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心得体会是一个自我成长的过程，让我们更加明确自己的目标和方向。总结时，要如何排列自己的思路，让读者一目了然？阅读这些范文可以帮助我们更好地理解心得体会的写作方式和表达技巧。
读中国美术史心得体会篇一
民间美术是中国传统文化的重要组成部分，它承载着人民群众的智慧和情感，记录着他们的生活和思想。深入了解中国民间美术史，我感受到了其丰富多样的艺术形式和独特的审美情趣。在这篇文章中，我将分享我的心得体会，探讨民间美术的演变历程、审美价值以及对当代社会的启示。
首先，民间美术的演变历程与中国历史和文化的发展密切相关。在古代中国，民间美术更多地表现在建筑、绘画、雕塑等方面。例如，古代民间文化中的建筑如皇城、宫殿、庙宇等，以及山水画、花鸟画、人物画等在绘画艺术上的表现，都展示了中国民间美术的独特魅力。而到了近现代，随着中国社会的改革开放和现代化进程的推进，民间美术也出现了新的表现形式，如剪纸、刺绣、泥塑等，这些形式在今天依然得到广泛的传承和发展。
其次，中国民间美术的审美价值在很大程度上体现了中国人民的生活哲学和审美情趣。中国传统文化中有着独特的审美理念，注重和谐、平衡、自然等要素的表现。这种审美追求体现在民间美术中，如传统山水画中所强调的“远山如黛、近堤如线”的意境，就具有高度的审美价值。此外，民间美术中的许多艺术作品也强调了生活的美好和人与自然的和谐。比如，一些宗教信仰的民间艺术作品，如佛像和神像，都体现了人民群众对于美好生活的向往和信仰。
然后，中国民间美术对当代社会的启示也是不可忽视的。在现代社会中，人们虽然生活水平有了较大提高，但也面临着一系列问题，如环境破坏、物质主义等。中国民间美术的精神和价值观给我们提供了一种思考和反思的路径。例如，中国传统文化中所强调的天人合一、天人相应的观念，对于我们强调人与自然和谐相处、保护环境、追求精神层面的幸福具有重要的借鉴意义。此外，中国民间美术中的许多作品还表现了人民群众的艰苦奋斗和乐观向上的精神，这对于当代社会中的困难和挫折也给出了积极的答案。
最后，中国民间美术的保护与传承是当前亟待解决的问题。中国传统文化中的许多艺术形式正面临着濒临失传的危险，这其中包括了很多民间美术形式。因此，保护和传承中国民间美术的任务显得尤为重要。相关部门应加大对于民间美术的保护力度，加强艺术家的培养和传承，同时也应通过推动相关法律和政策的制定，为民间美术的保护创造良好的环境。
综上所述，中国民间美术是中华文化的瑰宝，通过对其演变历程、审美价值以及对当代社会的启发的探讨，我们可以更好地理解中国传统文化的博大精深。同时，我们也应将其保护与传承作为一项重要任务，共同努力，让中国民间美术继续繁荣发展。
读中国美术史心得体会篇二
随着共和国的建立，新中国美术也迎来了发展的新时期。从1949年到今天，我们可以看到新中国美术的发展历程，包括不同时期的不同风格和主题，经历了许多变动。在新中国美术史的漫长历程中，我深受启发和启发，认为：“四十年基础、一百年学问”的口号准确而经典。在此，我想通过总结分享我的心得和体会，以表达对新中国美术的敬意和感慨。
第一段：风格的变化和趋势的变更。
新中国成立初期，美术界主要局限于西方写实主义的表现方式，形成了“人民美术”这一概念，并为政治宣传服务。文艺工作者的创作受到许多限制，但由于对时代的紧迫需求和政治宣传的需要，造就了许多优秀的大型作品。改革开放后，外来艺术进口增加，各种风格的文化和流派进入了中国。同时，当时的社会政治经济形势又发生了很大的变化，刺激了美术界的繁荣。因此，自新中国成立初期到改革开放时期，中国美术风格不断的调整和发展，而且也呈现了多样化、全面化的发展趋势。
第二段：艺术的内化和外在表达。
新中国美术在创作中不断地追求个性化，重点表达艺术家对生活的感受和思想。与此同时，艺术作品的审美、思想和形式在内化的同时也得到了外在的展示和表达。这样的表现方式可以更好地向人们传达生活情感和社会歪曲的人类情感，从而让更多的观众体会到作品的意义和价值。
第三段：创作思想和价值观的变化。
在美术历史上，古典现实主义和写实主义是传统的风格，而在新中国美术创作中，大量形象主义和象征主义出现，许多艺术家思想和价值观念得到更新和变化。在这样的背景下，艺术家为了更好地表现个性思想和情感，投入更多的心血，创造出了许多优秀的艺术品来。这些品质高于以往的作品，在经典基础上，创造出了更多的艺术性和观赏性，也反映了当时社会的发展和文化的进步。
第四段：创新的重要性。
在新中国的美术史中，带有创新元素的作品更容易被公众接受和传承，吸引更多人的关注和喜爱。在新中国的美术史中，很多致力于创新的艺术家，创造了很多深具特色和个性的艺术品，以此迎合人们期望，为美术的发展带来了新的气象。
第五段：艺术创作的意义和目标。
作为一种人文学科，美术创作给人们代入一种美的体验和思考的思考方法，更是表达人们生活方式的一种被动反映。在新中国美术史中，不仅表现了当时社会的局限和问题，也比较深刻地体现了中国人民的爱国情怀和民族意识。因此，新中国美术创作也为文化的传承注入了新的活力，让人们更加深刻地认识到中华文化的宝贵经验和传统文化的不朽精神。
总之，在新中国美术史中，我们看到了许多优秀的、值得推崇的艺术家们。他们以自己的艺术作品为载体，传递了中华文化和民族精神。作为旁观者，我们更应以欣赏和批评的眼光、赞扬、启示和鼓舞艺术家的努力和创造，促进新时代中国美术的发展。
读中国美术史心得体会篇三
《中国美术史教程》,是我大学时的一本教科书，记载着我国很多的美术历史知识，最近利用业余时间又重新读了此书，整理概括了各个时间或朝代中国美术发展状况。现总结如下:中国是世界四大文明古国之一，有着悠久的历史和灿烂的文化。中国美术也同样渊源流长，具有鲜明的民族风格和卓越成就，在世界美术之林中独树一帜。在漫长的的历史年代里，中国人民在美术领域里发挥了聪明才智，知名美术家众多，创作了不计其数的优秀美术作品，许多美术遗迹保留至今，成为中国乃至世界人民的宝贵财富。中国美术的伟大成就，让我们引以为豪。因此，作为一名美术教师，有必要了解中国美术的光辉历史，丰富自身文化修养，培养高尚的审美情趣。并在教学中传授给学生，增强学生爱国主义思想、民族自尊心和自信心。
原始社会的美术主要体现在对石器的制作、使用和装饰品的制作。劳动是从制作工具开始的，制造劳动工具是人类的特点。由于劳动人类才从动物界脱离开来。生存于距今7_万至2_万年前的北京猿人，经过了漫长岁月的劳动实践，大脑已比较发达，手脚完全分工，右手已相当灵巧，并已产生了有音节的语言。语言的产生和思维能力的发展密切相关，而思维能力则又是艺术创作的前提。北京猿人在石器的制作和使用上，已就积累了不少经验。他们能制作各种不同用途的石器，对造型样式有了一定的认识，初步掌握了一定的造型手段。而距今1万8千年前的山顶洞人的创造活动，除了有较过去精良得多的劳动工具外，还出现了前所未有的装饰品。从鸟骨线纹、穿孔贝壳、孔眼兽牙、染色石串珠这些装饰品中我们可以看出，山顶洞人对已掌握了一定的装饰艺术品的知识和技巧。并有了精神财富的创造，包涵着他们强烈的审美意识。他们对美得若干规律性认识从此产生。
当中国的远古人类跨过了石器时代、金石并用的时代,就迎来了金属时代——青铜时代。以青铜工艺为代表的美术创作是我国古代美术史上的又一个高潮。揭开了中国美术史的新篇章。其中出土最大的青铜器是19__年出土于河南安阳侯家庄的司母戊鼎。此鼎造型雄伟庄严。鼎为长方形，四个柱形足的外侧有突起的兽面，鼎腹中间光洁，四周皆装饰以龙纹组成的兽面纹装饰带。直立的鼎耳上铸有双虎相向而立，中间夹有一浮雕的人头形象，给人以精神上的威慑和压抑。如此精美的青铜器，体现了商代青铜工艺的高超水平。也反映了当时社会、政治、宗教的审美意识和审美观念。
进入了战国时期后,出现了最早的真正独立的绘画作品《人物龙凤帛画》、《人物御龙帛画》。两幅画都有一定的技巧水平。《人物龙凤帛画》画法比较古朴，具有一定的装饰风，而《人物御龙帛画》技巧比较成熟，人物形象准确，神采生动，不仅追求外部形貌的肖似，更注重通过外貌的描写揭示内在的精神气质。体现出了“形具而神生”的理论。此两幅画可以看出我国战国时期人物肖像艺术成就,楚国贵族妇女的基本特征和“楚王爱细腰”的审美时风。也为秦汉绘画的发展打下了良好的基础。秦汉时期的美术作品在壁画、画像石、画像砖、帛画、书法等方面都取得了不小的进步，但让世人瞩目的无疑是秦始皇陵兵马俑。兵马俑的内容包括战车、骑兵、步卒、弩兵等。兵马俑都与真人真马等高或稍高，制作工序复杂，形象多样生动传神，体现秦朝战士的精神风貌。兵马俑阵容庞大，组织严整，巨大的规模和恢宏的气势，是秦王朝国力和武力的象征，是对秦始皇统一伟业的歌颂。高超的写实水平和对人物精神气质的成功塑造充分体现了那一时代雕塑艺术的飞跃发展和进步。
到了隋唐,佛教壁画在艺术上呈现焕然一新的景象。由欢乐明亮代替了阴森血腥,从中可以看出当时的社会现象、宗教思想与人们的愿望。如《净土变》、《药师净土变》等壁画。唐代审美理想一改之前的“清赢示病之容”，更喜“丰腴华贵”。从张萱人物画中,我们可以看到,张萱画的妇女形象丰腴硕体,服饰艳丽,描绘的是盛唐贵妇的欢乐情绪。体现出当时社会生活的丰衣足食，人民生活开心安宁。同时，和平富裕的社会环境促进了精神世界的发展。
到了宋代,文人画风出现,宋代文人画家强调主观感受在笔墨上的流露,都在“笔墨情趣”中披露自己的心境,在技法上注重“写意”,如，苏轼认为绘画不是不要形似,而是认为形似并不是绘画的终极目的,只有神似才是绘画的最高法则。苏轼非常重视构思,注重“意在笔先”。北宋的山水画以高山流水为主体,给予人们的审美感受宽泛、丰满而不确定。南宋，更注重简单化、单纯化的形式,诗意的追求和细节真实同时并举,以简化繁中国艺术的境界美在这里得到了进一步的发展,随着人们的审美观念的转变山水画也在发生着变化。
元代,士大夫画在宋金的基础上有着明显的发展,成为令人瞩目的现象。元朝前期具有一定社会地位的士大夫画家，如赵孟頫，高克恭，商琦等，具有很大影响。也有一些宋朝遗民如郑所难、龚开灯，在绘画中寄托对先朝的怀念，并以曲折的方式表露他们的政治态度，元代中后期在画坛中显露才华的多是遭遇落魄、经历坎坷的文人。创作上以山水花鸟及墨竹、墨梅最为盛行。他们强调文人士大夫的艺术趣味，重视笔墨性能的发挥，以诗文题画成为作品重要的组成部分，使书法、文学、绘画结合为一体。对明清文人画的发展具有直接和重大的影响。
到了明清,画家众多，画派林立，盛况超过前代，绘画在社会上有了很大的普及。文人画仍占主导地位。但民间绘画也非常活跃，年画和版画的成就十分突出。宫廷绘画创作一度表现出振兴的局面。宫廷、民间和文人画艺术有一定的互相渗透和交流。代表画家有：明朝王履、刘俊、李在等。最著名的莫过于“江南第一风流才子”唐寅。唐寅在山水、人物、花鸟画上都有不小的成就。清朝，八大山人最为人所知。其“拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘”，“不拘成法，长于水墨，画风朴拙二不作矫饰，笔墨含蓄而沉郁丰富，把写意花鸟画继承发展到了一个新的水平。同时，西方美术开始通过传教士传入中国，清代宫廷有少数外籍画家，他们的创作和画风为某些中国画家所吸收，对民间美术也有一定的影响。真正对西方美术的学习和借鉴在鸦片战争以后。
重读《中国美术史教程》让我收获颇多，在这仅仅陈列了部分美术发展概况，具体情况无法一一陈述。毕竟中国美术博大精深，和中国历史一样源远流长。了解中国美术史的发展，知道中国美术的艺术种源，在教学中让学生感受美术的美、学会鉴赏美术的美。足矣!
原始社会人在长期的生产劳动中，改造了自然，同时也改造了人本身。进入旧石器时代晚期，中国的古代祖先已由早期智人发展为晚期智人。生产劳动和工具的制造，使他们的思维能力得到提高，既能进行物质生产，又能相对独立地进行精神生产，这就为绘画的萌始准备了条件。在距今_万年左右的山西省朔县峙峪旧石器时代晚期遗址中，发现了一件刻着似为羚羊、飞鸟和猎人等图像的兽骨片，猎人以此寄寓猎获野兽的意想和愿望。
这种刻有仿生图像作品的出现，为绘画的产生揭开了序幕。约_万年前，中国进入了新石器时代，人们在长期的有秩序的定居生活中，不断地总结和积累经验，从而掌握了制陶技术，并且在陶器制作和图案装饰的过程中，提高和丰富了艺术造型的能力。由于技术的进步，出现了先在陶坯上彩绘花纹后再烧制而成的彩陶。分布在渭水、泾水流域一带的老官台文化(距今约70__～80__年间)已有绘着简单纹样的彩陶。这是迄今发现的最早的彩陶。老官台文化彩陶的彩绘颜色有以氧化铁为主要成分的红色和高岭土为主要成分的白色。
在距今60__多年的陕西省宝鸡市北首岭半坡类型文化遗址中，还出土了紫、红两种彩色颜料锭。老官台文化彩陶上的红色宽带纹用宽笔绘成，而几何图案和符号则用细笔绘成。由于人们进一步掌握了颜料、笔等绘画工具，使绘画的兴起具备了必要的物质条件。中国原始社会绘画的发展有自己的特点，这和中华民族的形成过程有关。
中华民族是由各区域的不同部族融合而成的，因此随着各族的不断交融，绘画表现的社会内容愈来愈丰富，除去写实的表现方法外，还有运用想象的表现方法。从这特点来说，对以后中国绘画的发展方向产生了深刻的影响。
中国绘画肇始于原始社会，至少有60__年以上的历史。原始社会人在长期的生产劳动中,改造了自然,同时也改造了人本身。进入旧石器时代晚期，中国的古代祖先已由早期智人发展为晚期智人。生产劳动和工具的制造，使他们的思维能力得到提高,既能进行物质生产,又能相对独立地进行精神生产，这就为绘画的萌始准备了条件。在距今_万年左右的山西省朔县峙峪旧石器时代晚期遗址中，发现了一件刻着似为羚羊、飞鸟和猎人等图像的兽骨片，猎人以此寄寓猎获野兽的意想和愿望。这种刻有仿生图像作品的出现，为绘画的产生揭开了序幕。
约_万年前,中国进入了新石器时代，人们在长期的有秩序的定居生活中，不断地总结和积累经验，从而掌握了制陶技术,并且在陶器制作和图案装饰的过程中,提高和丰富了艺术造型的能力。由于技术的进步，出现了先在陶坯上彩绘花纹后再烧制而成的彩陶。分布在渭水、泾水流域一带的老官台文化(距今约700_～800_年间)已有绘着简单纹样的彩陶。这是迄今发现的最早的彩陶。老官台文化彩陶的彩绘颜色有以氧化铁为主要成分的红色和高岭土为主要成分的白色。
在距今60__多年的陕西省宝鸡市北首岭半坡类型文化遗址中，还出土了紫、红两种彩色颜料锭。老官台文化彩陶上的红色宽带纹用宽笔绘成，而几何图案和符号则用细笔绘成。由于人们进一步掌握了颜料、笔等绘画工具，使绘画的兴起具备了必要的物质条件。
中国原始社会绘画的发展有自己的特点，这和中华民族的形成过程有关。中华民族是由各区域的不同部族融合而成的，因此随着各族的不断交融，绘画表现的社会内容愈来愈丰富，除去写实的表现方法外，还有运用想象的表现方法。从这特点来说，对以后中国绘画的发展方向产生了深刻的影响。
学习了《中国美术史》后，我有了很深的感触，了解了祖国灿烂、悠久的美术史。中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。
秦始皇统一了六国，在当时最为著名的艺术作品是秦始皇兵马俑，秦始皇兵马俑有步兵，指挥部，浩洗荡荡的显示了秦皇朝的军事力量，其布局严谨，形象逼真!在变化中有统一统一中有变化!
魏晋南北南北朝时期，由于战乱人们的思想没有寄托时刻，印度的佛教从西部进入了中国于是在后续的文明历史有出现了有关佛教文化的艺术作品：山西大同云岗石窟，河南洛阳龙门石窟，甘肃天水麦积山石窟，焞煌莫高窟等，在魏晋南北朝时期也出现了很多画家有书书法家，分别是陆探微、张僧繇、顾恺之，王羲之，在绘画方面内容由于玄学的出现有描绘自然风景的，有描绘时空的，有描绘神仙故事的等，在技法上其三杰都做不同的贡献尤其是顾恺之首先提出了“传神”的重要性，克服了前代的说教内容的缺点，扩大了题材的多样性。
宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》。
纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的.首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握。在中国传统绘画教学中,临摹是主要手段《芥子园画谱》便是把各种物体做了最为主观最为抽象的概括,使之程式化和符号化,山石的皱法有荷叶皱,披麻皱,斧劈皱等不同形式,树叶有"个"字点,圆叶点.都是具有中国传统精神的符号系统.后人学习就从这些符号开始,在符号系统内进行再创造.
关于色中国画没有应用科学的色彩分析法,讲究主观壅塞,大多数就是单色黑白关系.但是这种黑白关系有着很强的新联诗,“运墨而五色具.”“五色”说法不一,或指焦、浓、重、淡、清;或指浓、淡、干、湿、黑;也有加“白”,合称“六彩”的.实际乃指墨色运用上的丰富变化。所谓墨分五色,即黑白关系蕴藏着丰富而抽象的色彩关系.即使青山绿水画也是极为主观的用色而非真实的用色.就连最为写实的工笔画也只是描绘物象的固有色,而不是科学的光影环境色,从理论上说仍是主观的.墨彩中的清而有神.是由其它深浅不同的墨彩衬托出来的。
这学期我学习了中国美术史的读书摘后中感受，通过这段时间对中国美术史的学习和认识，了解了祖国灿烂、悠久的美术史，并有了很深的感触与心得。
中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。
远古时代即旧石器时代和新石器时代他们艺术的体现在石器的运用和陶器的产生，总而言之远古美术的产生是艺术与实用功能的完美的结合。如当时人们劳动的工具生活的工具都是劳动的产物，可以说是来源于劳动的。在新石器时代其文化发源于黄河流域那便是彩陶，其类型有半坡型彩陶，庙底沟型彩陶其最著名的是青海大通孙家寨出土的《舞蹈纹彩陶盆》其主题其唇部及内外壁均有彩绘：主题纹样由三列相同的舞蹈场面组成。每组五人，手拉手跳舞，排列整齐，动作协调，面向左侧，两腿略有弯曲，呈踏歌状，下体的尾饰甩向左侧。场面欢快热烈，描绘简略稚拙，却又清晰动人。除了彩陶山东的黑陶也有着别具一格的灿烂文明!
从殷商时期由于青铜器的产生便进入了奴隶社会，青铜器在商代最为鼎盛，青铜器的用途大致是：乐器、武器、煮饮工具还有是礼器，礼器是青铜器最主要的功能，因为它象征着皇权，所以当时有些成语“一言九鼎”等。青铜器由于具有礼器的性质，所以在造型上和纹上显示特别的狰狞，其用意是体现皇权的威力与至高无上的政治特征。最著名的有《司母戊大方鼎》其重875公斤，也是我国历史上最重的青铜器。
在平列式构图中对人物关系的处理体现了人的情思及精神状态，其画法与画理均体现了现实主义的美学特征。其代表作品有《洛神赋》《烈女传》《史女箴图》。
五代十国周文矩，顾宏中等。
宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》。
苏轼，方同等。
元明清时期是文人画发展的最高峰时期其形式是诗书画印，诗情并茂!
纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的.首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握.山的走向,树木怎么长,长在什么地方,石头用什么质地的表现,都是主观抽象的.既然失去了光影和焦点同时法则,失去了西方风景画的空间关系,那么,山和树和水的表现也就变成了一种符号.在中国传统绘画教学传统中,临摹是主要手段《芥子园画谱》便是把各种物体做了最为主观最为抽象的概括,使之程式化和符号化,山石的皱法有荷叶皱,披麻皱,斧劈皱等不同形式,树叶有"个"字点,圆叶点.都是具有中国传统精神的符号系统.后人学习就从这些符号开始,在符号系统内进行再创造.
关于色中国画没有应用科学的色彩分析法,讲究主观壅塞,大多数就是单色黑白关系.但是这种黑白关系有着很强的新联诗,“运墨而五色具.”“五色”说法不一,或指焦、浓、重、淡、清;或指浓、淡、干、湿、黑;也有加“白”,合称“六彩”的.实际乃指墨色运用上的丰富变化.清代林纾用等量的墨汁，放置在五个碗内分别加以不等量的清水，用以作画来区分浓淡，理解不免机械。所谓墨分五色,即黑白关系蕴藏着丰富而抽象的色彩关系.即使青山绿水画也是极为主观的用色而非真实的用色.就连最为写实的工笔画也只是描绘物象的固有色,而不是科学的光影环境色,从理论上说仍是主观的.墨彩中的清而有神.是由其它深浅不同的墨彩衬托出来的.换句话说,也就是在一幅画的空白部分,画出某种事物的清淡影子,而这清淡影子,在这幅面面上却具有极其重要的表现价值,它反映着某一时间空间的特点,使看的人深入画里,想像着这些影子里,埋藏着许许多多的事事物物.所以我们对这种画,认为是有余不尽,耐人寻味的(如图二).这样的墨彩画完全符合我们对好的抽象画的理解和要求.
关于标准中国画强调纯艺术的,合乎法则的生机勃勃的美,而不是所谓逼真的美.“六法者何?一气韵生动是也,二骨法用笔是也,三应物象形是也,四随类赋彩是也,五经营位置是也,六传移模写是也.”这种标法主要是根据唐代美术理论家张彦远《历代名画记》的记述:“昔谢赫云：画有六法：一曰气韵生动，二曰骨法用笔,三曰应物象形,四曰随类赋彩,五曰经营位置,六曰传移模写.”“气韵生动”或“气韵,生动是也”,是指作品和作品中刻画的形象具有一种生动的气度韵致,显得富有生命力.气韵,原是魏、晋品藻人物的用词,如“风气韵度”、“风韵遒迈”等,指的是人物从姿态、表情中显示出的精神气质,情味和韵致.这也正说明了它应用抽象绘画形式的一面.如说“气韵有发于墨者，有发于笔者”,“气关笔力,韵关墨彩”.这已不是谢赫原意，而是后代艺术家、理论家根据自己的体验、认识对气韵的具体运用和新的发展。气韵与传神在说明人物形象的精神特质这一根本点上是一致的,气韵则更多的指人物的全体尤其姿致谈吐所传达的内在情性,或者说内在情性的外在化.在谢赫时代,气韵作为品评标准和创作标准,主要是看作品对主体表现的因素，气韵就指的是作为主客体融一的形象形式的总的内在特质了.能够表现出物我为一的生动的气韵，至今也是绘画和整个造型艺术的最高目标之一.。
我们常常为中国悠久的文明、精湛的艺术感到骄傲.诚然,祖先智慧与经验的结晶,是我们宝贵的财富,但不应该成为艺术创作的禁锢.宋人为躲开唐诗这座高峰的阴影,独辟蹊径——作词;元代文人更抛开诗律与词牌——制曲.循规蹈矩或许不功不过,但久而久之,便会使原本鲜活的艺术僵化.“创”，是艺术领域里永恒的话题.
读中国美术史心得体会篇四
中国绘画肇始于原始社会，至少有60__年以上的历史。原始社会人在长期的生产劳动中，改造了自然，同时也改造了人本身。进入旧石器时代晚期，中国的古代祖先已由早期智人发展为晚期智人。生产劳动和工具的制造，使他们的思维能力得到提高，既能进行物质生产，又能相对独立地进行精神生产，这就为绘画的萌始准备了条件。在距今_万年左右的山西省朔县峙峪旧石器时代晚期遗址中，发现了一件刻着似为羚羊、飞鸟和猎人等图像的兽骨片，猎人以此寄寓猎获野兽的意想和愿望。这种刻有仿生图像作品的出现，为绘画的产生揭开了序幕。
约_万年前，中国进入了新石器时代，人们在长期的有秩序的定居生活中，不断地总结和积累经验，从而掌握了制陶技术，并且在陶器制作和图案装饰的过程中，提高和丰富了艺术造型的能力。由于技术的进步，出现了先在陶坯上彩绘花纹后再烧制而成的彩陶。分布在渭水、泾水流域一带的老官台文化（距今约700_～800_年间）已有绘着简单纹样的彩陶。这是迄今发现的最早的彩陶。老官台文化彩陶的彩绘颜色有以氧化铁为主要成分的红色和高岭土为主要成分的白色。
在距今60__多年的陕西省宝鸡市北首岭半坡类型文化遗址中，还出土了紫、红两种彩色颜料锭。老官台文化彩陶上的红色宽带纹用宽笔绘成，而几何图案和符号则用细笔绘成。由于人们进一步掌握了颜料、笔等绘画工具，使绘画的兴起具备了必要的物质条件。
中国原始社会绘画的发展有自己的特点，这和中华民族的形成过程有关。中华民族是由各区域的不同部族融合而成的，因此随着各族的不断交融，绘画表现的社会内容愈来愈丰富，除去写实的表现方法外，还有运用想象的表现方法。从这特点来说，对以后中国绘画的发展方向产生了深刻的影响。
读中国美术史心得体会篇五
中国民间美术史是一部丰富多彩的历史，记录了中国人民的智慧和创造力。通过对中国民间美术史的学习，我深刻体会到了其独特之处，下面将从五个方面展开论述。
首先，中国民间美术史展示了中国人民的审美情趣和艺术创造力。中国民间美术源远流长，拥有丰富的艺术形式和表达手段。从传统的民间绘画、剪纸、蜡染到瓷雕、雕塑，每一种形式都展现了中国人民对美的独特理解和审美追求。例如，皮影戏是中国民间艺术的一种重要表现形式，通过操纵剪影，再现了戏剧性的故事和形象。这种艺术形式不仅地方特色鲜明，而且充满了浓厚的艺术氛围，充分展示了中国人民的智慧和创造力。
其次，中国民间美术史反映了中国的传统文化和民族精神。中国是一个拥有悠久历史和灿烂文化的国家，民间艺术是传统文化的重要组成部分。例如，中国年画作为中国农民在过年期间贴在门上的装饰物，既寓意祈祷丰收和好运，又展示了独特的田园风景和生活画面。这些年画以其色彩鲜艳、形式多样的特点，成为了中国传统文化中不可或缺的一部分。这些作品不仅仅是艺术品，更是记录了中国人民传统生活和民族精神的珍贵资料。
第三，中国民间美术史揭示了中国文化的多元性和包容性。中国是一个多民族、多文化的国家，民间美术反映了这种多元性和包容性。各个少数民族都有自己独特的艺术表达方式，如藏族唐卡画和壮族壮锦。这些艺术形式融合了各民族的艺术特色，展现了中华民族的多民族文化瑰宝。无论是在技艺上还是在创意上，这些作品都展现了中国文化的多元与独特，为我们现代人民提供了宝贵的文化财富。
第四，中国民间美术史凸显了民众参与和民主艺术创作的重要性。与宫廷艺术不同，中国民间美术强调的是平民百姓的艺术创造力和参与性。无论是农民的剪纸、绘画还是工匠的木雕、陶瓷，几乎所有的艺术形式都与地方社区和民众生活息息相关。这种民主的艺术创作方式为普通人提供了展示自我才华和审美观点的机会，丰富了全民的艺术生活。
最后，中国民间美术史传承和弘扬了中华优秀传统文化。随着现代科技的飞速发展，传统文化正面临着日益丧失的危险。然而，中国民间美术史作为中国传统文化的重要组成部分，通过记录和传承，有效地保护了传统艺术和文化的存续。同时，通过近年来的复兴运动，中国民间美术史逐渐焕发出新的活力，并开始与现代艺术相结合。这种融合使得中国传统文化焕发出新的生命力，并赢得了更广泛的认同和欣赏。
综上所述，通过对中国民间美术史的学习，我深刻体会到了其在审美情趣、传统文化、多元性、民主创作和文化传承方面的重要性。了解和研究中国民间美术史，有助于我们更好地理解中国传统文化的丰富内涵，同时也有助于促进中华民族的文化自信和创新力的增强。我相信，只有深入学习和传承中国民间美术史，才能更好地将这种宝贵的艺术遗产传递给后代，让中国文化在世界舞台上绽放出更加夺目的光彩。
读中国美术史心得体会篇六
作为一个人文学科的学生，我对中国美术史一直都抱有浓厚的兴趣。而刚刚结束的这门课程《新中国美术史》更是让我对中国美术历史产生了更加深刻的认识和理解。通过对美术史的学习，我深刻地意识到了中国传统文化对于美术创作的重要影响，也在此基础上反思了新中国美术发展的历程和现状，尤其是思考了新时代美术创作的出路与发展。
第一段，回望传统——中国美术的源流。
中国美术历史悠久，有着丰富的文化内涵和艺术传承。在学习新中国美术史的过程中，我们首先要回顾中国美术的源流。中国传统美术融合了历代艺术的精华，是中国文化的精髓。从千古到今，中国艺术家以耕耘艺术为己任，创作出无数精品力作，涵盖了宗教、政治、经济和生活等各个方面。中国画、书法、篆刻等艺术种类无不体现出中国传统文化的魅力，而这些文化元素也成为美术创作的灵感来源和表现形式。
第二段，反思发展——新中国美术的历程与状况。
新中国美术在这个优秀传统的基础上，经历了一个由浅入深，由小到大的发展过程。新中国成立后，美术在政治、宣传、美化城市以及民间雕塑等方面起到了重要作用。在这个过程中，我们不仅可以看到美术在文化建设中的作用，同时也应该反思新中国美术在创作语言和内涵上应该如何与时俱进，与生活相连，折射现实、反映时代。而从发展现状来看，新中国美术目前的问题也非常突出，有不少创作陷入商业化泥潭，一些作品过于借鉴外来元素，而在美术教育方面，对传统艺术的继承、创新和传承也存在一定的困境和挑战。
第三段，前瞻未来——新时代美术创作的出路与发展。
在回顾历史和反思现状的基础上，我们需要思考新中国美术的未来发展。在新时代，美术创作应该注重表达更加深刻的思想内涵，以实际问题和思想深度为基础，探索新的表现方式和创作方式，摆脱商业化的束缚。同时要更加注重对中国传统文化的继承和创新，发掘中国艺术与世界艺术交流的平台，让中国美术在全球的文化背景中发挥中华文化的影响力。
第四段，理性分析——现代美术为何要承担社会责任？
美术是一门视觉艺术，美术创作也要承担更多的社会责任。在现代社会，文化艺术对于人们的生活和精神生活也发挥着极其重要的作用，求新、求变、求创新和求个性是现代社会的主流，而美术创作也需要更多的走向现实生活，关注社会问题，并以此不断挖掘和表达内在的文化力量。美术作品不应该只是让人欣赏而已，它也需要具有社会价值和社会责任。
第五段，结语——新中国美术展现的文化自信与未来发展。
作为一名文化人，我对新中国美术充满自豪，同时，从新中国美术的历程中，我更多地看到了中国文化和艺术的自信与魅力。中国文化源远流长，在新时代中，新中国美术也展示出了自身的价值和魅力，中国美术要想继续发展，就要弘扬中华文明，充分实践中国信念和道路。在不断地变化中打造美术创作，在国际舞台上展示自身的文化自信，以及对于文化艺术保护的责任感，这对中国美术的未来发展有着直接而实际的意义。
在“新中国美术史总结心得体会”这篇文章中，我探讨了中国美术的源流、新中国美术的历程与状况，新时代美术创作的出路与发展以及现代美术为何要承担社会责任等重要问题，并结合自己的思考和观点对这些问题进行了深入的分析和解读。希望未来中国美术在接受中外文化的融合和交流的同时，不忘传承中华文化的优秀传统，弘扬民族精神，提高自身的创作水平，不断为中国文化美术事业的发展作出更大的贡献。
读中国美术史心得体会篇七
大学中国美术史，是一门让人深刻了解中华文化精粹的学科。其背后蕴含着丰富的艺术文化，具有至高无上的艺术价值。在这门学科中，我们将学习到中国美术发展的历程，了解中国美术的精髓和传承等等。自学习这门课以来，我的心境发生了巨大的转变，对于中华文化有了更深刻的认识。
第二段：了解中国艺术的文化背景。
在大学中国美术史的学习过程中，我们了解到艺术的脉络来自于历史文化的积淀。这些积淀最早源于六朝魏晋的文化，赋予了艺术自身的历史内涵。从此，中国的艺术开始了新的征程，传承和发展。学习中不仅是对艺术家的理解、对文化的认知，还包括理解艺术什么是美，以及如何表达这种美。
第三段：继承传统与时俱进。
我们可以看到，中国的美术，其实在长时间的历史中占据了非常重要的位置，其艺术特点独树一帜。对于学生来讲，理解这些非常重要，因为我们必须继承传统而又与时俱进。理解传统并不妨碍我们创新，创新也不代表我们可以彻底舍弃历史内涵。这就是艺术的魅力和难度，需要我们去琢磨、去思考。
第四段：艺术投射社会的变革。
任何一门艺术课程，并不是仅仅在钻研纯艺术中追求美感，还能够衍生许多深层影响。在中国近代史的时期中，艺术扮演了极为重要的角色。追溯历史，中国的文化与革命、社会进步是息息相关的，这就需要我们从艺术出发，去理解历史中的社会背景。引导我们去理解艺术所发挥的作用，及其为什么会如此影响现代中国社会。
第五段：受益匪浅——对中华文化的理解。
总之，大学中国美术史的学习对于我们了解中华文化、发掘文化价值、提高历史意识等方面都有很大帮助。从历史的深度和广度来理解艺术，对我们的人生之路是有益的。通过这门课程，我们能够了解和欣赏中国美术的精华，真正理解到：艺术不仅是空灵高远的视觉感受，也投射了社会历史。学习大学中国美术史，我们不仅能够生动地了解中华文化，更能够受益匪浅。
读中国美术史心得体会篇八
大学中国美术史课程是许多艺术专业学生必修的重要课程。在这门课程中，我们学习了中国美术史上的重要艺术家、风格特征及其发展历程。通过学习，我对于中国美术史有了更深刻的理解和认识，同时也充实了我的艺术修养。在这篇文章中，我将分享我对于这门课程的心得和体会。
在中国美术史课程中，最重要的就是学习中国绘画的基本知识和流派。从先秦时期到现代，中国绘画有着漫长而璀璨的历史。我们学习了传统水墨画、工笔画以及现代绘画等不同流派的特点和各自的艺术表现手法。通过学习，我们对于中国绘画的历史和艺术特色有了更加全面深刻的认识，也更加明白了中国绘画的发展和演化。
第三段：名家的艺术创作。
在中国美术史课程中，我们学习了许多宝贵的艺术资源，了解了众多艺术家的经典作品和风格。著名画家如张大千、齐白石等人的艺术成就和作品，给我们留下了深刻的印象。我们通过研究这些艺术家的作品，体验了他们的艺术创作氛围和追求精神，更好地理解了他们的创作思路和艺术特点。
第四段：作品鉴赏和评价。
在学习中国美术史课程中，我们不仅要学习艺术家和他们的作品，还要学会如何对作品进行鉴赏和评价。当我们欣赏一件艺术作品时，不仅要看到它的美感，更要了解背后的文化内涵和创作者的意图。如何看懂一个画家的作品，并在批评中发现其中的名贵品质，是非常重要的技能。通过不断的学习、观察和思考，逐渐锻炼出判断艺术价值的能力。
第五段：总结和收获。
在学习中国美术史的课程中，我们不仅仅学到了相关的专业知识和历史，也学到了更多人文情怀和艺术鉴赏层面的东西。我们透过框定的时间和空间，通过艺术家们的表达，发现了一个时代的历史变化和社会文化氛围的转变。随着学习的深入，我们深切体会到文化和艺术的重要性，学习中国美术史是一个令人启迪和教育程度提高的经历。
总之，中国美术史课程是一门让人深受启迪的课程，它不能只停留在学科的层面，更应该引领着我们探寻绘画之外的更深奥秘。我相信，通过这样的学习，我们能够更好地理解和欣赏中国绘画，同时也能拥有更全面更宽阔的视野，感性和理性相互交融，在艺术中发现更多的美好和价值。
读中国美术史心得体会篇九
中国美术史是我们中国民族文化宝库的一个重要组成部分，而大学中国美术史课程则是我们更好地了解和弘扬中国传统文化的重要途径。在学习这门课程的过程中，我不仅从中认识到了中国美术的发展变迁历程和艺术特色，更重要的是对其背后蕴含的文化精神有了更为深刻的认识。在此，我想就我的学习心得和感受谈一谈。
中国古代艺术是中华文化的重要组成部分，其独特的艺术表现形式吸引了世人的目光。学习中国美术史，我们有机会欣赏到古代中国艺术的代表作品，如洛神赋图、清明上河图、千里江山图等。在欣赏这些作品的过程中，我深深感受到了中国古代的审美价值观，以及以‘天人合一’的哲学思想为基石的艺术理念，这一切都赋予了这些作品深刻的文化内涵，弘扬了中华民族的精神与情怀。
二、认识中国美术史的发展变迁及其主要流派。
中国美术历史悠久，发展历程博大精深，其中包括了多个历史时期和不同的流派。在大学中国美术史课程中，我不仅了解了中国美术史的发展脉络，还深入研究了不同流派的艺术特色和风格。这种常识对于美术的创作和鉴赏都有很大的帮助，它能让我们在更深层次上感受到艺术的魅力以及作品背后所蕴含的文化精神。
三、深入了解中国古代绘画的理念和技法。
中国绘画源远流长，独具艺术特色。学习中国美术史，我们还可以了解到绘画理念和技法的独特魅力。比如说，中国绘画中强调的是先立体再平面的表现形式，还有对水墨的独到运用，如墨色浓淡厚薄、水墨染色等。这些技法和理念，不仅积淀着中国绘画艺术的深厚历史底蕴，更是我们创作绘画的灵感和借鉴。
四、在中西美术中寻找交叉点。
西方美术与中国美术，两种艺术形式虽然各自发展，但又存在许多交集和相通之处。在大学中国美术史课程中，我们能够了解到中西方在绘画美术史上的相互交流与影响，如中西方在色彩运用、技法表现、构图写意等方面的交流，提供了广阔的创作空间和文化碰撞。
五、弘扬中华民族文化精神的重要性。
大学中国美术史课程通过提高对中华民族文化艺术的了解和认识，进一步激发广大学生对中华民族文化传统的热爱和魅力。更多的人走进中国美术，就意味着更多的人走进中华民族的文化历程，认识到中华文化的博大精深，更是有助于弘扬和传承中华文化精神，是一种对中华民族文化的接纳与发展，也是我们作为年轻人更好地为祖国文化事业做出贡献的重要途径。
总之，大学中国美术史课程是我们更好地了解和传承中国优秀传统文化的一个重要途径。通过学习，不仅能够更好地欣赏到中国古代艺术的价值和美感，更能对其背后所蕴含的文化精神有更深刻的认识和理解，这将有助于我们更好地实现中华民族文化的传承和弘扬。希望我们这一代年轻人能够更加热爱中华文化，更加愿意为其发展贡献自己的力量。
读中国美术史心得体会篇十
第一段：引言（200字）。
中国民间美术是中国传统文化的瑰宝之一，它不仅具有悠久的历史传承，更是中国人民智慧和创造力的结晶。通过研究中国民间美术史，我们可以深入了解民间艺术的起源、发展和特征，更加真实地感知中国人民的生活方式和文化观念。在此过程中，我深深地体会到中国民间美术的多样性、独特性以及其对中国传统文化的重要价值。
第二段：多样性与独特性（200字）。
中国民间美术的多样性是它最引人注目的特点之一。中国广袤的土地孕育出各式各样的民间艺术形式，如绘画、雕塑、陶艺、刺绣等等，每一种艺术形式都有其独特的样式、主题和技法。比如，中国南方民间艺术注重人物形象的细腻描绘和多彩色彩的运用，而中国北方民间艺术则更加注重线条的鲜明和雕塑的造型。每一种样式都体现了当地人们对艺术的不同追求和表达方式，展现了中国多元文化的丰富性。
第三段：民间艺术的社会功能（200字）。
民间艺术不仅仅是一种艺术形式，更承载着丰富的社会功能。在古代和现代，民间艺术都扮演了重要的社会角色。古代的民间艺术往往是宗教仪式、祭祀活动和庆典的重要组成部分，通过艺术作品的制作和表演，人们可以向神灵祈福、祈求好运。而现代的民间艺术则成为人们生活的一部分，在人们的日常生活中，民间艺术可以作为一种休闲娱乐的方式，同时也能传承和弘扬中国传统文化，凝聚人民的情感。
第四段：中国传统文化的重要价值（200字）。
民间美术作为中国传统文化的重要组成部分，在当代社会仍然具有重要的价值。首先，民间艺术是中国人民智慧和创造力的结晶，它体现了中国人民的审美观念和艺术追求，代表了中国文化的特有风格和传统。其次，民间艺术承载了丰富的历史价值，通过研究和保护民间艺术，我们可以了解和传承中国几千年的历史文化。最后，民间艺术作为一种通俗的艺术形式，它更容易被人们所接受和理解，有助于普及和推广中国文化。
第五段：结语（200字）。
通过对中国民间美术史的研究和体会，我深切体会到中国民间美术的多样性、独特性以及其对中国传统文化的重要价值。作为中国传统文化的瑰宝，我们应该更加重视和保护民间艺术，传承和弘扬它的价值与精神。随着时代的变迁，我们要与时俱进，创造出符合时代要求的民间文化艺术形式，让中国民间美术始终在中国社会中发挥着独特的魅力和作用。同时，我们也应该加强民间艺术的研究和教育，让更多人了解和认同中国民间艺术的价值，为中国传统文化的传承与创新做出贡献。
读中国美术史心得体会篇十一
提要：赏析《人物御龙帛画》与《簪花仕女图》。两幅出于不同时代的画作，在某一程度上说明了中国艺术的进程，从古人的画作中我们能了解到当时的社会环境，宗教信仰等。
艺术差异表现方式。
长37.5，宽28厘米，于1973年出土于长沙子弹库一号墓，现藏于湖南省博物馆。
根据楚人丧葬制度和传统，认为人死后，附在人身的魂魄要与尸体离散。离散以后，成了野鬼，人便享受不到后人的祭祀，还会惊扰后人。因此，必须想方设法使离散的魂魄能够回来附于尸体入葬墓内，葬制上叫做招魂复魄。而帛画就是此祭祀程序里面重要的一件物品，古人会把墓主人的形象画在帛上，出殡时，举在柩前，一路引导到葬地，经过祭祀告别仪式后，帛画就会被覆盖在棺上，随着下葬，这样，魂随着幡，魄随着棺，一同进入了墓内。招回的魂，得以升天，魄就能入地为安，完成了后人的心愿。这种丧葬习俗，至今还有所遗留。
帛画是用以祭祀，但是却有着极为浓厚的艺术性。
从构图上看，画中人物比例相当准确，其中对鲤鱼、仙鹤、巨龙的运用恰到好处。画面正中绘的是一个戴着高帽子、穿着薄袍、佩戴长剑的男子，此人想必是墓主人的形象。他侧着身体站着，手扶着长剑，立于巨龙的身上，头顶上方有一华盖，龙昂首卷尾，弓这身体形成一舟的形状，舟尾立了一只仙鹤，舟旁还有一鲤鱼随行。
从技法上看，《人物御龙帛画》基本上运用白描手法，但也有地方使用平涂，人物则略施彩色。画面布局精当，比例准确。线条流畅，想像丰富，是迄今发现用此画法的最早作品，这样很好地表现了楚艺术谲怪莫测的独特风格。人物衣着的飘带、华盖的垂穗都表示了风动的方向，可见龙舟迎风前进的态势，富有动感。
从帛画上我们能够看出古人祭祀的的制度，且形象而具体帛画是一种绘画艺术，帛画的出现，说明战国时期楚国的绘画艺术无论是从画技、着色还是布局看，都已经达到了超高的水平。帛画一般都以线条为主，而古人却能用如此简单的线条表现出生动形象的人物，这使它成为了中国最早期肖像画的杰出代表，人们将其与《人物御凤帛画》一起成为先秦绘画中的双壁。
《簪花仕女图》为唐代画家周昉的作品，纵为46厘米，横是180厘米，现收藏于辽宁省博物馆。
唐朝是中国封建社会的鼎盛时期，艺术同样非常繁荣，当时以人物画为主，名家辈出，周昉就是当时以人物画驰名的画家。他的艺术成就一部分就体现在他表现宫廷生活和贵族仕女的题材中。簪花仕女图就取材于宫廷贵族妇人们百般无聊的富贵生活。
周昉的簪花仕女图描绘了仕女们的现实生活。从整体构图上看，整幅图不做过分的概括，仕女、白鹤、小犬几乎做等距安排，却又安排一仕女在远处，卷首与卷尾中的宫女均做回首顾盼宠物的姿态，这让通卷的人物活动收拢归一。整幅图比例协调，又有一侍女小与其他仕女，遵守“主大从小”的规则。画面线条精细，却又略带高古，虚实把握极为到位。从色彩上看，作者在手臂上的轻纱敷染淡色，深于露肤而淡于纱，恰到好处地再现了滑如凝脂的肌肤和透明的薄纱，传达出柔和、恬静的美感。画面色彩层次分明，面部的晕色，衣着的装饰，都做得非常到位。
右手第一位仕女，身披深色外衣，神态闲适，手持拂尘回首逗引小犬，其姿态与左首第一位仕女回顾的姿态相呼应，将通卷的人物活动收拢归一。仕女衣纹线条简洁，裙与头饰花的线条收放有度，严谨而又活泼。
右手第二位仕女发髻高耸，头簪红花，内着红色团花长裙，外罩纱罗薄衣，披帛自胸前向后围去，右手向后整理衣领，似乎在感觉着天气的变化。人物线条和衣纹线条粗细有别，用笔灵动。持扇的侍女表情恬静，重心下垂，造型沉稳而用色协调。面部的粉妆和衣下的肌肤变化自然，衣下透出肌肤的质感，很是写实，纱衣的轻柔感也表现得很到位。侍女的线条较仕女要短，整体形象也小于仕女，这是古代绘画中“主大从小”规则的体现。《历代帝王图》是这一规则体现的典型代表。
中间的仕女，内着红色长裙，外罩白色纱质罗衫，衣下端打结，显出别致情调。深色的披帛以及披帛上流动的图案增加了整个衣饰的动感。发髻上新荷高耸，与仕女的姿势形成呼应。仕女似在吟诗，赞美手中的红花。衣服的长线颇具韵律感，使仕女看上去态度安然闲适。
左起第二位仕女，双眸平视，双手相交直立，神色端庄。这位仕女的比例比较小，但是与仕女“主大从小”的规则不同，这里使用的是“近大远小”的规则，服饰线条和服装图案朴实简练，而细节却与人物简洁的外形和线条相和谐。图中的鹤姿态灵动，欲飞欲舞，有其精彩的是鹤的顶部与头部，黑白红相间，在不经意处却显得极为精致。鹤的线条流畅、圆润，使羽毛看起来轻柔、光洁。两只小犬外形的运笔肯定稳健，毛发轻松飘逸，显出活泼的姿态。
虽然《人物御龙帛画》与《簪花仕女图》出于不同的时代，但是从两幅画看来，我们能知道，古人的艺术造诣之深。古人能用非常简练的线条勾勒出生动的形象，就如《人物御龙帛画》里面的风吹的方向，由此还表明了龙的前进方向，再看《簪花仕女图》，抛开其色彩不说，它的线条也是非常简练的，而人物确实如此的丰润生动。同样的，在色彩方面另幅画也做得非常巧妙。
当然两幅作品也存在着很多不不同：首先，我们可以从题材方面分析，《人物御龙帛画》是战国时期的的，有这浓厚的神秘色彩，而帛画最初的用途也是属于一种迷信。人物动物等在画面的位置都是比较不实际的，再而作者所用的元素本来也不都是真实存在的，比如巨龙在飞，人站在龙的身体上，顶上还有一华盖，这些在现实生活中是不会出现的，而该作品却把他们安排在一起了。这也说明了古人的想象力之丰富。而《簪花仕女图》则与《人物御龙帛画》相反，画面上出现的都取材于生活，或者说完全就是生活的写照，是有一定得记实性质的，就如：妇人、狗、鹤等形象，虽然几乎是纪实，但是由于作者巧妙的艺术手法，让画面在符合实际的同时又有强烈的艺术效果。现在我们来看看两幅作品在用线着色方面的不同：虽然两者线条都极为流畅，但前者的线条较为粗犷，后者则细腻，这与作品所处时代以及作品用途有一定的联系，前者所处的是战国，画作用于葬礼，必然也就给人一种粗狂之感，而后者处于唐代，唐代人物造型由粗犷转向精细，外型描画准确生动，男子外貌雍容，女子体态丰肥，艳丽多姿。菩萨像，端庄文静，温柔亲切。其次是从色彩方面，《人物御龙帛画》在着色后依然能清晰的看见线条，而《簪花仕女图》则让人几乎不会留意到上面的线条，造成这样的区别，一是用线的不同，二是帛画不最求线面合一，而后者则看得出极力追求线面合一的效果。再而可以从人物及动物的造型方面分析，前者用极简单有力的线条把主要的人物动物勾勒出来即可，几乎不加任何装饰；而后者到处可见装饰的影子，如衣服的色彩斑斓，头饰的金光闪闪，由此我们又可以看出唐代较战国更加奢华；总的来说前者的追求的是一种简练而有力量的画面，而后者则追求一种华丽优雅的画面。不同的社会环境，不同的追求，以及经济政治等各方面的差异，艺术的发展方向发展程度也会有着一定得区别。
读中国美术史心得体会篇十二
随着新中国成立的70周年，对于中国美术史的总结与回顾也越发重要。从1949年至今的七十年，中国美术史经历了许多风起云涌的时刻，在各个时期都有着不同的特点和发展。本文将从多个角度分析新中国美术史，并结合自身体验，探究其中的精神内涵和文化价值。
1949年以后，为了适应社会主义建设的需要，新中国美术史正式成立。毛泽东同志的讲话、新民主主义革命和社会主义革命的不同历史时期，推动着中国美术的不断发展和进步。同时，中国美术史也开始了长达半个多世纪的春天。
从1949年开始，新中国美术经历了一个从“中国化西方”到“西化中国”的转型时期。在新中国成立后的十年里，美术作品在丰富中国文化内涵和新时代文学、音乐、舞蹈、电影、摄影和建筑等新文化形式的同时，也积极地反映中国人民在社会主义建设中的辉煌成就。此时的新中国美术以民族特色、体现生活为主要特点，这是一个具有时代特点的宏伟壮丽的时期。
进入到20世纪六、七十年代，中国美术进入了“文革”时期。此时的中国美术，受到政治因素的影响，被要求要趋向于“革命化”，而书法、绘画等艺术门类都受到了一定程度的限制。尽管如此，在这个时期，美术家们仍然通过自己的方式表达出深厚的情感和生活感受。
到了1980年代，改革开放的大潮涌动，对于中国美术来说，也是一个非常重要的时期。中国美术开始向着现代化、复兴化和世界化方向迈进。在这个时期，艺术家们大量引进了西方艺术形式，同时也改革了传统艺术方式，更多地关注人的内心表达和文化的多样性。
第四段：新中国美术的精神内涵和文化价值。
随着时代的不断发展，新中国美术的精神内涵也日益丰富。由于新中国美术本身立足于民族文化和现实生活，所以其中蕴含的内涵也具有很深的文化价值。通过新中国美术，我们可以感受到年代交替中的文化精神和时代特性。同时，新中国美术中所表达出的人民情感也是非常珍贵的，这充分体现了中国艺术家的艺术性和社会责任感。
第五段：结语。
总体而言，中国美术的发展充分体现了新中国的时代特点和社会意义。一直以来，艺术家们为了社会的进步和文化的传承，不懈努力，做出了众多的优秀作品。在我们深入探究新中国美术的过程中，我们应该更加深刻地认识到，艺术不仅是艺术，还应该是文化和社会的一种表达方式。
