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每个人都曾试图在平淡的学习、工作和生活中写一篇文章。写作是培养人的观察、联想、想象、思维和记忆的重要手段。范文怎么写才能发挥它最大的作用呢？这里我整理了一些优秀的范文，希望对大家有所帮助，下面我们就来了解一下吧。
国画的散文篇一
国画主要分为两种，分别是写意与工笔。写意，用笔洒脱豪放，十分随心所欲，看到什么便直须画下，画出的山水也极为壮观，毫无拘束。颜色也是又淡又薄，作画或赏画时心情也是轻松的。而工笔，却需要一定扎实的功底与十足的耐心。因为无论是勾勒的线条还是鲜艳的色彩，都需要精益求精，虽然过程很麻烦，但当你仔细端详成品时，那些汗水将荡然无存！这是国画独有的特色。
国画，它不像书法，刚劲有力，一字成一韵，用文字叙述人世常情。但它却用一支笔，绘出古色古香的江南山水，用水墨渲染人间美景；用线条勾勒出太阳的轮廓；用色彩定格下须臾的青浅岁月。当你细细观赏它时，便犹如身临其境般走进了画中，让心灵静静的淋浴那和煦的阳光，让眼睛尽情的停驻在几分旖旎，几分迷离的世外仙境。国画，也是一篇唯美的文章，好看的书法。
国画，它亦不像乐曲，将千千万万细腻的情感融入轻松欢快的小令中；融入抑扬顿挫的唱腔中，融入婉转压韵的词句中。画，它是无声的，只可从笔锋转折处，感受到执笔挥墨者的淡淡思绪。但当你手捧一幅画，静下心，闭上眼，伴着缕缕墨香。也仿佛能隐约听见牧童扬笛的瑟瑟笙歌，小桥流水的“叮咚”奏乐，鸟儿清脆婉转的啼鸣。国画，也是一首美妙的乐曲。
现在国画已经被人们渐渐淡忘，人们手中更多的是西方的油画、漫画。可能在几十年后，它已经烟消云散，不复存在了。所以，我们要始终铭记着这传统文化的瑰宝，将它传承下去。将大量与电脑为伴的时间抽出来。赏一幅国画，让心灵被它洗涤……
国画它如明月般优雅美好，又如鱼儿般灵动有趣，这个中国传统文化的瑰宝，芬芳终究弥留千古，永不褪色！
国画的散文篇二
对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么?画得像不像?画家画这种形象的寓意是什么?如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。
但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。
就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家们是怎样来看画的呢?就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。
当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。
审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么?画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解;对作品表现的内容和表达的主题的理解;以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么?是怎样表现的?所采用的艺术手段是否恰当?能否充分地表达出主题?同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺;透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。青少年朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画(或其他绘画)，认真试一试，看能否有所收获。
国画的散文篇三
中国的传统书画艺术是中华文化的瑰宝，竹子很早便进入了画家们的视野而成为了中国绘画的传统题材。千百年来中国人写竹、画竹，并且把这一富有审美情趣的艺术创作过程升华为观照社会与民生、塑造精神与品格的过程。
据现有史料记载，竹子成为绘画题材进入到中国传统绘画领域最早是在唐朝，唐朝著名的文学家、诗人王维就非常喜欢竹子，也喜欢画竹。虽然时至今日我们已经寻不到唐代竹画的真迹，但大诗人白居易的一首诗可以让我们对当时竹画作品水平之高有所了解：“不从根生从意生，不自笋成自笔成，抬头猛看不似画，低头静听你有声。”
我们现在所能看到的画竹的最早真迹是宋代的，其中以著名的画家文同为代表，文同在中国画竹史上曾经起过非常重要的作用，甚至可以这样说，他画竹的风格影响了以后几百年直到现在人们画竹的风格。
画竹在每一个时代都有画家自己的精神的烙印，这精神的烙印也是时代的烙印。例如清代著名画家郑板桥，是一位清官，非常体恤百姓的痛苦，所以他画竹也表现出这种思想，有一开很小的册页，我们已经见不到它了，它上面据说只有两三片竹叶，而上面那首诗却恰恰给这两三片竹叶做了最好的诠释。他的这首诗是这样写的：“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间诉苦声。些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”什么意思呢？我在衙门里头休息，听到窗外竹子“沙沙沙沙”响，好像是老百姓在跟我诉苦，可是我芝麻大的小州县吏，我怎么能给他们解决这么多的切身的问题呢？不过即便如此，他们的一点点疾苦都是连着我的心的。“一枝一叶总关情”，这句话太好了，郑板桥这样一位有着民本思想的清官，他通过画竹来体会民情的苦难，在历史上实在是值得大书一笔的。
竹画虽美，但还要会欣赏。首先要看画中竹子的整体资质和造型，在中国传统水墨画中，那是一种剪影美、轮廓美，是一种气势和神韵的美；其次，在画界人们习惯将画竹称作写竹，这是因为在竹画作品中汉字书法的笔趣和妙意随处可见。比如画它的竹竿，要表现它的刚中有柔，一般来说要用隶书或者是楷书来画竹竿，大的竹竿、竹节，要用隶书来画，竹的小枝用行草，行书草书之间的那么一种书法，这样显得很挺拔，而画竹叶一般来说要用楷书，一笔是一笔，笔笔送到家。中国的写意画在画竹这种题材的绘画中间，表现书法笔趣，应该说是淋漓尽致，反过来说如果不具备书法审美的那样一种观点，你来看画竹，恐怕就难以体会到这一层的美学意蕴。
具体画法上，老干要刚健有力，节大而枯瘦，用笔要“力透纸背”，用墨要干枯；嫩枝则要柔美流畅而婉顺，节小而肥滑。
竹子小枝的生长规律是“互生”，小枝下笔须流畅挺健，不可迟缓，这样才能遒健圆劲，生意连绵。画小枝时还要考虑到叶片的多寡，叶多则低垂，叶少则昂扬，同时还要根据风、雨、雪等自然气象变化而描绘。
诗言志，画传情，当代中国波澜壮阔的社会变革影响着画家的思想心胸，改变着竹画的风格气质和内涵。著名国画大师李苦禅生前应邀为北京人民大会堂绘制的巨幅竹画气势恢弘，散发着强烈的时代气息，这样的竹画作品早已脱离了传统文人画对竹子一枝一叶的描摹和对个人情怀的抒发，而具有了更加开阔的视野和博大深刻的主题。
著名画家崔惠民师从国画大师董寿平，在继承先师艺术精髓的同时，他在竹画创作上潜心钻研，博采众长，独辟蹊径地走出了一条个性之路。画案前的崔惠民未曾下笔，已是胸有成竹，画笔落处可谓笔随心行，心随神往，心力所至，一气呵成。所以崔惠民创作的墨竹，气韵生动，栩栩如生，堪称竹画中的上乘之作。
崔惠民说，古语有句话“半生画兰，一生画竹”。画竹子“画到生时是熟时”，所以作者越不敢下笔，但是到了这一步，画技也好，作者的思想也好，就逐步又提高了一个境界。我想我这辈子在竹子上面还是学不完，画不完。
是的，竹从古到今它的自然生态没有什么大的变化，但是由于时代变化，因此画竹也有时代的印迹，有很大的变化，的确是学不完，画不完的。
多少年来中国人从未停止过亲近竹子，赞美竹子，竹子更是成为了中国绘画常画常新的不老题材。
国画的散文篇四
不可否认，吴冠中先生称得上是中国乃至世界20世纪最伟大的画家之一，他对中国绘画艺术的贡献有目共睹。但有一点我始终认为，吴冠中先生的伟大不在于他技巧层面上领先于同时代其他艺术家，毋宁说是他真正意义上把西洋的绘画技法同中国传统艺术精神有机结合起来，创造出一种新的绘画形式和表现语言。尽管林风眠先生此前也曾做过尝试，但并没有走出一条西洋艺术民族化的路来。
就绘画技法上来说，不管是在纯粹的中国艺术，还是西洋绘画的把握上，吴冠中先生称不上那个时代最突出者。或许吴冠中先生明白，不管是走纯粹的传统的路子，还是接受西洋画法(像现在诸多从事西洋绘画的艺术家一样)，他都不可能真正超越前人，成为真正意义上的大师。因此，他必须走一条前人没有走过的路子，只有形成自己的个性的绘画语言，他才能在中国画坛占据属于自己的一席之地。其一，中国传统绘画发展到近代已经在浪尖的位置，走传统的路子，超越前人是非常困难的;其二，对于一个学习西洋绘画不过半个多世纪的国家，要想“师夷长技而胜夷”更是难上加难。二十世纪的中国，是文化冲撞最为剧烈的世纪，亦是知识分子思想最为矛盾迷惘的世纪。这一时期的知识分子对中国传统文化的不信任感在不断加剧，甚至达到排斥的地步，致使知识分子容易走入盲目崇拜、模仿西方文化的泥潭。当时国内学习西方绘画的艺术家，大多以为只要学好西洋绘画的写实技巧就万事大吉了，而对现代艺术所表现的情和美却缺乏深刻的体会(今日中国诸多艺术家亦仍停留在这样的认知上)。吴冠中先生能在这样的文化境遇中抽离出来，并勇敢地走一条布满荆棘的荒芜之路而不退却，正是他的高明之处。这不仅仅是勇气、果敢，更是智慧的集中体现。
纵观吴冠中先生的绘画作品，“空灵”是其最本质的艺术特征。这一艺术涵养俨然是对中国古典艺术精神的继承和发扬。中国传统艺术精神是中国传统文化之精神使然，而西方文化素来以追求科学、严谨、实用为第一要务。不管是在历史题材，还是肖像画，抑或风景作品中，西洋绘画的技术性因素和“人是万物的尺度”的主体凸显永远占据主导地位，这样的文化背景下的艺术思想是不会出现“空灵”的境界的。诚然，我们不是在对比中国艺术与西洋艺术的优劣，这并没有可比之处。中西文化的差异必然造就不同的艺术精神。吴冠中先生俨然深知这一点。
在法国留学期间，吴冠中先生几乎拜访过所有的博物馆，并积极参加各种沙龙展。每日面对着似浩瀚大海的西洋艺术作品，吴冠中先生除了兴奋激动，更多的是沉思，他感觉自己虽置身于其中，但心却在其外。他感觉心中有一股异流在蠕动，这是一股怎样的异流——传统的、西洋的，还是中西结合的——他还不是十分明确。但可以确定的是，正是有这样的文化认知，使吴冠中先生的艺术最终回归民族文化之情怀。而大师梵·高曾经说过的话更坚定了他最初的想法。梵·高在他的日记中这样写道:“你是麦子，你的位置在麦田里，种到故乡的土里去，将于此生根发芽，别在巴黎人行道上枯萎掉。”吴冠中先生的艺术之民族情结得到了他的老师苏弗尔皮教授的认可。而当时巴黎的条件是每个艺术家——尤其是中国留学的艺术家——梦寐以求的，吴冠中先生却选择了放弃，回到那生养他的故地——“麦田”——中国。
创新不是口头上的说教，它需要的不仅仅是勇气和胆识，亦不是单纯的技巧能胜任，毋宁说更需要深厚的文化修养做后盾。吴冠中先生在探索油画民族化和国画现代化的路上风雨兼程，跌跌碰碰，但始终没有改变过自己的初衷。他在油画创作中结合了中国文化的情意和民族甚至不同人群的审美情趣，这样便在表现形式上不自觉地安排了传统艺术的线造型和国人喜闻乐见的色调。吴冠中先生的诸多油画作品强调黑白对比，追求单纯和韵味，这一点极接近水墨之门庭。因此，上世纪70年代，吴冠中先生主要以画油画为主，辅于国画;而到了80年代，水墨成为其创作的主流，油画变成辅助。90年代，吴冠中先生的创作开始油画和水墨并头齐驱。用他自己的话说就是:水陆两路交替前进。
选择、追求、探索、挣扎、融汇，民族的情感与西方文化的碰撞与交错，最后汇聚成色彩斑斓的艺术之河。吴冠中先生终于在探索油画民族化和国画现代化的荒漠上走出了一条不同于中，亦不同于西的尽管艰难崎岖，但亦是春意盎然的道路。吴冠中先生的油画作品常常给人以水墨设色的感觉，从技巧到情意，都彰显着中国元素。而正是这种以往不曾有的不中不西的“异类”，形成了他的作品的独特风貌——一种“吴氏绘画语言”。
吴冠中先生作画，以表现思想感情为主。对于笔墨、颜色，他认为不过是表现思想感情的一种手段。他曾这样说道:“脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零。”值得强调的是，我们不能断章取义，认定他是反对或者排斥技巧的，而必须站在特定的语境下来理解他的话。创新是艺术的灵魂。伟大的艺术家须做到抛开成见，挣脱笔墨(技巧)的束缚，因为笔墨(技巧)是随着思想感情的变化而呈现出不同的形态的。技巧不过是感情思想的奴才，感情、思想领先，则题材、内容、境界全新。
吴冠中先生无疑是伟大的，他俨然20世纪中国现代绘画艺术的外交大使、形象代言人。他亦是中国在世画家中成功在世界各国、各地区举办画展最多也是最成功的艺术家之一。世界艺坛影响最大的报纸之一——巴黎《国际先锋论坛报》——的艺术主管、著名评论家梅利柯恩在观看吴冠中先生在英国的画展后，撰文《开辟通往中国新航道的画家》这样评价他:
发现一位大师，其作品可能成为绘画艺术巨变的标志，且能打开通往世界最古老的文化的大道，这是一项不平凡的工作。也许为此才促使东方文物部的负责人罕见地打破大英博物馆只展文物的不成文规例。
凝视着吴冠中一幅幅从未在欧洲展出过的画作，人们必须承认，这位中国大师的作品是近数十年来现代画坛上最令人惊喜的不寻常的发现。
赞叹、钦佩之情溢于言表。梅利柯恩还评点了吴冠中先生的《双燕》、《高昌遗址》、《长城》、《江南人家》等部分作品，并指出“仅以上述及的十件作品便足以使这位七十三岁的画家屹立成为近半个世纪以来画坛上的巨人”。
一个认为人生只有一次选择，坚定方向便不再退宿，即便误入歧途亦不大哭而归，哪怕错到底亦为前车之鉴的艺术“叛徒”，因其不可动摇的执着和坚持，终于爬到了世界艺术大夏的顶楼。
国画的散文篇五
这个暑假，我报了画画的兴趣班，我学画画已学了好几年了，这个暑假我开始学国画了。第一堂课学完国画，老师布置我们回家也要画一幅国画。回到家，我马上拿出画国画的工具，准备完成这一次的作业。
我按画画老师教的步骤，我先把墨水倒到调色盘里，再把毛笔放到小水桶里浸湿，添了点墨水，这样，就可以开始画啦！
我照着样纸，一步一步画起来。我先画了一个圆圈的头，再画上头发、眼晴、鼻子和嘴巴，然后画上一个瘦瘦的身体和两只手，最后再画两只脚。这样，一个人就画好啦！
画完每个人后，我又开始画第二、第三个人，不一会儿，人物全画好了，我就开始画背景了。
我先把毛笔放在水桶里，洗干净，添上很多墨汁，画了一根粗粗的树干，再放在水里吸干水，添一点墨汗，画了十几根大小不同的树枝，最后，我又在后面画了几座山，这样背景也画好啦！
最后，我就开始上色了，我先把需要的颜料挑出来放到染色盘里，这样，就可以开始涂颜色了。我先涂人的衣服和裤子，涂好后，再在树上点上一点一点表示树叶。最后，把山和地涂起来，一幅画就完成啦！
小朋友，你们说我的画美不美呢？我发现我爱上画国画了。
国画的散文篇六
有一种画，它不像水彩画一样，有着各式各样的颜色；也不像动漫一样，有许多生动可爱的造型，这种画只有黑、白、灰这三种简单的人简单的`颜色，却能表达出一种朴素淡雅的美，这，便是国画。
这幅国画放在我们国画老师家中，画面虽小，表达的事物却很多。
在这幅画中，有气势磅礴的高山，有汹涌澎湃的江河，有展翅高飞的鸟儿，还有潺潺的山涧和蒙蒙的薄雾。
站得远处些看这一幅画，展现在你眼前的便是一做高耸入云的山峰；山峰旁是一片云海，隐隐约约看得见瀑布飞流直下。走近一点，你就会发现，山峰上有几颗星星点点的树木，几只鸟儿在山峰边盘旋。半山腰处有一座凉亭，两三个游人在里面悠闲的谈话，亭子旁是一条清澈见底的山泉，细看那股清泉，你会怀疑水是否在那里游动。
山角下那轻纱似的薄雾中，似乎藏着一小片树林，在隐约中显现。画中这一片景色，形成的对比非常强烈，但合在一起却非常的自然，没有一点怪异之处，反而显得更加和谐。
这便是中国的国画，虽然没有亮丽的色彩，虽然颜色单调，但能表达的却有很多很多。
国画的散文篇七
两年前，妈妈看我周末在家闲来无事，便给我报了一个国画班。
刚开始，我对国画一点兴趣都没有。可是到后来，我发现国画的绘画技巧千变万化，所以我也慢慢地喜欢上国画，现在更是爱上了画国画。
在所有的课外兴趣中，国画在我的心目中排在第一位，而且我每次画国画的时间都会在两小时以上，每一副作品都会得到老师和家长的大力称赞。妈妈说我画的动物生动活泼，画的花儿美丽至极。老师则说我画的国画构图非常巧妙。
我在绘画技巧上逐步得到了提高，从最早寥寥数笔的小鸡画起，然后是白菜、麻雀、篮子、梅花、凌霄花、菊花……绘画的内容在不断增加，画面也变得更加丰富。
有时，画国画还会给我带来意想不到的快乐。有一次，因为一不小心把墨汁滴到画纸上，看到快完成的画作因此就要废掉，心里懊恼不已。但我灵机一动，在墨汁上稍稍加了两笔，一片栩栩如生的树叶跃然纸上，心里别提有多高兴。
我从画国画过程中获得了快乐，每完成一幅画是一种快乐，每得到一次肯定也是一种快乐。国画已经成为我生命中不可或缺的一部分，我永远也不会放弃它的！
国画的散文篇八
中国是一个历史文化悠久的国家。我国的艺术文化也是名扬中外的。我国的艺术文化分为美术、书法、雕刻、戏剧、戏曲、音乐、舞蹈等等。美术中的“国画”是最值得一提的。
今天，我就要给大家讲讲我国美术瑰宝——国画。
国画是中国绘画的泛称，是我国独有的绘画艺术。国画的基本特点是：注重形象的内在神韵，用线条的粗细、着墨的虚实变化来表达意境。国画分为人物画、山水画和花鸟画，风格多种多样。国画的技法分为“笔法”和“墨法”，讲究“笔法”的是工笔画，讲究“墨法”的是写意画。
人物画是用婉转延绵的线条勾画出人物的形态、衣裙和飘带，让人感受到画中人物的神韵。
山水画是分为南派和北派的，南派表现南方山水的草木葱郁、烟云迷茫；北派描绘北方风岭的雄浑气势。
花鸟画善用精细的工笔刻画，所以常常被称为“工笔花鸟”。花鸟画主要表现了花、鸟、鱼、虫等动物或植物。
在我国古代，有着许多有名的画家，如东晋时期的顾恺之，盛唐时期的吴道子和阎立本，明代的唐伯虎等。除此之外，近代也有像齐白石，徐悲鸿，吴昌硕等国画大师。
我从小喜爱美术，现正在学习国画。我相信，国画瑰宝定能一代一代的传承下去！
国画的散文篇九
我喜欢洁白的宣纸，我喜欢握着毛笔，肆意的在画纸上勾勒，我喜欢国画。
墨汁滴在宣纸上，渲染出一片片美丽的晕花，渲染出一万种风情。静静研墨，轻轻移动毛笔，留下浓浓墨香。
这世界本来是五光十色，在国画中却只剩下了平淡无奇的黑色和白色，仿佛所有繁华杂乱都如同河流般，在雪白的画纸上静静的流淌。
国画内容十分广泛，风雪雨露，山水日月，都能用这只毛笔活灵活现地展现在纸上。画里会有芳香四溢的菊花，生机勃勃的翠竹，幽静淡雅的兰花，迎霜傲雪的梅花。有成群的威武的大虾，有膘肥体壮的狂奔的骏马，有秀美的千山万水。墨水散发出阵阵幽香，韵味十足，恰如其分。
当你用心去画一幅意境优美的国画时候，就仿佛自己也身临其境，听到了画中潺潺的流水声，闻到花儿散发出的袅袅香味……当毛笔浸泡在墨水中，笔头立刻如一朵睡莲缓缓的绽放开，真是心灵上的美好享受，它使我陶醉，使我更热爱大自然，更热爱世界，也爱上了我们中华民族古老的传统文化。
一石墨砚，一根毛笔，一匹白宣，就构成了这光辉灿烂的文化。我爱你！国画！你是我们中华民族的骄傲，是千百年的精华。中国的国画之河，将奔腾不息，源远流长！
国画的散文篇十
国画班开学第一课，国画老师就告诉我们。国画也称中国画，起源于汉代，博大精深，是中国的传统的绘画形式，在世界上独一无二。
感受国画之美
不知从何时开始，我对国画产生了极大的兴趣。我看了知名国画家的作品，心中对国画的兴趣更浓厚了，逼着妈妈给我报国画班，当然，我如愿以偿。
体会国画之难
画国画的要求之一，就是作画时不能心浮气躁。上了国画班才发现，我的心静不下来。特别是夏天，天气闷热，整个人身体和心都在烦躁，根本静不下来，所以画出来的画就犹如一条条蚯蚓一般。我对能画成国画的信心在动摇，甚至想要逃离国画课！
感悟国画精髓
在妈妈以及国画老师不断地鼓励下，我的心渐渐恢复平静。潜心体会老师画上每一笔的轻重、大小和含义。然后，将自己的每一笔一画调整得跟老师一样轻重大小。所以，画得越来越好，甚至选送去参展！
在学国画过程中，我逐渐了懂得了中国传统文化的博大精深、历史悠久，它的魅力等待着我们进一步去挖掘、探索。
国画的散文篇十一
笔墨千秋，墨染进入心底，一笔、一黑、一清水，勾画出无限意境。
题记
中国画，顾名思义，就是中国专属的绘画。几千年来，中国画师不断探索、实践、总结、创新，形成了一套完美的，导于西方绘画的，融汇中华人民传统哲学观的绘画体系。每一幅中国画都有着独特深久的意境。
墨中调水分的多寡，轻坠在画卷之上，一朵朵淡黑色的玫瑰竞相开放如果水分过多，那么墨汁就会在纸上晕染扩散，渐渐成为一个墨色的大污点。所以调水这个环节也是相当的重要啊！
毛笔沾上一些清水，与墨结合，画竹竿时下笔比较重，承接上下竿节点。画竹叶时，从提案控制笔锋画出竹叶的不同形状，实按虚起，一抹而过，像一片羽毛，如一片扁舟，这是竹的绘画。竹与石相称，使“竹石图”有着一种淡雅的意境，竹石是坚强，永不放弃的象征。“咬定青山不放松，立根原在破岩中，千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。”中国也如同竹石一般。
这就是中国画，中国人民智慧的结晶。一幅幅中国画蕴含着无限的意境，就像中国有着无限的力量
