显神通，而我们在当代中国画的情境下，如何认清自我，找到适合自己的位置和自己将要为之奋斗一生的道路是一个很深刻也是至关重要的课题。
艺术美术学论文篇七
活动目标：
1、能大胆尝试调配墨色的浓淡层次，了解水与墨的相互关系。
2、在体验、探索、欣赏中感受中国画的独特美感。
3、培养幼儿的欣赏能力。
4、体验运用不同方式与同伴合作作画的乐趣。
5、培养幼儿的技巧和艺术气质。
活动准备：
1、两幅幼儿水墨画作品;大师的水墨画作品一幅;。
2、水墨画常规用具(毛笔、墨汁、抹布、洗笔桶、宣纸等);。
3、一次性水杯若干。
活动过程：
一、比较，引出主题。
1、出示两幅幼儿作品，对比：“这两幅画在墨的颜色上有什么不同?”
2、教师小结。
二、探究水墨。
2、幼儿尝试、探究。
3、交流，小结。
三、欣赏水墨。
出示大师的'画，讨论：画上画了什么?墨的颜色有变化吗?你是怎么看出来的?
四、表现水墨。
1、交代要求：请你运用我们刚才调好的不同浓淡的墨去画画自己最想画的东西。
2、幼儿作画。
3、展示作品，同伴间互相交流。
活动反思：
通过对水墨画的教学活动，使学生发现自己的能力，建立起大胆创造的信心，让幼儿在动手操作的过程中把自己潜在的创造力充分表现出来。这种创造的过程将会使幼儿体会成功。每个幼儿的点滴创造不单能受到大家的尊重，同时也学会了尊重别人，唤起幼儿美好的情感，建立起健全的人格。
让幼儿开始尝试各种美术表现方法，对美术能力的发掘具有重要的意义。水墨画长期被儿童美术教育所忽略，认为它陈旧、僵化，会束缚孩子。其实，水墨画自有其随机、变通、接近童趣的一面。让幼儿们在水墨中玩起来，在游戏中了解传统、感悟自然、创造自己的表达方式，就开辟出了一块儿童绘画活动的新天地。
艺术美术学论文篇八
纤维艺术一词来源于英文“fiberart”，最早出现在20世纪70年代的美国。受欧洲壁挂艺术的影响，美国艺术家集传统艺术的精华，积极开拓现代纤维艺术。20世纪80年代随着中国的改革开放，纤维艺术也被引入中国，一些人相继受之影响，开始学习与参与，逐渐有了从事此类艺术的艺术家。
90年代末由清华大学美术学院率先在国内发起了“纤维艺术普及教育运动”，并通过“从洛桑到北京”国际纤维艺术双年展的学术交流平台，吸引了国内外众多艺术家共同参与，积极推动着中国纤维艺术的新发展，掀起了纤维艺术运动的热潮。而直接影响是国内50多所高等院校相继开设纤维艺术专业，在全国展开了对纤维艺术教育、学术交流、艺术创作的发展势头，良好地构建了一个新的精神家园，开辟了一片新的艺术天地。
纤维艺术之所以迅速地在国内得到发展，并被众多艺术家和纤维艺术爱好者接受，除普及教育运动和学习交流等外在条件影响之外，重要的因素，是人们对纤维艺术概念的科学定位的接受与认可。较传统的称谓“编织艺术”“织物艺术”“壁挂艺术”或“织锦艺术”更具有拓展性和时代感。纤维艺术的定位打破了传统观念，突破了传统的表现手段，其称谓更具有强烈的艺术感染力、亲和力和艺术表达魅力。
艺术形式以材料确定称谓的有诸多学科门类。如：油画、水彩画、水墨画、漆画等。各类造型艺术有各自不同的材料性能、不同的表达手段、不同的艺术魅力、不同的形式界定和不同的发展方向。从而创造出形式、风格各不相同的艺术作品，产生出不同的艺术接受和不同的艺术价值。纤维艺术这门学科应属典型的材料型艺术，是以纤维材料来定性的。纤维这种充满自然气息的材料质地，是与人类关系最为密切相关的，并具有一种与生俱来的亲和力。这种亲和力来自纤维材料自身的性质：柔、轻、暖、光滑。无论是在视觉上、触觉上、心理上都给人一种灵感。
传统的编织艺术、织锦艺术多采用动、植物纤维材料，再加上采用韵味情调的手工编织表现手段，吸取自然之灵气，奇思妙想任意塑造，工装饰或写实，能够唤起人们对大自然的深厚情感，抒发艺术家的思想情怀，其作品给人一种回归自然的“人情味”与柔和的审美艺术享受，在艺术接受上也能清除现代生活中大量使用硬质材料所带来的冷、硬、重、糙的反感情绪。
现代纤维艺术的产生，在很大程度上是由于艺术家们不满足于传统的表现手段和传统的材料的局限，而长期对新纤维材料的关注与尝试所产生的结果。早在20世纪初，在法国艺术家让·吕尔萨人倡导和影响下，壁挂艺术在国际上得到空前的发展和迅速的提高，尤其是在表现形式上，有着很大的超越。特别是60年代初，他在瑞士洛桑开创并定期举办“国际壁挂艺术双年展”，更是吸引了许多画家、设计家投入到壁挂事业中来，融入了新的设计创作观念和思想情感，以现代装饰的造型、色彩象征主义的艺术手法，丰富和强化了壁挂艺术的表现力，使其成为一种特殊的现代艺术表现形式。
国际纤维艺术双年展第一届到第三届，基本上是以古老传统的奥比松表现手法为主的作品，具有一定的故事情节，背景复杂繁多，人物写实，表现出精湛的工艺水平。从第四届开始，作品出现新的表现形式。特别是到了第五、六、七届，开始大量引用综合材料和综合表现形式的作品，出现从具象到抽裂、从平面到立体、从室内到室外等富有创造性的纤维艺术作品，反映了纤维艺术从传统艺术到现代艺术变迁与超越的过程。这种变迁与超越主要是艺术家推陈出新、长期对新材料的关注与应用所致。引用了不同的材料就确定了不同的表现手段，从而产生不同的表现形式。
传统的材料是以天然的动、植物纤维(丝、毛、麻、棉)为主，其主要表现手段是编、织等技术，而现代人造合成纤维材料(化学纤维、玻璃纤维、光导纤维)和金属纤维，另外还有纺织品、纸等材料的启用，使艺术家在创作风格上、表现手段上产生着强烈的激情，常常除了传统编织技法外，还采用环洁、缠绕、包裹、捆绑、粘贴、悬挂、排列等新的手段融入创作中去。材料的超载，使艺术家们大胆地进行现代观念和现代表现手段的赛马式竞争。
在创作领域、价值观、美学观上产生强烈的超越的渴望。许多作品摆脱了只限于观赏、陈设和装饰的概念，而成为现实生活的深度介入，成为人与生活对话与交流的应用品，成为纯艺术形式或抽象表达语言。不论是平面形式的壁挂艺术，还是立体形式的软雕塑艺术，或是建筑空间中的纤维构成艺术，以及装置艺术和纤维生活用品，都是因为纤维材料的拓展与超越引起的纤维艺术革命，使其走向一种“多元化”的发展时代。纤维艺术走到今天是多少代艺术家为之努力的结果，是从古老艺术到现代艺术的一种超越，是从传统观念到现代理念的一种升华。
艺术需要不断的创新与发展，新的纤维材料还会不断的产生，新的表达形式也将会不断产生。这就需要我们冷静地思考：纤维材料是否有界定，纤维艺术表达形式是否需要界定，纤维艺术作品是否有界定范围等等。现代纤维艺术中的一些作品似乎已经处于“纤维艺术”的临界点，处于模棱两可的状态的纤维艺术要发展、繁荣，对纤维艺术范畴的科学界定是值得艺术家们关注与探讨的重要问题。
参考文献：
[1]林乐成：《纤维艺术》，吉林美术出版社。
[2]杨琪：《艺术学概论》，高等教育出版社。
[3]尼跃红：《对中国国际纤维展艺术的评述》，中国纤维艺术教育与手工文化建设理论研讨会文稿。
艺术美术学论文篇九
将美的难以数计的表现形态类分为自然美、社会美和艺术美,似乎已成定论。这种分类忽视了异态纷呈的科学美。在美学教科书中,科学美要么被置于视野之外不予理睬,要么被囊括在社会美中一笔带过。实际上科学美跟自然美、社会美和艺术美一样,是一种相对独立的审美形态。忽视科学美及对科学美的研究,不能不说是整个美学研究的一大缺憾。
一如果说科学家体验到的主要是科学创造本身的美和科学理论蕴涵的美,那么不专门从事科学活动的人,在日常生活中更多地是感受到物化形态的科学设施和科学产品的美,譬如化学实验室赏心悦目的各种器具,现代天文台令人神怡的观测仪器,火箭发射场气势宏大的动力装置等等。我们在观赏这些试验器具、观测仪器、发射装置时,会产生类似欣赏音乐、绘画和其它艺术品时所体验到的那种愉悦感和美感。只要不采取虚无主义态度,一个对科学(包括理论形态和物化形态)稍有涉猎和接触的正常人,大概都不会否认科学美的存在和对科学美有过的美感体验。
尽管科学美的存在不容置疑,但美学家们和美学教科书的编着者们却对科学美视而不见、避而不谈。极少数美学论着即使谈到科学美,也是象蜻蜓点水一带而过。一方面,现代生活已使科学美逐渐分化出来,成为跟自然美、社会美和艺术美平分秋色的相对独立的第四审美形态;另一方面,科学美明显地被美学家们忽视和冷落了,尤其一些现代西方美学家和艺术家,他们在揭露和抨击现代物质文明所带来的社会弊病时,也将科学进步连同科学美作为牺牲品搭了进去。造成上述这种审美事实和审美理论“背反”与冲突局面的原因是极为复杂的,但归纳起来主要有以下两方面。
首先,传统美学理论局限了人们审美认识的视野和美学的思维空间。从古希腊美学到德国古典美学,有一个很重要的传统,那就是对艺术研究的极端重视,把美学研究的主要对象界定为艺术。在亚理斯多德那里,“诗学”便是美学的代名词。亚理斯多德以后的不少美学家认为美学就是艺术哲学,它的研究对象就是艺术。黑格尔就公开声称真正的美只存在于艺术中,因此,“我们对这门科学的正当名称却是‘艺术哲学’,或则更确切一点,‘美的艺术的哲学’。”[6]就连提出了:“美是生活”这一著名论断的车尔尼雪夫斯基,在美学对象问题上也未能挣脱西方传统美学的窠臼,他说:“美学到底是什么呢?可不就是一般艺术,特别是诗的原则的体系吗?”[7]就整个西方古典美学来看,重视艺术美的研究是它的优良传统,然而这一传统的确立却是以牺牲对现实美的研究为代价的。19世纪以前,就总体而言,由于科学技术活动尚未完全从社会生产活动中分离出来,科学美作为一个相对独立的审美形态也尚未完全从社会美中分化出来。西方古典美学对现实美尤其是对社会美的忽视,本身就意味对科学美的忽视。传统审美理论严重地阻碍了美学思维空间向科学领域拓展,因此美学家们死死抱住这种观点不放:艺术创造审美价值,而科学则创造使用价值,科学与美无缘。
其次,经院式的研究方法也严重阻碍了人们对丰富多采、异态纷呈的科学美现象进行研究归纳。美学研究者们只重视已有定评的美学经典论着,而忽视近现代科学家们“猜想录”式的谈美片论,更无意对人们的科学审美活动进行深入探讨,因此,也就很难从纷繁复杂的审美现象中抽象出“科学美”这一范畴来。从西方古典美学家那里,是很难找到科学美是相对独立的美的形态这一现成结论的。例如,哈奇生将美分为“绝对的”和“相对的”两种;狄德罗认为不存在绝对的美,只有这样两种美:“实在的美”和“相对的美”;康德则认为美不存在于事物的实在,而只有“自由美”与“依存美”之分[8]。黑格尔在认为“美是理念的感性显现”的前提下承认自然美与艺术美的存在;车尔尼雪夫斯基在批判黑格尔唯心主义的基础上肯定了(社会美)生活美的客观存在[9]。把科学美作为相对独立的美的形态,在美学经典中是找不着“出处”的。然而,对科学美及科学美感的论述却常散见于现代科学家、科学史家和哲学家们的论着。相对论的创立者爱因斯坦、英国科学史家w.c.丹皮尔、英国科学哲学家卡尔·波普尔都有过这方面的论述。但对美学的经院式的研究方法阻碍人们将思维触觉伸向跟科学有关的理论领域。
二
科学美作为相对独立的审美形态,如果从形态学角度作静态考察,可分为科学理论美(包括科学公式美)和科学产品美;如果从创造学角度作动态考察,又可分为科学理论创造之美和科学实验之美。科学美不仅体现于科学研究成果,而且显现在科学创造过程。
关于科学美的本质特征,笔者曾在有关文章中简述过[10]。这里稍加展开论述。
科学美是来源于自然美并能为我们理智所领会的一种和谐。科学美的实质在于反映自然界的和谐。
科学的对象首先是自然世界。科学的目的在于揭示自然的奥秘,见出自然的真貌,反映自然的规律。自然界在外观上纷繁复杂,似乎杂乱无章,但在实质上和谐统一,具有规律可寻。形式的多样性与本质的统一性,外在的复杂性和内在的单纯性,构成了自然界的基本特点。换言之,自然是统一的、单纯的,即和谐的。宇观世界如此,微观世界亦然。科学研究就是要力图把握自然的统一与和谐。一种科学理论成果,如果揭示了自然界的规律,反映了自然界的和谐,它就不仅是“真”的,而且是“美”的。科学的最高境界便是这种真与美的统一。科学史上,欧几里德的几何学,爱因斯坦的相对论,普朗克的量子论等等被人们称为“科学的艺术品”,看来决不是没有道理的'。
科学美是理智所领会的一种和谐。这一点很重要,它揭示了科学美的独特性。科学美决不是“自在之物”,它是科学家的理智对大自然的感知、领悟和发现。科学美所显现的固然是大自然的和谐之美,但它不是外在的、表层的、纯感官即可享有的美,而是内在的、深奥的、凭理智方可领会的美。对这一问题,著名法国科学家彭家勒作过精辟而深刻的论述。在彭家勒看来,科学家并非因为自然界有用才进行研究,而是因为自然界美才进行研究。他说:“如果自然不美没有了解的价值,人生也就失去了存在的价值。当然,我这里并不是说那种触动感官的美,那种属性美与外表美。虽然,我决非轻视这种美,但这种美和科学毫无联系。我所指的是一种内在(深奥的)的美,它来自各部分的和谐秩序,并能为纯粹的理智所领会。可以说,正是这种内在美给了满足我们感官的五彩缤纷美景的躯体、骨架,没有这一支持,这种易逝如梦的美景是不完善的,因为它们是动摇不定的,甚至是难以捉摸的。相反,理智美是自我完善的。”[11]彭家勒认为科学美源于自然美,美的科学大厦建筑于美的自然界基础上,但这种美不是直接打动感官的自然景色(外在之美),而是打动理智的自然和谐(内在之美)。
科学美的实质在于反映自然界的和谐。这一点也很重要,它揭示了科学美的客观性。由于科学活动是以理性为主导的创造性活动,是主体能动性、自由性的集中表现,因此科学与科学美的客观性也就往往被人们所忽视。一些唯心主义者总是把科学与科学美看作脱离自然与自然界的“人类理性的自然创造”,而那些具有唯物主义倾向的科学家总是强调自然对科学的优先地位。非欧几何学的创建者罗巴切夫斯基说:“人们不依赖世界的事物而试图从理性本身去引出数学的一切原理,对数学是没有用处的,而往往也不会被数学所证实。”[12]在罗巴切夫斯基看来,数学的概念、符号、公式并不象某些唯心主义者所断言的那样,是“人类理性的自由创造”,而是对客观现实的一种特殊的反映形式。科学(科学实验、理论、公式)之所以美,首先在于它能够把握客观实在,反映自然界的内在和谐。爱因斯坦曾指出:要是不相信我们的理论构造能够掌握实在,要是不相信我们世界的内在和谐,那就不可能有科学。如果忽视或否认了自然对科学的客观优先地位,那么就必然会忽视或否认科学与科学美的客观性,最终陷入唯心论泥潭难以自拔。我们认为,是自然的和谐与统一决定了科学理论的和谐与统一,是大自然的和谐之美决定了科学理论的和谐之美。
三
艺术美术学论文篇十
通过本课程的学习，使学生了解装饰艺术设计的专业范围，性质和意义。了解装饰艺术设计所涉及的专业知识和技能，以及学习的方法和设计的手段。通过学习，要求学生必须掌握装饰表现的基本原理和内容，掌握平面、色形、结构等图形的类型、功能、技法表现进行合理的应用和设计绘制。
二、课程基本要求。
通过本课程的学习，使学生在掌握了基本原理基本方法的前提下，有效地进入专业设计领域的学习，它是装饰艺术设计专业方向的基础和基本课程。
三、教学内容。
(一)装饰概述。
1、装饰基本原理(1)装饰功能。
(2)装饰特征(视觉、功利、审美)。
2、装饰表现(1)装饰要素(功能、美学、材质)。
(2)造型艺术(思维、观察、造型特征、艺术风格、使用功能)。
(3)现代艺术(观念意识、造型特征、艺术功能)。
(4)构成艺术(平面、色彩构成)。
(5)装饰与现代设计(6)书法艺术(7)民间工艺。
3、装饰造型(1)知觉经验。
(2)审美虚构(联想、思维、抽象)。
4、装饰形态(1)符号。
(2)图案。
(3)装饰构图。
(4)立体构形。
(5)基本法则(对称、平衡、对比、调和、韵律与节奏)。
5、装饰方法(1)平面装饰造型(概括提炼、夸张强化、平面处理、构成、破损造型、解构造型)。
(2)结构形式(对称中心、非平衡中心、张力适形、自由合力)。
(3)立体装饰造型(浮体形、圆体形、透体形、软体形)。
6、装饰色彩(1)色彩感觉(2)色彩构图。
(3)色彩归纳与借鉴。
四、教学参考书。
《商业插图》朱国勤编著华东师范大学出版社出版。
五、考核试卷及要求。
以任课教师的课题设计作业为主要内容，设计要突出。
六、说明。
按照教学层次,强调装饰基本原理和艺术表现部分，课题应围绕着这个主题进行设计。建议用多媒体课件、图例进行授课;通过作业的不同要求、练习、铺导、启发、指导学生掌握不同表现方法和思维创作能力，要求学生课外必须进行相关知识阅历。
艺术美术学论文篇十一
本课的知识点是：什么是艺术字、艺术字的样式、插入艺术字的步骤、更改艺术字的样式等。由于含有一定的艺术成分，所以容易引起学生的兴趣，教师要抓住学生的兴奋点展开教学。插入艺术字的方法和插入图片的方法大同小异，所以学起来不会太费力。在知识层面上应注重艺术字的样式选择，艺术字格式设置等内容的理解;在技能上应注重学生操作技能的培养与提高;在艺术角度上要有目的提高学生作品的表现力和对作品的欣赏水平。
二、学生分析。
对小学五年级学生来说，由于个人的兴趣爱好不同，每个学生对学习内容的兴趣也就有一定的差别。另外，由于学生的身心发展存在着不均衡性，对知识的理解程度也不同。教师在教学中要注意这种差异的存在。
三、教学目标：
知识目标：掌握插入艺术字的方法，学会插入艺术字“儿童节”，并能对其进行简单调整，能简单运用艺术字的设置方法设计个性作品。
能力目标：通过学生的尝试操作，提高自主探索的学习能力，培养学生审美情趣和语言表达能力。
发展目标：发展个人爱好，增进与他人的交往合作，激发学生的学习兴趣。
教学重点、难点：
掌握插入艺术字的方法，能对艺术字进行简单调整。教学准备：
1、多媒体网络教室。
2、学习环境(多媒体课件)。
四、教学过程。
一、激趣导入。
教师：同学们，我们上节课讲得什么内容呢?
生：插入图片。
教师：你们看看这幅图片是谁啊?你们喜欢吗?
师：我们现在看到的就是图片和艺术字的结合，那么今天我们就来学习插入艺术字。
课件出示课题：插入艺术字。
二、艺术字学习。
(一)自主探索。
教师出示范例:北京欢迎你1.让学生欣赏,简单评价。2.提出任务：能不能制作同样效果的作品。
1、教师出示问题，让大家带着问题去尝试自己的探索插入。黑板板书问题。
2、学生开始自主探究，尝试插入艺术字。
3、展示作品，教师点评，学生相互点评。
(二)、学生演示。
师：这个同学带的作品制作的很好，你是怎么做的?上来给大家演示一下吧。学生上来演示，教师随即指导。
1、调用艺术字功能。
找到菜单栏上的[视图][工具栏]下的“艺术字”选中(或者在菜单栏右侧空白处右击，在下拉菜单选中“艺术字”)，在编辑窗口下出现“艺术字”工具栏。
2、插入艺术字。
(1)在“艺术字”工具栏上选择“插入艺术字”按钮(最左边)，弹出“艺术字”字库的选择框。
(2)在字库里面任选一种样式，出现编辑艺术字的对话框。
3、上机与练习(老师进行个别辅导)。
(1)、学生二人一组，尝试练习，教师巡视指导。(2)、相互欣赏的品评插入的艺术字。(3)、师生共同回顾插入艺术字的方法。
二、分组合作再次探究。
a、学生分组利用艺术字工具栏其他按钮尝试操作。
学生：学生自由选择采用多种方法自学，边交流边实践操作，初步完成任务。
b、学生交流收获。
教师：你们的任务完成得真好!看看下面的问题，你会回答哪个问题，就请你来当小老师告诉其他同学，还可以边演示边讲解。
请你当老师：
1、这几种效果分别使用哪个按钮设置出来的?你找到它的“好朋友”了吗?
2、你使用了“艺术字”工具栏哪几个按钮，你能演示你的操作过程吗?
学生：自主选择问题回答和演示，表现优秀者将得到老师和同学们的称赞与鼓舞。
三、拓展练习。
教师：同学们任务完成得棒。下面让我们一起来看一则“征集艺术字作品”的广告：
课件演示：同学们，你们好!六月份将要出一期以“六•一”儿童节和学生学习生活、课余生活为主要内容的电脑小报，你想成为中心的小主人吗?你想看到自己喜欢的电脑小报吗?请你出谋划策，你可以为电脑小报设计刊头和版块标题，可以将刊头和版块标题设计成艺术字，一旦你的作品被我们选中，你将得到有趣的奖品，怎么样?期待你的参与。
教师：课件提示广告主要内容(主题：欢度儿童节内容：学习生活和课余生活任务：设计刊头和版块标题)为了方便同学们设计，老师为你们准备了一份小报背景(位置：学生机d盘素材文件夹)。
1、学生练习，教师巡视指导。
学生可独立完成;可自由组合，分工合作完成。
教师巡视指导，发现优秀作品请同学做到教师机上通过大屏幕展示给大家看。
2、作品展示，归纳小结。
学生作品展示交流,请做的好的学生边演示边讲解自己的作品的创意和制作。提示：
1、说说为什么要设计这样一个刊头或标题?希望在这份报纸或版块里看到什么样的内容?
2、说说你为什么把刊头或版块标题设计成这样的效果?(创意)。
四、课堂小结。
师：这节课你学会了什么?有什么收获?勇敢地站起来，跟大家分享一下吧。学生自由回答。
师：这节课我们就上到这儿，好，下课!
艺术美术学论文篇十二
论文摘要：课堂教学语言是一门艺术。教师的语言艺术应给人以美感，营造轻松愉快的氛围，激发学生兴趣，启迪学生的思维，优化教学效果，使学生的身心得到良好的发展。现从凝练、形象、节奏、幽默四个方面阐述了课堂教学语言的美感。
论文关键词：教学语言；凝练；形象；节奏；幽默。
课堂教学语言是指教师在教学过程中根据学生的具体特点和教学内容需要，以传授知识、介绍经验、交流情感为目的而使用的一种工作语言。它是衡量教师业务水平的重要标尺。“教学语言的优劣、教师的语言表达能力、驾驭语言的技巧直接影响到学生学习的主动性和教学的有效性，并影响和制约着教师主导作用的发挥，关系到教学的成功与失败。”
准确、严密、富于逻辑性是课堂教学语言的基本要求。然而，教学语言亦是一门艺术，除准确、严密之外，还需要给学生以美感，吸引学生，优化教学效果。如果教师的语言艺术能激发学生兴趣、营造轻松愉快的氛围、启迪学生的思维，就能引领他们在知识的海洋里愉快地遨游，并使他们的身心得到良好的发展。反之，如果教师课堂语言表达不得当或者枯燥乏味，甚至令学生昏昏欲睡，那就不应当指责学生的学习兴趣淡薄、课堂听讲不专心，而应反思自己教学水平了。课堂教学语言的美感性主要体现在以下四个方面。
一、简洁明晰——凝练美。
课堂教学语言应精简凝练，如果语言繁琐拖沓、翻来覆去、面面俱到，则不利于学生掌握知识的重点和理解知识间的联系，更不利于发展学生智力、培养学生能力。
对概念定理的解释、原理的说明、观点的阐述、事实现象的叙述与描述、知识点的讲解，用词要简洁，使学生易于理解所学内容，把握住教学重点。
要摒除题外话，可有可无的话不说，废话更要避免。教师要努力管住自己的嘴巴，仔细想清楚重复的内容是否是教学的重点或难点，想想这样的重复有无必要，对课堂的进展和学生的发展有何促进作用或负面影响，要避免不必要的重复和无意识的习惯性重复，还要避免无意义的口头禅，如“这个”、“那个”、“呃”、“是不是呀”、“你们想不想”等等。
学生对知识的认知程度很大程度上取决于教师能否在课堂上用凝练的语言将重点知识表达出来。教师要自觉锤炼语言，使语言尽量简洁明晰。
二、生动贴切——形象美。
有些教师上课语言枯燥乏味，很重要的原因是语言贫乏及表达苍白。俄国古典批评家别林斯基曾这样说明形象的特征：“当你读完了一部优秀作品之后，其中所描绘的人物就会像活人一样，以其所有极细微的特征——他的面貌、声音、举止和思想方式——完全显示在你面前；他们永远不可磨灭地印在你的记忆中，使你在任何时候都不会忘记他们。”
课堂教学语言生动、贴切、形象、栩栩如生，能引发联想与想象，能使学生豁然开朗并在其头脑中形成深刻的印象。这一点对于文科类课程（尤其是语文课）很重要是众所周知的，而对于理工类课程来说却常常被忽视。人们通常认为理工类课程的教学语言只要准确严密、逻辑性强就可以了。其实，生动形象的授课语言对于理工类课程也是相当必要的。这些课程本身就容易使学生感到枯燥和难学。如果教师能尽力使自己的教学语言形象生动、富于感染力，将会大大激发学生的学习兴趣，增进他们的认识与理解，提升教学效果。那么，如何使语言具有形象性呢？笔者认为，可以从以下两个方面做一些尝试。
1.语言具体直观，用词贴切生动。
选择生动贴切的词语进行形象的表述，给学生以具体逼真的感觉，吸引学生的注意力，唤起他们的求知欲。通过语言的刺激，在学生的头脑中对记忆的表象加工改造，形成新的印象，以激起他们的再造和创造想象力。教师应多积累词汇，多练习运用，加强语言修养，提高语言表达水平。
2.运用举例子、讲故事、修辞手段，如比喻(打比方)、引用等方法。
这些方式能使学生对繁复抽象的原理形成直观的感性认识，深入浅出，并使语言生动形象，富于感染力。
例如，教师为了告诉学生这样一个道理——对同一个问题，从不同角度研究可以得到不同结果。若能引用“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”这句诗来说明，就会给学生以形象的感受。
数学这一学科具有高度的抽象性，令不少学生感觉枯燥难懂。其实，高度抽象的数学内容可以以生动具体的材料为原型，借用举例、打比方、文学性语言辅助等方法使教学生动形象、通俗易懂。
在生活中经常遇到求利润最大、用料最省、效率最高等问题，这些问题涉及到数学中的函数和导数的知识，而这类问题对于学生来说有一定难度。教学中若能结合实际生活（如社会、校园、家庭生活），选择学生所熟悉的、感兴趣的相关实例进行教学则易于激发其兴趣，又能深入浅出，使他们更容易理解和掌握。
又如在物理、化学等课程中，若多举例子，将学生熟悉的生活现象、事实与物理和化学中的原理紧密结合，就能激发学生的兴趣与求知欲，并帮助他们理解和掌握知识。"。
三、抑扬顿挫，张弛有致——节奏美。
1.声音高低起伏的变化。
抑扬是语调的.主要表现手段。高亢为“扬”，低沉是“抑”。如喜悦时声高，忧伤时低沉，陈述时语调较平缓，表达疑问时语调上扬等，能引起学生的注意与思考。
2.适当的停顿。
教学中的适当停顿可以更好地表达教学内容，体现语言的结构和教师的感情，它有助于学生更清楚地理解老师所讲的事理，在停顿间隙进行思考和消化。
3.字音的轻重变化。
常采用重音来强调、突出某一内容，在表达不同的感情时字音的轻重也会有所变化。教师应正确运用字音的轻重变化来适应不同表达内容和感情的需要，同时也使语言具有一种轻重变化的美感。
4.合理控制语速的缓急。
教学语言节奏的快慢直接影响着学生的思维活动。课堂教学语言的节奏要以感情变化为基础，更要和教学内容本身一致，做到快慢得当、高低适宜。此外，还要留意学生的反馈信息，根据学生的情况调整语速的快慢，以掌控课堂节奏。
总之，课堂教学语言应根据教材内容的需要和感情的变化适当变换语调，或高昂或低沉，适当运用停顿，掌控语速，使语言抑扬顿挫、张弛有致，富于美感。平静时，语言平缓而清晰；讲述欢快、喜悦或诙谐幽默的情景宜用轻快的语言，声音清楚而不用重力；表现庄重、肃穆、悲痛、沉重或强调、引起注意等有关内容和感情时，则多用沉稳的节奏，语速较缓，音强而有力。这一点，对于语文、政治等人文社会科学类课程的教学来说，显得尤为重要，因为这类科目的教学内容本身就蕴含了丰富的感情。
四、幽默风趣——和谐美。
幽默是一种语言能力，讲话者在谈笑风生中阐述自己的观点，在妙趣横生中闪现理性的光芒，听者则在会心的一笑中、在轻松愉快的气氛里不知不觉地接受了说话人的思想与主张。
苏联著名教育家斯维洛夫曾说过：“教育家最主要也是第一位的助手是幽默。”学生大都喜爱有幽默感的教师，而不喜欢语言寡淡无味、表情呆板冷漠的教师。幽默风趣的话语能调节气氛，易使学生产生亲切感，还能消除学生的紧张情绪，或者化解尴尬，甚至消除疲劳。
“教师的幽默语言，可以含而不露地启发学生的联想，出神入化地推动他们的领悟，在师生融洽和谐的良好教学气氛中引起宽松愉悦的心理共鸣，使其学习愿望加强、学习效果大大提高。”幽默的教学语言也能产生一种向心力，把学生吸引到教师的身边，从而更有利于达到教学目标。
需要注意的是，课堂教学的幽默要把握好两点：一是要把握好尺度，不可过度，不能使幽默变滑稽；二是幽默的内容和形式要得当，不可庸俗化，幽默不是插科打诨、浅薄贫嘴，甚至低俗油滑。
幽默是一个教师智慧、学识、情趣和修养的综合体现，它要求教师具有广博的知识、丰富的想象力和过人的机智。教师应加强积累和修炼，使自己具有深厚的知识底蕴与良好的修养、情趣，心态平和宽厚、温雅豁达，并注意训练和锻炼自己的记忆力、反应力、思维力和想象力等，以便机智灵活地运用知识，这样才能使自己的课堂教学语言具备自然适度的幽默感。
五、总结。
时代在前进，科学技术在发展，教学手段也日趋现代化。然而，课堂教学离不开教师，离不开教学语言。课堂教学语言是一个教师的道德修养、性格特点及其应变智慧的外在表现。一个教师是否形成了自己的教学风格，很大程度上取决于其教学语言是否成熟。
苏联教育家苏霍姆林斯基曾深刻地指出：“教师的语言修养在极大的程度上决定着学生在课堂上的脑力劳动的效果。”因此教师要努力锤炼自己的语言，提高教学语言的艺术性，使自己的课堂语言不仅具有科学性、准确性、逻辑性，还要富于美感，吸引学生，激发他们的学习兴趣，更好地传达教学内容，获得最佳的教学效果。
艺术美术学论文篇十三
摘要近年来，纤维艺术的发展在国内非常迅速，中国纤维艺术的创作已进入了一个新的高潮，很多艺术家开始投入到纤维艺术的创作中，涌现出风格各异的纤维艺术作品，对材料技法等方面的独特释义表达出现代纤维艺术的多元性发展趋势。
但由于国内现代纤维艺术起步较晚，与国际纤维艺术的发展观念和意识脱节，使现代纤维艺术的发展进程中会出现各种问题，笔者试图通过对现代纤维艺术的发展进程进行研究，以期对纤维艺术在国内的教育、创作和艺术品市场方面能够有良好的促进作用。
纤维的运用在中国由来已久，我们古老的祖先认识并利用纤维的历史可以追溯到旧石器时代，纤维具有天然的亲和性和保暖性，与人类的生存息息相关，在为人类提供基本的温暖保障之外，还传达着愉悦视觉感受和触觉感受。
千百年来，人类在不知不觉纤维材料造物的过程中将纤维织物造就成了一个承载体，承载了不同国家的历史、文化，承载了不同民族的信仰和希望，将不同民族的情感织进了各类纤维实用品和艺术品中，并且与物质、精神、生活、艺术的经纬交织中融为一体，随着经济改革开放的到来，中国的纤维艺术在原有平面织造的基础上也迎来了新的创作高潮，众多画家、工艺美术家、艺术院校的师生积极参与到纤维艺术的创作中，多方面的国际学术交流也使中国现代纤维艺术步入了世界纤维艺术的行列，中国的纤维艺术进入了空前的多元的创新与探索时代。
现代中国的纤维艺术经历了从临摹为主追求绘画真实效果到主观能动的追求对纤维肌理、材质、空间及观念的结合以及对立体形态表现的过程，然而，在中国现代纤维艺术积极发展的过程中有很多问题是值得艺术家们思考的。
纤维艺术的材料的丰富性和制作手法的多样性，使得现代纤维艺术取得了相当程度的发展，但是由于中国近现代的纤维艺术早期脱胎于本土的绘画艺术临摹和地毯工艺，后期受国外纤维艺术选材和创作手法影响，中间没有有效的衔接过程，致使很多纤维艺术作品的创作没有体现出作者想表达的初衷，再加上选材和创作手法选择的不协调，观众也无法从艺术作品中感受到作品想表达的深刻内涵，感受到的仅仅是视觉效果上的不同而已。
首先，不同纤维材料的选择与运用有利于表达艺术家的艺术思维和主题，但是从目前很多探索和实验性的纤维艺术作品来看，选择纤维材料的局面不容乐观，创作者虽然是从探索的目的出发来选择材料的，但是并没有将纤维材质本身的特点发挥出来，很多西方艺术家虽然选用多种不同纤维材料和多种表现形式来进行纤维艺术作品的创作和探索，但是其作品根源上并未脱离纤维“细”和“柔软”的特性，并且更多地选用天然纤维表达作品主题和内涵，这也是我们需要特别注意的，不能单纯为了表达作品的与众不同而抛开纤维材料所具有的最基本的特征。
其次，一些纤维艺术作品除了不注重纤维艺术作品所具有的本质性特征外，单纯着重精神和内涵表现，这作为欣赏性的艺术作品也无不可，但是任何艺术作品的最终归宿不能在展览后就收归仓库，这也背离了纤维艺术作品所具有的“温暖”和“柔软”特性，这些特征是其他艺术作品所不能体现和替代的，因此，纤维艺术作品的创作除了在着重表达画面内涵外更应该注重与实际环境的契合，以此来达到装饰空间、温暖空间视觉效果的目的。
再次，从创意入手，还原纤维艺术作品的手工性，但是保有纤维艺术手工性的艺术价值有一定的难度，尤其是现代装饰品市场上手工技艺的廉价性再次出现，市场上涌现大量廉价仿手工制品，从作品的选材到制作工艺和用途都毫无艺术性可言，只冠以纤维的名称进行极度市场化的翻版制作，失去了纤维艺术所具有的独特艺术语言和艺术魅力。
纤维历经千百年的变化，纤维材料大大丰富，用于纤维艺术创作的纤维材料从天然的棉纤维、麻纤维、丝纤维、毛纤维发展到现代的化学合成纤维、人造纤维，如锦纶、腈纶、氯纶、维纶、丙纶、涤纶等，甚至金属纤维也大量运用到纤维艺术的创作中，纤维艺术作品的创作形式和作品表现形式使艺术家的创作主旨表达得更为鲜明和充分。
纵观中国现代纤维艺术展览和各大双年展上的纤维艺术作品，对纤维艺术材料语言的探索基本分为两类，一类是坚持选用传统纤维材料并根据材料的特点探索新的编织或表现形式和手法，另一类是选用现代特质的新型纤维材料，并根据新材料的光泽度、柔软度、韧性程度及绝缘、防腐、阻燃等特性，开发与之相适应的编织技法或表现形式，虽然两者选用的纤维材料不同。
但是由于制作手段上的交叉应用，使得纤维艺术材料的选用和作品的面貌极具装饰个性，但是我们需要认识到的是，中国现代纤维艺术的进程近年来受国外艺术家的选材和表现形式的影响，虽然在纤维艺术选材上有较大的突破，但是从根本上来讲，用于现代纤维艺术创作的材料并不都适合于作品主旨的表达，对于选材和编织工艺的结合还存在一定的盲目性。
虽然纤维都具备如下特质，轻薄感、厚重感、粗糙感、细腻感、柔软感、坚硬感、疏松感、紧密感等，但是这些独特的艺术视觉或触觉的心理感受，并不能被每一位艺术家游刃有余得体现到艺术作品中，因此，虽然现代新材料的出现有利于现代纤维艺术的创作表现，但我们还是建议在现代新纤维材料运用的基础上适当保有传统编织和纤维艺术的根源，让两者能够充分地融合，才能在此基础上更好地表达纤维艺术所具有的种种特质，这也是其他艺术形式所不具备的。
三民族元素和特征在纤维艺术中的体现。
中国自古以来就是丝织大国，但是目前我们看到的各大纤维展览上，丝织材料和工艺几乎销声匿迹，大量新材料的选择和运用带有一定的盲目性，充分展现了我国织造技术特点艺术作品除了少量传统的簇绒工艺外，其他制作形式和材料的作品则很难见到，因此，突出表达纤维艺术作品的本土特征也是一个难点，而其他国家的艺术作品我们却能感受到很鲜明的民族特色，我们应该意识到在纤维艺术的发展过程中，保留继承和发扬传统的纤维艺术内涵和意趣，也是发展我国纤维艺术值得探讨的问题。
各国艺术家的材质选择和技法结合充分使人感受到本国纤维艺术的源流和历史，前苏联功勋艺术家基维堪达雷里，在艺术创作中一直使用古老的高比林技法来表现作品，如《山泉旁的歌声》通过高比林技法表现了格鲁吉亚高加索山民节日的欢乐场景，技法的怀旧性与民族性表现无疑;再如，日本著名纤维艺术家福本潮子的《夏夜》是用日本传统染色技艺来表现“海上生明月”的意境，也充分展现了具有日本传统特色和代表的染色工艺;又如，美国拼布，拼布历史在美国由来已久，艺术家充分运用此项技艺创作做艺术作品，充分表达作品的艺术内涵。
美国是一个移民国家，纤维艺术家们有着各自的文化背景、生活经历和体验，体现在作品上的是一种文化的蜕变，是与美国现代文化的融合，美国艺术家的思维极其活跃、大胆，然而现代观念并不影响他们学习传统和从世界各民族的传统文化汇总汲取营养，创造性地运用到了自己的作品中，因此他们的成就必然是多元化的。
反观中国现代的纤维艺术作品对于中国传统元素和技艺表现者寥寥无几，而国外艺术家对此表现更为主观和生动，如挪威艺术家托娃佩德森的作品《上海巨轮下水典礼》大胆运用了中国民间的传统喜庆色彩和图案，运用中国四五十年代最具生活代表性的图案，如牡丹、彩带、红日等图案烘托巨轮在海面上的喜庆场景，表达作者对中国文化的理解和赞美。
艺术美术学论文篇十四
曾经诞生了近代中国第一家纱厂、第一所纺织学校的江苏南通，今冬成为第七届国际纤维艺术双年展(简称“纤维艺术展”)的举办地。老厂房、老土墙，配上柔软鲜艳的纤维制品，竟让人完全感觉不到违和感，反倒是有出人意料的惊喜。国际化、时尚化的纤维艺术，正悄悄“拨动”中国产业转型和观念更新之弦。当来自37个国家和地区的307件纤维艺术作品在南通唐闸古老的厂房中被灯光照亮，高雅与生活可谓珠联璧合，古老而年轻、传统而现代有了最恰当的解释。
本次展览以“回归与超越”为主题，展出来自美国、英国、波兰、加拿大、意大利、瑞典、丹麦、德国、巴西、荷兰、澳大利亚、格鲁吉亚、韩国、日本等37个国家和地区以及来自清华大学美术学院、中央美术学院、中国美术学院、吉林大学美术学院、沈阳大学美术学院等80余所综合大学艺术院校及职业技术高校的300余件作品。祖籍南通的著名艺术家、教育家袁运甫先生也携其大型纤维艺术作品《喜马拉雅》参展。南通本地参展作品16件，其中，南通市副市长朱晋的刺绣作品也被特邀参展，以展示南通纤维艺术的发展风貌。
当代纤维艺术发源地是瑞士的洛桑，正是从那里开始点燃了当代纤维艺术最初的薪火，开创了世界纤维艺术新的视野。从1962年开始到1995年的33年时间里，洛桑双年展共举办了15届，每一次展览都推动着这一领域的艺术创作向前发展，新的创作思想和表现手段使它逐渐摆脱传统壁毯艺术的束缚，成为人们尝试、表达艺术观念的新的舞台，在这个舞台上呈现的作品，不断丰富着人们的视觉，扣动着人们的心弦，激发着人们的思考。洛桑双年展的停办，在某种程度上令国际纤维艺术失去了活动的中心和展示的舞台。
自然之源自然和生命永远是艺术家创作的源泉,对于自然和生态和谐的关注是本次亚洲纤维艺术展的焦点之一。众多艺术家通过作品来表达对自然和生命的美好赞颂,无论是灵感来源还是表现手法,自然中的一花一木、一草一叶都是艺术家关注的对象。
本届双年展在江苏南通举行有着深刻的历史意义。中国人最早的自办纱厂诞生在江苏南通，中国近代第一家纱厂“大生纱丝厂”由中国近代实业第一人张謇建立，于1895年正式开机生产，极大地鼓舞了中国企业家振兴实业的热情。而今，南通市人民政府在“十二五”规划的指导下，立足于当地百年纺织文化传统，建立了中国纤维艺术与手工文化创意产业园区，促进其民族文化产业的新发展、新繁荣。正如总策展人邓林女士在开幕致辞中所说：“在拥有百年纺织历史的工业老厂房里，在参差的红砖、斑驳的泥墙面上，纤维艺术作品融入了空间、融入了历史，此时，纤维艺术与老厂房浑然天成为一件完美的艺术品。”因此，选择在南通举办新一届的国际纤维艺术双年展既是对中国纤维艺术、民族纤维企业的“百年回归”，亦是对中国纤维艺术产业化、民族化、国际化发展新篇章的“世纪开幕”。本届双年展向世界拉开了中国纤维艺术产业发展的帷幕，展示中国纤维艺术产业园区和生产基地的建设成果和发展蓝图，并以国际纤维艺术双年展为契机，引进国际优秀纤维艺术创作者、设计人才，汲取世界各国纤维艺术产业发展的成果和智慧，为中国纤维艺术文化产业的发展积累经验.今年的展会主题是“回归与超越”，参评作品要体现出传统材料、技艺和当代艺术、理念的融合。这三幅表现荷花绰约风姿的刺绣作品，就是今年唯一的金奖作品.由中国艺术家洪兴宇、丁剑欣创作的中国汴绣《荷韵》，其绒彩夺目、严整富丽、明快奔放，在传统汴绣的基础上融入高科技的元素和技法，勇于创新，敢于超越，对当代纤维艺术的拓展进行了很好的诠释，赢得了大家的一致肯定。
