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被总结的过去是我们人生故事中重要的一页，值得我们回味和总结。创意思维是现代社会重要的思考方式之一，可以培养人的创造力和创新能力。接下来是一些精选的总结示范，希望能够对大家写总结时有所帮助。
古典主义绘画论文篇一
今年我国对高等美术学校的限制越来越弱，逐步的开放了高等美术学校中美术专业的招收学生的数量，，同时，我国现阶段学生通过美术类的高考进入大学的比例很高，因为这些高等美术学校对于学生的文化课的程度要求非常的低。在这种境况下我国的高考制度对于高等美术教育的影响是非常大的。
一、美术高考制度的现状介绍。
1）我国美术高考的题目和形式比较固定和简单。我国的美术高考都是大部分的省份集体的出卷联合考试，但是通过对多年的美术高考题目的和形式的总结可以发现这些都是年年相似本质上没有特别大的变化，这些内容都是在素描、速写和色彩的这三个方面中选择，同时美术的高考形式往往是很简易，学生在不需要有深厚的美术功底就能够通过突击和记忆达到一个高分，这种美术的现象的产生严重的阻碍了高等美术学校的美术专业的优良和进步方向的发展。
2）当前的美术高等学校对于学生的文化课的要求是非常的低的。现阶段我国的美术高等学校的高考录取学生的过程中往往对于美术学生的文化课的要求降低并且要求远远低于普通高等学校招生的水准。这种境况就造成了大部分的学生会认为在文化课不优秀的情况下选择美术类考试的这种捷径考上高等学校，更加造成了高等美术学校的学生的专业素质和文化课素质参差不齐的现象。
二、不健全的美术高考对高等美术教育的影响。
我国的美术的发展具有非常悠久的历史的同时前辈们的优秀的创作时刻的对我们现在的美术造成这非常大的影响，但是，由于我国当前的美术高考制度中存在的非常多的不和谐的因素以及不完善的制度造成了我国高等美术教育中的美术的发展的缓慢以及受限。
1）学生对于美术的学习不注重创新能力的培养，比较固定。高中的美术教学往往就是为了图上高等学校而进行美术的学习，这种情况下造成学生在学美术的过程中往往就是没有美术的创新的意识，只会照猫画虎的进行美术的学习，造成了高等美术学校的学生的审美和创新的'意识以及较高的艺术方面的修养不完善。
2）不健全的美术高考制度造成了部分高等美术学校的生的文化课的成绩较低的现象。由于现行的美术高考制度存在的缺点和弊端造成高等学校的美术专业的学生的文化素质偏低，就是因为现在的美术高考制度对于学生的文化课程的要求非常的低没有做到严格的要求。
三、改变这种影响提出的几点策略。
1）改变这种美术高考制度就需要进行教学思想方面的改变，做到把握真正的美术以及教学中的思想和方式有机融合。我国传统的教育模式应试教育模式对我国的学生的思想的压制以及对教师各方面的压制造成了个方面养成了懒惰的思想，同时高中的那种拿来主义式的学习已经在大学不能够适用，要全面的深刻的改变校方以及学生的思想观念，从源头建立起学生的对艺术的求真理念、对美术的创新和创造的思想观念，并且要求教师在教学的过程中把科学的美术思想和科学的教学方法渗透到学生学习的点点滴滴中去。以此来达到提升学生对美术的全面的理解的目标。
2）在高中的美术教育当中要随时的进行美术教学方式的转变。在高中阶段的美术教育过程中要做到普及让学生及时的进行美术优秀的作品的欣赏环节，对美术的观赏能够促进学生对美的感受同时提升学生如何进行美术的欣赏和激发自身对美术的兴趣，从而逐步的改变学生为了上高等学校才走美术教育的局面，让学生从心里产生对美术学习的动力。
3）及时的要求学生对美术进行创作并进行一定形式的奖励和鼓励措施，让学生把自己的所思所想通过美术的形式进行描绘出来。在美术的教育过程中做到鼓励和奖励措施与进行美术教育相结合，让学生在学习美术的过程中没有学习的压力，给予学生适当的奖励能够促进学生进行美术的创作以及做到让学生能够具有表现自己表达艺术和美的热情和信心。
4）进一步的进行高中高考制度的制度上的改革，从而完善我国的美术教育。我国的现行高等美术教育上出现的问题一部分原因是以为我国的美术制度的不完善造成的，在美术方面的改革需要及时的进行下去和深刻的进行下去逐步的完善我国的美术教育。
四、结语。
因为这些问题的出现需要进行美术教育的深刻的改变，时刻的发现美术教育中的问题同时时刻的把问题进行解决，逐步完善当今现行的美术高考制度以及提升高等美术教育的综合能力，促进美术专业的学生的全方面的发展。
参考文献：
[1]夏永峰。现行美术高考制度对高等美术教育的影响。成功（教育版）[j]。。10。
[2]杨琼。浅谈现行美术高考制度对高等美术教育的影响。华章[j]。。23。
[3]方勇。关于美术高考及美术教育的思考。读与写（教育教学刊）。10。
古典主义绘画论文篇二
绘画是一门能够通过色彩、线条、形状等元素表达情感和思想的艺术形式。在西方绘画中，艺术家们通过精妙的技巧和个人风格，创造出许多精彩的作品。作为观者，我深深被绘画所吸引，并从中得到了许多启发和心灵上的满足。
西方绘画的历史可以追溯到古希腊和古罗马时期。在文艺复兴时期，许多杰出的艺术家如达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗等崛起，他们开创了艺术史上的黄金时代。他们追求真实和完美，创造了许多不朽的作品，不仅影响了当时的艺术界，也对后世的艺术产生了深远的影响。
第三段：西方绘画技巧的研究。
西方绘画在技巧上相当讲究。从色彩运用到透视法的运用，都需要艺术家具备深厚的素养和扎实的基础。在观摩西方绘画作品时，我发现艺术家们常常能够运用透视法创造出立体感，使画面更加真实而生动。此外，色彩运用也是西方绘画中一个重要的技巧。艺术家能够通过色彩的运用传达情感，让观者产生强烈的共鸣。这些技巧的研究和运用，使西方绘画作品更具有吸引力和艺术性。
第四段：西方绘画的题材和风格。
西方绘画的题材多种多样，无论是风景、肖像、历史场景还是抽象等，都有丰富的表现方式。例如，印象派的艺术家们喜欢通过捕捉瞬时的光线和颜色来展现自然界的美丽。而表现主义则更加注重表达内心情感和对社会问题的关注。每一种风格都具有各自的特点和审美价值，使西方绘画更加多样化和丰富。
西方绘画不仅仅是一种艺术形式，更是一种心灵上的启迪。通过绘画作品，艺术家能够将自己的思想和情感表达出来，与观者产生共鸣。我在欣赏西方绘画作品时，常常会被作品所传达的情感所触动，从而产生对生活、对世界的更深入的思考。西方绘画给予我一种平静和安慰，它使我看到了人类的艺术创造力和对美的追求。
总结：西方绘画是一门博大精深的艺术，通过对其历史背景、技巧、题材和风格的研究和欣赏，我意识到绘画作为一门艺术形式的独特之处和无穷魅力。西方绘画的心灵启发和触动让我更加热爱艺术，并激发了我对创作的渴望和追求。通过继续学习和实践，我希望能够在绘画领域取得更多的进步，并为创造更加美好的艺术作品而努力。
古典主义绘画论文篇三
导言：
西方绘画作为世界美术史上的重要组成部分，具有悠久的历史和丰富多样的表现形式。我曾有幸在大学期间学习了西方绘画史，并亲自尝试了西方绘画的创作。通过这段学习和实践的经历，我深刻体会到西方绘画的特点和艺术价值，对此我愿意分享我的心得体会。
第一段：西方绘画的形式和技法。
西方绘画的形式和技法极为丰富多样，从传统的油画到当代的水彩、素描等各种绘画媒介都有所涉及。对我而言，最让我印象深刻的是油画的细腻表现力和立体感。油画能够通过层层上色和明暗对比，创造出更加绚丽的效果。我在创作过程中掌握了浓淡的运用、线条的运动感表现以及色彩的配合等技法，使我的作品更加生动有力。此外，西方绘画还注重透视和构图，能够巧妙地运用透视原理和构图技巧，使画面更加有深度和层次感。
第二段：西方绘画的题材和主题。
西方绘画的题材和主题丰富多样，涵盖了宗教、历史、风景、肖像等各个领域。不同的时代和地域产生出截然不同的绘画风格和题材特点。在学习西方绘画史上，我深入研究了一些著名画家和经典作品。例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展现了一种神秘和深邃的面孔，使人无限遐想；而毕加索的作品则以他独特的艺术语言表现了社会现实和情感世界。从这些作品中，我领悟到西方绘画情感表达的力量和多样性，也激发了我在创作中对不同题材和主题的探索。
西方绘画的审美观念深深熏陶了我对艺术的理解。其中之一是西方绘画强调对自然的观察和再现。通过对光影、色彩和线条的细致描绘，西方画家能够还原自然界的细节和美感。同时，西方绘画也注重艺术家主观感情的表达。西方绘画家们在创作中注重个人对题材的理解和情感的投入，使作品更加个性化和富于情感共鸣。这种审美观念的影响，使我在创作中注重观察现实，表达自己的情感和体验。
学习西方绘画史和实践西方绘画创作给予了我许多启发。首先，西方绘画教会了我如何更好地运用颜色和光影效果，使我的作品更加生动。其次，西方绘画的透视和构图技巧让我更加关注画面的整体效果和平衡感。此外，通过学习西方绘画的各个时期和流派，我了解了不同艺术家和风格的特点和发展脉络，提供了对各个时代的艺术发展的宏观理解。所有这些启发都让我在绘画创作中有了更为深入的思考和实践。
第五段：未来对西方绘画的思考。
西方绘画作为世界文化的瑰宝，无论是在艺术史上还是在绘画创作中，都占据着重要的地位。随着对西方绘画的研究和实践越来越深入，我对西方绘画的兴趣和热爱也日益加深。未来，我希望能够进一步学习和探索西方绘画，继续提升自己的绘画技巧和艺术修养，为艺术创作做出更多有意义的贡献。
结束语：
通过学习西方绘画史并亲身实践，我对西方绘画的形式、技法、题材和主题，以及审美观念有了更全面和深入的理解。西方绘画的多样性和艺术表现力给予了我许多启发和思考。相信在未来的创作中，我将继续秉持对西方绘画的热爱和追求，为艺术事业贡献力量。
古典主义绘画论文篇四
无论是在学习还是在工作中，大家或多或少都会接触过论文吧，论文一般由题名、作者、摘要、关键词、正文、参考文献和附录等部分组成。如何写一篇有思想、有文采的论文呢？下面是小编帮大家整理的做广宇的绘画者议论文，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
若以画卷作比，自我是花鸟鱼虫的画面，广宇则是画框。人无时无刻不能画就自我，实现自我的价值，但个体的异彩纷呈，却须要通过一种更为广博的视角画就。“我欲穿花寻路，直入白云深处，浩气展霓虹。”我们终其一生，都在找寻，完善自我。注重个体的发展，是为在尘世喧嚣中培育一个干净纯粹的灵魂，一个有眼界、有思想、有境界的独立的人，以尽可能地丰富人生的画卷。嵇康纵情山林，一生耿介；林逋梅妻鹤子，自在清高；曾国藩如履薄冰，不废一日，这些伟大的人格无不昭示着生命的强大与多姿，意义与价值。正因“我与我周旋久，宁做我”才有作画的色彩与底气，才有可能被激发触碰宇宙之大的好奇心。
然而个体的发展不应成为“独我”的泥淖，而应将自我融入大我，让生命的普世价值得到肯定。
“我见青山多妩媚，料青山见我应如是。”历史的车轮带着无数志士仁人的过往碾过，后人得以静观他们有血有肉的生活，理解那些超越个体的情感，而不让他们沦落做了单纯的'“文字记载”。“夜阑卧听风吹雨，铁马冰河入梦来”，在风烛残年的陆放翁身上，我们窥见的是苟利国家生死以的豪壮；“十年饮冰，热血难凉”，在救亡图存的梁启超身上，我们遇到了吾将上下而求索的决绝；“为天地立心，为生民立命，为往圣继绝学，为万世开太平”，在闲雅淡泊的张载身上，我们看见的是一颗忧黎元、热内肠的丹心与攥紧文脉的手。个体发展的最终目标不是一骑绝尘，而是人格自足，传承不断完善的道德与精神内涵，形成民族的文化基因。唯有从世间的框架上看，才能明白个体的定位与更为广博的价值，才能实现上述目标。
当今社会，高度发展之时正需要我们青年拥有“无穷的远方，无数的人们，都和我有关”的悲悯与担当。信息的快速传递使我们能更迅捷地获悉世界各个角落的心酸苦楚，自由平等氛围之下个体的力量虽然微弱却能发光，我们不再需要经过时间的考量，很快就会收到现实给出的评价。我们应当做的，是学习科学知识，培养专业技能；完善人格，重视道德，提高精神境界。时刻怀揣着对人类苦难的同情，力所能及地帮助他人，必要时挺身而出，当仁不让；积极的为社会做出贡献，在所不辞。
愿你我皆是这广宇的作画者，既书写自己，亦添彩人间。
古典主义绘画论文篇五
1820年3月的一天，在皇宫里，沙皇亚历山大一世正在大发雷霆：“应该把他流放到西伯利亚去!他弄得俄罗斯到处都是煽动性的诗，所有的青年都在背诵它们。”“这个人太放肆了，竟敢写诗咒骂皇帝，应该送他去服苦役。”一个贵族随声附和。
“陛下，他还算是个孩子呢，还不懂事，只要稍稍惩罚他一下就行了。先让他吃点苦头，将来他手中的笔也许对陛下有用呢。”宫廷诗人杰尔查为之求情。
“那好，就把他流放到南方去，没有我的允许，不准他回彼得堡。”
这个引起沙皇震怒的人到底是谁呢?他就是普希金!现代标准俄语的创始人。他奠定了俄国文学的基础，他在多种文学领域——抒情诗、叙事诗、诗剧、小说、散文、童话等都取得了杰出的成绩，为后代的作家提供了典范。所以，他被称为“俄罗斯文学之父”、“伟大的俄国人民诗人”、“俄罗斯诗歌的太陽”。
普希金出身贵族家庭，从小受到良好的文学教养。18，普希金进入贵族子弟学校皇村中学学习，年仅12岁就开始了文学创作生涯。18，在中学考试中他朗诵了自己创作的“皇村回忆”，表现出了卓越的诗歌写作才能，特别是他诗作韵文的优美和精巧得到了广泛的赞赏。在皇村中学学习时，受到当时爱国思潮和进步思想的影响，结交了一些未来的十二月党人(俄国的贵族革命家)为朋友,毕业后到彼得堡进外交部任职。在此期间写出了《自由颂》、《致恰达耶夫》等政治抒情诗，歌颂自由、进步，反对封建农奴制，抨击暴君专制，表现了开明贵族的理想。普希金的诗受到广大人民的热爱，人们秘密地传抄着，对当时的革命者曾产生过巨大影响。他因此触怒了沙皇亚历山大一世，于1820年被流放到了高加索。
普希金在南俄流放期间，创作了许多抒情诗和浪漫主义的叙事诗，如“高加索的俘虏”、“强盗兄弟”、“巴赫切莎拉伊的泪泉”等。从这一时期起，普希金诗作中前辈诗人的影响逐渐消失，完全展示了自己独特的风格。这时的普希金已被公认为当时第一流的俄罗斯诗人和19世纪20年代俄罗斯浪漫主义的、热爱自由的一代人的领袖人物。
被流放到高加索不久，沙皇又以他的无神论思想为借口，把他幽禁在他母亲的领地米哈伊夫斯克村。这期间，他创作了近百首诗歌，完成了长诗《茨冈》和历史悲剧《鲍里斯戈都诺夫》。后者描写沙皇鲍里斯戈都诺夫和冒名为皇太子的修道士格利戈里之间争夺皇位的斗争。最后格利戈里取得了胜利，贵族攫取了人民的胜利果实，人民只有以沉默反抗。高尔基认为“鲍里斯戈都诺夫是俄罗斯最好的历史剧，是普希金创作中现实主义的胜利”。
1825年，十二月党人起义失败后，沙皇为了拉拢普希金，把他赎回莫斯科，企图使他成为宫廷诗人。终因普希金的进步思想和创作活动与统治阶级利益格格不入，引起了沙皇宫廷贵族集团的仇视。1837年，在沙皇及其党羽策划的决斗中，普希金受重伤而死。临死前最后一句话是：“这个世界容不得我活下去。”
回到莫斯科以后的这段时期，普希金的创作达到了高峰，其间几乎每部作品都在俄国文学史上有着崇高的地位。1830年，普希金完成了自1823年就开始创作的长篇诗体小说《叶甫根尼·奥涅金》。这是普希金最重要的作品之一，是俄罗斯现实主义文学第一部典范作品，也是普希金由浪漫主义转向现实主义的第一部作品。主人公奥涅金代表了与作者同时代的贵族进步知识分子：厌恶纸醉金迷的上流社会的空虚无聊，不愿同流合污，却又摆脱不了偏见，找不到新的生活，只能周旋于各种复杂的`情感之中;想有所作为，却又远离人民，生活和事业最终一事无成。在这部作品中，普希金全景式地展示了当时的俄国社会，刻画了各阶层人物的心理;奥涅金的典型形象反映了十二月党人起义以前俄罗斯贵族知识分子的精神状态。小说被别林斯基称作是“俄罗斯生活的百科全书和最富于人民性的作品”，在俄罗斯文学史上有极其重要的地位。
诗人38年的短暂一生给俄国文学，也给世界文学宝库留下了丰厚的、无可替代的遗产。除800多首抒情诗以及长篇叙事诗外，普希金还有小说、戏剧及其他各种文学论著。普希金热爱生活，诗中洋溢着朝气，充满乐观。他的诗还生动地描写了俄罗斯的大自然。在他看来，“自然是一幅生动的画，充满了难言的、然而是沉默的美”。这种美，在“冬之路”等多篇短诗及长诗“叶甫根尼·奥涅金”中都有大量的展现。诗人对自然的描绘手法，也从早期的浪漫主义转为后期的现实主义。屠格涅夫称普希金“创立了我们的诗歌语言和我们的文学语言”;高尔基称他为“世界上极伟大的艺术家”，是“一切开端的开端”;别林斯基则认为他是“俄罗斯第一位诗人和艺术家”。
普希金天才的杰作，激发了多少俄罗斯音乐家的创作激情和灵感。以普希金诗篇作脚本的歌剧《叶甫根尼·奥涅金》、《鲍里斯戈都诺夫》、《黑桃皇后》、《鲁斯兰与柳德米拉》等等，无一不是伟大的音乐作品。普希金的抒情诗被谱上曲，成了脍炙人口的艺术歌曲。普希金的诗还被改编成芭蕾舞，人们通过舞者的身体语言领略到诗作的无尽魅力。
古典主义绘画论文篇六
绘画是一种富有创造力和表现力的艺术形式，通过色彩、线条和形状等因素，传达艺术家的想法和感受。作为一位热爱绘画的人，我深深意识到绘画不仅仅是一种技术，更是一种情感的释放和思想的表达。在我的绘画实践中，我体会到了绘画的乐趣、挑战以及对自我成长的推动力。在这篇文章中，我将分享我对绘画的心得体会。
第一段：起源与激情。
每个人对绘画的迷恋都是有原因的，我的热爱源于我小时候的一次亲身经历。那是在大自然中，我第一次发现了颜色和形状的奇妙。当时，我觉得自己就像置身于一个巨大的绘画中，每一幅画都是无穷的探索和发现。自那以后，我对绘画的兴趣与日俱增。绘画有一种超越文字的魔力，能够用视觉的方式传达深刻的情感和思想。这种直接的、直观的表达方式让我深深着迷。
第二段：技术与实践。
绘画是一门技巧和技术的结合。对于我来说，从掌握最基本的色彩和线条开始，到不断尝试各种不同的材料和风格，技术的提高是一个不断实践和学习的过程。我不仅参加绘画课程，还向经验丰富、技练精湛的艺术家请教。他们的指导对我绘画的发展起到了重要的推动作用。通过不断的练习，我的技术逐渐提高，我能更好地运用线条和色彩去表达我的意图。
第三段：表现与创新。
绘画是我表达自我的一种方式。通过绘画，我能够把内心深处的情感和思想呈现出来。绘画给了我一个自由创作的空间，无论是抽象的表现形式还是具象的形象描述，都能够找到适合我的方式。在表现方面，我尝试着将自己的情感融入到画作中，通过线和色彩的运用来表达我对生活、对世界的理解和感受。此外，我也不断地尝试一些新的技巧和风格，以实现自己的创新。
第四段：挑战与坚持。
尽管绘画是一种富有乐趣的活动，但它也会带来一定的挑战。在实践中，我会遇到一些技术上的困难，遇到创作上的瓶颈。然而，这些困难并没有让我灰心丧气，相反，它们成为我前进的动力。我学会了坚持，相信艺术的力量，相信自己的潜力。我不断地面对挑战，不断地寻找突破，这让我在绘画过程中找到了不断超越自我的动力。
第五段：成长与反思。
绘画对我来说不仅仅是一种爱好，更是一个成长与演变的过程。通过不断地练习、实践和探索，我发现自己的绘画技巧和创作能力在不断进步。同时，在我的绘画实践中，我也思考和反思着我自己的创作动机和目标。绘画不仅仅是一门技术，更是一种思维方式和生活态度。通过绘画，我找到了内心的平静和宁静，也培养了对艺术的敏感和洞察力。
综上所述，绘画是一种充满乐趣和挑战的艺术形式。通过不断的实践与探索，我体会到了绘画给予我的成就感和满足感。绘画不仅仅是一种技术，更是一种表达自我的方式。通过绘画，我能够传达我的情感和思想，找到属于自己的声音。绘画的过程也让我面对挑战和困难，但我学会了坚持和超越自己。绘画让我成长，让我发现自己的无限潜力。
古典主义绘画论文篇七
俄国文学历史尽管历经了千年，不过与欧洲其他发达国家文学相比较，其独立发展的完善的历史也只有近两百年，特别是其兴盛的历史仅有一世纪。不过俄国文学在世界文学史上的发展却突飞猛进，在其发展的过程中，出现了多种文学思潮，古典主义就是比较著名的其中之一。
古典主义是一个文学流派和创作方法，其形成在18世纪初期，在迅速发展的民族意识和理性主义思想的影响下，开始在欧洲国家普及。国家的中央集权制要求对法律进行理想的解释，才能得以确立和巩固，从而让人们尊重国家的权威，以国家权益为主，让卑微的情感听命于高尚的理智。古典主义的创作方法和文学流派应运而生。
18世纪彼得一世时期严格执行各种改革，倡导科学，简化俄文字母，出版报刊，还提倡翻译西欧著作，在俄国文学的发展中有着卓越的功勋。不过在当时，俄国文学正在古代文学迈向新的内容和形式，处于一个尚未稳定的过渡阶段，因此，产生了俄国古典主义的萌芽，逐渐出现了探讨古典主义的美学问题的理论著作。18世纪三十年代末四十年代初期，专制制度日益得到巩固，同时受到法国古典主义的影响，形成了俄国古典主义，一直持续了一个世纪。
在古典主义文学思潮下，所倡导的思想是商业资本主义和理性主义。古典主义的创作是以古希腊罗马的文学艺术为典范，因此，俄国古典主义崇尚古希腊罗马文化的艺术创作风格，排挤斥逐情感、想象及个性特点，其在一定的程度上体现了当时社会的`生活现象，包含了现实主义因素。欧洲古典主义传入俄国时，俄国文学并没有对其排斥，而是将欧洲古典主义思想与自身持有的民族意识进行融合，因此，俄国古典主义既有欧洲古典主义的特征，又有着属于自身的文学特点。
俄国古典主义继承了大部分欧洲古典主义文学的大部分特点，特别是法国文学。比如严格遵守逻辑、体裁规范，提倡理性，突显人物性格的某一特征等等。
俄国古典主义文学一开始就饱含战斗性，体现了强烈的社会激情及公民精神。俄国古典主义的第一批代表人物安季奥赫·德米特里耶维奇·康捷米尔，其并没有对古希腊罗马文化给予关注，而是将重点放在了严酷的现实本身，在他的笔下，充满了肆无忌惮的愚昧势力对安分守己的进步人士的扼压。同时他还申饬俄国文学要勇于揭露社会的弊端。
俄国古典主义文源于现实生活，揭示当时的社会状态。俄国古典主义有着很大的进步精神，其同情自食其力的劳动者，抨击不劳而获的剥削者，其将人的尊严和价值放在了阶层之上。此外，俄国古典主义文学与其之前的民间口头创作有着很大的关联，取材也多为本国历史，与法国古典主义主要取材于古希腊罗马大不相同。
古典主义兴趣和发展于法国，因此，通常认定法国古典主义是标准模式，俄国古典主义也采取了这种模式。其严格按照体裁把全部作品进行归类，同时任何一种体裁都具备自身恒定的标准。从古典主义的作品内容上来看，抽象和概括性的思想是最有价值的，而具体的和详尽性的则是没有价值的。古典主义的体裁主要有三个层面，同时也被分为三个等级，包括国家纪事题材的高级体裁、思想与追求冲突题材的中级体裁以及滑稽式的生活事件的低级体裁。高级体裁是针对特定的哲学问题或者是国家大事来表达高尚情怀的颂诗和史诗;中级体裁涉及的范围相对多一些，有悲剧、有情感与义务的斗争和“高雅”抒情诗等多种形式，比如田园诗、牧歌等等。个人情感的表现形式是暴君的横行霸道，义务的表现形式是爱国者的明德惟馨，因此，古典主义的悲剧大部分都涵盖了爱国主义，向往自由甚至是革命倾向;低级体裁主要是反映社会公民日常生活的长篇小说、寓言等等。
俄国古典主义的第一批代表人物是康捷米尔、罗蒙诺索夫、特列季亚科夫斯基。他们效仿古希腊罗马文化题材、思想、语言结构等等，与本民族的文学创作融合，对诗学和体裁进行改革。他们构建了文学体裁体系，探讨了公民道德理想和英雄主义的思想观念，繁荣了诗学文化，善于展示人的精神世界。俄国古典主义呈现了两种创作倾向，一种是揭露性，一种是颂扬性。
三.结语。
俄国古典主义文学是欧洲古典主义文学的一部分，其形成于18世纪初期，并且占据了俄国文学半个世纪的主导地位，俄国古典主义尽管效劳于王权，但却不同于法国古典主义的虚张声势，更多的反映了民族意识和坚韧的民族精神。俄国古典主义文学很大程度地促进了俄国文学的改革，赋予了俄国文学蓬勃发展的力量，是俄国文学向欧洲文学靠拢的里程碑，也为俄国文学的发展奠定了基础，使俄国成为国际上的文学大国。
古典主义绘画论文篇八
摘要：随着现代社会的不断发展，科技手段的不断更新，人们的生活也变得越来越多样化。在科技发展的历史长河中，电脑可谓一项举足轻重的发明，在现代生活中，电脑已经和电视一样得到了普及，而且人们的生活已经逐渐离不开电脑，无论是平时的娱乐活动比如购物，看视频等还是一些科学研究的分子，电脑都给人们的生活带来了很大的便利。除此之外，电脑为美术以及设计领域也开辟了一片新的天地，使美术以及设计领悟也开始了新的电脑时代。电脑在美术设计领域的使用使美术艺术的表现比之以前更加具有视觉冲击力，带给了人们全新的美术欣赏的视觉体验，同时让美术艺术设计变得更加具有活力。但是在电脑美术设计与艺术的关系上，人们一定要认识清楚，电脑的使用只是为艺术锦上添花，艺术是使用电脑的指导思想。艺术具体表现出来或者是更加完美的表现出来需要电脑技术的支持和帮助。电脑美术技术和艺术形式的完美结合可能创造出更好的艺术作品。电脑的美术技术和人们所创造的艺术两者结合起来才能较为充分的表达人们所创造的艺术形式，因为某些艺术形式只考人们的手绘等等方法达不到真正的艺术效果。
关键词：电脑美术技术；艺术；结合；关系。
随着世界的发展，美也在随着时代的进步而进步，艺术也在不断的发展，趋向着带给人们更好的欣赏享受的方向。从十八世纪到现在的二十一世纪，美随着社会不断变迁。艺术的创新和存在形式对每一个时代都是具有代表性的，它代表了这个时代的审美追求和文化艺术的发展程度。在二十一世纪，艺术形式的创新则体现在电脑美术技术的产生以及电脑美术技术在艺术上的应用。电脑的出现和普及在带给人们生活翻天覆地的变化是，电脑美术技术也让二十一世纪的艺术和人们的审美发生了翻天覆地的变化。电脑美术技术弥补了人们手绘和表达程度的不足，能够较为完美的表达创作者的意图，使图画的颜色等等方面表达的更加完美。而电脑美术设计者需要多方面的能力，例如对电脑熟练掌握的能力，对艺术，色彩等等敏锐的感知以及设计能力。电脑美术设计者不仅仅要能够进行艺术创作，还要可以制造一些商业性的广告等等的美术创作。这是将人们感性的艺术感知以及电脑美术技术相结合。电脑在美术艺术上的应用一定会给人们带来全新的艺术体验。
一、电脑美术设计是技术和艺术的结合。
随着电脑的普及，为了电脑能够更好的服务于人们的生活，让电脑帮助人们走向更进一步的进步，电脑的软件等等也在不断的更新换代。电脑刚刚出现时只能进行简单的计算，发展到二十一世纪的今天，电脑已经可以帮助人们娱乐，更重要的是电脑可以帮助人们进行科学分析。对于艺术来说，电脑上美术设计软件的产生是一个进步。电脑美术设计技术与人们美的艺术进行了有机的.结合，让人们的艺术设计更加趋向于完美，使艺术设计进入了一个新的设计天地。在艺术设计中电脑的使用可以完成人们手绘达不到的一些艺术效果，一些艺术创作可能存在脑子里无法准确的表达出来，也许手绘很多次也达不到自己想象的画面或者艺术形式。所以如果利用电脑可以达到很多效果，比如，颜色的选择等，还可以做出一些特效等等将人们脑子里的艺术完美的呈现出来。除此之外，艺术虽然是要带给人们美的享受，但是也是要应用于生活实际中的，所以，在实际生活中的广告设计等等应用上，电脑提高了人们的工作效率和工作质量，电脑使美术艺术设计者的设计方法改变，甚至改变了设计思想。艺术设计是时代的产物，适应市场需求，扩散速度很快，得到了很大的发展，在人们的艺术世界中占有重要的地位。电脑在艺术上的应用很大程度上改变了人们的艺术世界。
电脑美术设计在生活中几乎无处不在，例如，广告设计，工业设计，建筑设计，动漫设计，电脑游戏设计等等。以“动漫设计”为例过去的动漫都是手绘，在人物设计和色彩应用上往往不及现在用电脑制作出的动漫。电脑所制作的动漫在细节处更加精致，背景的制作和色彩的作用也更加完美，达到手绘很难达到的效果。所以说，艺术是需要靠技术来展现的，两者是相互依存的。随着电脑软件的不断更新，电脑几乎出现在所有的设计工作中，人们也已经离不开电脑。电脑美术设计在艺术上的应用虽然时间不长，但是很明显在现代的艺术殿堂中，电脑美术技术所产生的艺术也已经有了自己的不败之地。电脑设计技术艺术不仅仅带来了具有冲击力和美感的视觉效果，同时也带了了艺术展现方式以及表达方式的变革。电脑美术设计技术所产生的作品是艺术和技术的结合。我们生活中常用的photoshop，coreldraw等图片编辑的软件为艺术设计带来了很大的便利同时也能够启发设计者的设计思路。电脑美术设计有“精，准，美，特”等优势是手绘做不到的。人们思想艺术和电脑美术技术的结合带给了人们新的视觉盛宴。
虽然现代的艺术设计几乎离不开电脑的帮助，但是设计作品的主体仍旧是人，而不是电脑，电脑只是在整个过程中起到一个辅助工具的作用。虽然电脑美术技术的作用很大，但是并不是只靠电脑就能有好的艺术作品。所以设计师在运用电脑设计的同时，自身必须有很好的设计功底和与众不同的设计想法以及对艺术的敏感触觉，同时具有很好的表现力，因为只有设计师本身有思想才能用电脑表达的更好。在设计世界中，电脑的存在给了设计很大的便利，所以对电脑能够进行熟练的艺术设计是设计师必备的技能。但是随着电脑在艺术设计世界的深入，很多设计师将提神自身的准重点放在提高个人电脑技术上，笔者认为有失偏颇。我们必须清醒的认识到设计的主体是人，设计最重要的是人的设计理念，而不是电脑美术技术。虽然电脑美术技术在艺术设计中有些很重要的地位，是很好的辅助工具，但是不能够本末倒置。设计者必须提高自己的设计素养到一定的水平，再利用电脑作为辅助工具，创造出很好的作品，但是创作的主要影响因素是创作者本身的创作素养而不是电脑美术技术。试想如果创作出的作品只靠手绘，那么作品肯定达不到我们想要的效果，但是，如果没有好的创作思想以及明确的创作思路那么作品注定是失败的。所以，在电脑美术技术和个人艺术创作素养上，是电脑技术服从于创作思想的，而创作思想的准确表达是依赖于电脑技术的。只有在真正的创作实践过程中，不断的提高自身的创作素养，同时熟练掌握电脑技术，两者完美结合才会创造出好的作品。
参考文献：
[2]汪晟.浅谈艺术类高职电脑美术设计专业课程的教学地位[j].科技创新导报，2008，（15）：226+228.
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古典主义绘画论文篇九
民俗美术,一直是作为人民大众最基本的情感而生存与发展。她有着质朴、醇厚的人文精神,她的作者是人民群众和民间匠师,其中绝大多数是在劳动生产的业余时间制作的,主要是供自己使用、欣赏的,内容大都表现的是他们的心理愿望、信仰和道德观念。民俗美术在民间节日庆典、婚丧嫁娶、生子祝寿、迎神赛会等活动中,创作最为活跃。材料大都是普通的木、布、纸、竹、泥土,然而制作技艺高超、构思奇巧、很少直接模拟物象,而是善于大胆想像和夸张表现强烈的情感,用人们熟悉的寓意谐音的手法通过优美的形象表达他们对美好生活的憧憬,艺术上刚健清新活泼淳朴。
现代设计则是充分体现着当今科学迅速发展的时代脉搏,广泛地应用于衣、食、住、行等各个领域,随着科学不断发展,社会的进步开放,以及国际文化的频繁交流,加之现代人的还旧思潮,传统的国粹民俗文化在时尚的浪潮,焕发出新的生命力。面对现代的设计,我们不仅要升华是外表的形式,也要更新其内在的气韵,要赋予设计更深层次的审美享受,现代设计中运用传统文化能够满足消费者追求艺术的心理需要,同时也体现了历史文化的永恒魅力,下面就民俗美术对现代设计的影响,我谈一下个人的看法:。
一、民俗美术寓意的延伸和沿用。
民俗美术是具有悠久文化历史的积淀,通过形象之间的组合、蕴含着更加深刻的内容,并用概括、简练的自然与抽象形象象征着人们的意念与感情。在民间广泛流行的“老鼠嫁女”,以狮喻“男”,绣球喻“女”,“石榴”象征多生贵子,“桃子”代表长寿,以及“莲”(连)生贵子,蝠(福),鹿(禄)等文字谐音的运用,都反映劳动人民朴素的思想感情及祈求美好生活的愿望。
同样,这种祈求美好生活的愿望至今一直是现代人所向往。既有装饰性又有深刻的寓意是现代设计中常用的一种手法,正如司徒虹老师所说:“中国人文化意识和形态哲学观念的体现,它具有两个特征:一个是包含科学合理,是古人对自然规律的总结。二是它的想象力和创造力,它体现中国人对吉祥幸福的向往。”所以说传统图形背后的吉祥意味同样也适宜用于现代广告设计之中。如松下“爱妻号”洗衣机,从情感的角度出发,充分发挥了寓意的优势,把品牌的寓意与产品使用的对象结合起来,使得消费着在情感上产生了共鸣,自然而然地联想到广告的品牌,从而引起消费的欲望。
二、民俗美术图形的`提取和衍生。
民俗美术图形是人类通过视觉形象传达民俗文化的一种形式,是劳动者集体民俗观念和审美意识的产物。民俗美术种类繁多,造型千姿百态。在反映的题材与内容方面,不仅体现事物和生活本身,而且把自然中的山水草木、鸟兽虫鱼以主观的想象,通过形象组合安排。构图上通常用散点透视的表现手法,采用主要人物画得很大,次要人物作为陪衬画得很小,形成大小对比。另外,遍布大江南北的剪纸艺术和民间广泛流行年画艺术,都充分体现了作者丰富的想象力和高度的概括力,她们抓住生活中最动人的、最能表达内容的形象,用夸张、写实、寓意等等手法和简练的线条,创造富有装饰性的艺术形象。这些等等都为现代设计提供很好的参考价值。
而现代广告设计中的民俗图形符号大多来自民俗美术图形,他们在保留传统本土民俗艺术的特点基础上,同时也融入了现代经济文化的元素。这些民俗图形符号的运用不仅丰富了现代设计作品的内涵,而且使传统文化得以广泛传播。如在礼品糕点、糖果包装上,人们也通常借助民间美术中有祝福愿望的吉祥图案,来增强礼品中的“礼”的含量。另外,泥塑、陶瓷、脸谱艺术不仅把花纹巧妙的用于现代的广告设计上,而且还用于现代包装容器的设计中。可见,民俗美术的图形符号已成为现代设计中不可或缺的重要组成部分。
三、民俗美术色彩的借鉴和巧用。
民俗色彩是源于原始本身的反映,色彩象征意味浓厚。如红色含有吉祥喜庆的寓意;黄色象征着富贵尊荣。民间艺人一向重视色彩的象征寓意带来的精神力量,因此喜用红黄这样单纯、浓烈的吉庆色彩。民间剪纸多表现为单色红色;木版年画以黄与紫、红与绿等强烈对比色并置一起,造成鲜艳的色彩调子,形成独特的地方风格;民间彩塑玩具多以红、黄、绿、蓝为基色,黑或白为底色,形成了活泼强烈的色彩对比,极富个性。巧用民俗色彩,充分地利用它,会带来意想不到的效果,现代设计中借鉴这些民俗美术的习惯用色和配色手法,可以使传统商品和民间老字号的包装色彩更具视觉冲击力,民俗特色更加一目了然。
民俗美术的色彩还存在着很强的地域性差异,如湘西的蓝白印花布格调清新、质朴、明朗,贵州苗族的服饰绣品黑底衬五彩图案神秘而艳丽。利用不同地域的民俗色彩元素会更强化的地域民俗特征,很适合在土特产的包装设计,这些包装深受国内外人士的喜爱和认同,同时也会提升产品的价值,有利于商品的竞争。
民俗文化融入在现代设计这一领域中是有很大空间可作为的,需要设计者对文化的深刻领悟,正确处理好守旧和求新的关系。在继承传统工艺的基础上,结合现代创新技法,从多角度联系着人的视觉,人的情感,才能产生出既有时代气息,又有鲜明民族风格的设计作品,来适应现代人的审美需求,美化人民的生活,积极应对的态势并参与全球化竞争。
古典主义绘画论文篇十
进入到新世纪以来，国家对素质教育不断提倡，所谓的素质教育就是要让学生在一种和谐、健康、积极的环境中学习和成长，为学生树立正确的世界观、人生观和价值观提供一个良好的环境。大学是培养人才的摇篮，而美术鉴赏是一个人必不可少的一项基本技能，因此美术鉴赏进入大学课堂是培养学生学会学习、学会自立、学会做人以及学会分辨善恶美丑的一项重要举措。那么美术鉴赏课究竟是如何对大学生产生如此大的影响的呢？笔者认为主要有以下几个方面。
一、美术鉴赏的概况。
（一）现状。
进入新时代后，随着物质水平的提高，人们在温饱得到满足后开始增加了对物质文化的需求，在艺术感受和艺术需要方面有了更高的要求，文化的多元性在教育上得到了广泛的体现。当今社会需要的人才也由专一化转向全面发展，大学生自身也愿意去学习和接受各种形式的文化，注重提高自己的文化水平和素养。美术鉴赏属于比较广泛和普及、也是相对于比较好理解和接受的一种文化传递形式。美术作品可以开阔学生的视野，形成学生对美的鉴赏，作品传递的思想和表达的内涵，又可以培养学生对美的事物的判断和吸收能力，因此美术鉴赏受到广大学生和教师的喜爱[1]。
（二）特点。
虽然美术鉴赏课程在各大高校都有设立，但它的教学内容和教学形式不一定就适合本校学生的文化需求。其不合理性主要体现在以下几个方面：1.课程设置不够完善和科学它的设置具有不均衡的特点，如对课程的安排时间不合理、课时较少、种类较少。一般美术鉴赏都为几个学期的必修课程，必修课程具有内容单一的特点，适用于专业课和基础课程的学习，但对于美术鉴赏这类灵活性较高的课程，可以根据学生想掌握的方面进行统计，设立多种课程供学生进行多样的选择，满足学生对于美术鉴赏的需求[2]。2.美术鉴赏过于形式化在大多数的大学美术鉴赏课堂上只是一味地进行美术作品的观赏，只了解教材上相对应的作品，没有深入地去了解艺术品的创作背景和过程，要表达的情感也没有进行深入地了解。美术鉴赏的最终目的不是知道一个作品的内容和作者这么简单，而是要通过对作品的鉴赏，达到自身审美素养的提高。
二、在大学教育中美术鉴赏的功能。
（一）认知功能。
作为知识认知的一种方式之一，美术鉴赏不仅可以有利于大学生开阔视野，也有利于对更多知识的不断积累。美术鉴赏的内容往往千变万化，从古至今美术鉴赏就一直被人们广为推崇，比如古时候的人们对诸如瓷器、画卷、折扇等常见的东西进行美术鉴赏，通过鉴赏可以对其质地、产地以及铸造工匠等相关信息进行得知。由此可以知道：通过美术鉴赏可以帮助人们对于事物进行进一步地认知，现代人通过对于古时候的作品进行鉴赏时，除了上面所说的信息的认知以外，还能够帮助人们对了解其所出产的年代、艺术价值以及市场价格，等等。美术鉴赏的认知功能可以更好地提升大学生对于传统文化的认知，由于现在科技发展非常迅猛，很多人都在紧随着时代的步伐，人们对于事物的鉴赏能力也逐步提高，然而更多的是对事物表面的认知，却将其本质忽略了。因此，加强对大学生的美术鉴赏教育，在丰富了学生业余文化的同时，也能够帮助他们对事物进行更深层次地理解及认知[3]。
（二）教育功能。
对于艺术的鉴赏，首先是提高了人们对于艺术作品的认知程度。在认知程度的基础上，更有利于我们去对艺术作品在艺术方面进行更深层次的发掘和探讨。通过对于艺术作品的创作者来进行分析，我们可以了解到艺术品的创作者在创作的过程当中是何种心理状态，以及创作者想要表达的艺术思想。例如：对宋代《清明上河图》的作者张择端进行分析可以知道，在他创作这幅巨著时所生活的年代的背景以及他所处的社会阶层，由此也可以引申到画中的内容，通过画中的内容可以知道当时的社会现象以及经济的发展状况，为我们能够更多地了解宋代时期的政治、经济和文化等诸多领域做出了巨大的贡献。美术鉴赏不仅能够起到对学生教育的作用，同时也培养学生的创造力，而创造力的基础必须经过教育才能够实现。因此，通过美术鉴赏可以丰富学生的想象空间，提高思维想象力，能够更好地开拓思维，并在潜移默化的认知过程之中不断地进行思维创新。
（三）审美功能。
审美是人意识的一种特殊形态，是人在主观上对于世界的认知、感知与理解的过程。人的审美可以让人找到需要或者喜欢的东西，然而人的审美能力并非是天生所具有的，而是需要人们通过不断地接触事物，并在脑海中增强感知，再加以后天的教育从而培养起来的[4]。审美功能具有基础性和普遍性，同时，人的审美能力也是与道德相关联的一种感官能力。也就是说，人们具有审美的功能，就可以在对所认知和感知到的事物产生一种潜意识的审美思维，通过这种审美的思维，人们可以进行情感的把控以及表达。大学教育中，学生通过对艺术作品的鉴赏，不断地加强大学生对于审美方面的教育，不仅有利于陶冶个人秉性，促进学生形成更好的审美思维以及审美的理念，更有利于他们树立正确的人生观以及良好的人格魅力，也有助于在今后的学习、工作中能够发挥良好的创新思维和创造力，进而更好地服务社会和人民，创造更多的社会价值[5]。
（一）创造性思维的培养。
我国的传统教育对青少年的创造性思维培养不够，这主要是因为长期的封建传统政策和小农经济以及将近几十年的计划经济管理体制的运行使人们的创造性思维受到了严重的压制。这种偏爱有知识和技能但因循守旧的社会结构使人们的思想处于一种被动的状态之中，人们忽视甚至忘记了自己的创造能力。因此，在美术鉴赏课堂中，我们不以培养学生的鉴赏能力为教学重点而是以培养学生的创造性思维能力为教学的最终目的[6]。丰子恺先生曾说：“想象是一个非常重要的东西，我们可以用想象是有形的东西变形，同时我们也可以用想象使无形的东西有形。”因此，在大学教育中美术鉴赏是一堂必不可少的课程。
（二）审美能力的教育。
自然美、社会美、艺术美这些都是人类审美能力的涉及范围，我们生活的世界是一个灿烂的世界，这个世界上存在着太多太多的.对比，如美与丑、对与错等。因此培养学生对美的审视能力，让他们善于发现生活中存在的美的本质是大学教育责无旁贷的一件事情。在美术鉴赏课堂中，教师通过对美术作品的讲解，拉近学生与美术家们的距离，使学生与美术作品产生一种审美关系，这样就会使学生在美的享受中提高自身的审美能力，并且能从教师的讲解中充分感受到美对身心的愉悦功能。
（三）广博知识的学习。
艺术家豪泽尔曾经说过：“有的人也许天生就是艺术家，可是如果想成为鉴赏家就必须要经过学习与教育”。美术鉴赏课是根据人的理解能力而开展的一门课程，因此，学生对于知识的积累以及教师的适当引导是提高领悟力的一项重要因素。艺术来源于生活而高于生活，美术也一样，它们都来源于社会，并且都依附于社会而存在，因而如果想要领会美术作品的真正含义就必须要对美术作品所产生的社会背景、人文情怀进行了解与掌握。在鉴赏美术作品的过程当中，教师与学生通过双边活动来发现美术作品的种种外部关系以及深刻内涵，这就要求教师不仅要掌握广泛的美术知识，还要对这些知识进行不同的更新，确保自己所教授的是完整而准确的美术常识[7]。同样地，美术鉴赏课不仅仅是一门关于美术的课程，也是一门包罗万象的世界信息课。
（四）人格境界的提高。
审美的中心问题是情感境界问题，美术作品的审美价值主要来源于人类丰富的情感体验。因此，优秀的美术作品往往具有陶冶人的情操、完善人的意志甚至提升人生境界的作用。例如：《长江万里图》中蕴含的浓烈的爱国主义情怀就可以激发起学生对祖国山河的热爱之情；拉斐尔的《圣母像》中母爱的融入使欣赏者能在第一时间感受到作者对母爱的歌颂；还有世界著名雕塑《大卫》，这座作品表现出的坚定、顽强的精神无时无刻不在影响着后人。当下国家提倡的素质教育就是要让学生以一种全面的姿态迎接未来，为学生树立起一个健全的人格而努力。在美术鉴赏课堂的教学中教师讲解的不单单是一些关于美术的基本知识，更是教会学生学习做人、认清美丑的基本常识。正义是美的、是被后人所敬仰的，邪恶是丑的、是被后人所不耻的、坚定是美的、是值得我们学习的，动摇是丑的、是我们不应效仿的。所以，美术鉴赏课对于提高学生的人生境界有着积极的指导作用[8]。
四、结语。
美术鉴赏是以视觉思维为主的过程，通过对艺术品的一系列的感知、理解、想象来升华自己。通过这种作品鉴赏的模式，可以更加直观地来引起共鸣，加深视觉冲击效果，而且在直观事物面前，人们的想象力和代入感也会得到发挥，从而形成更好的体验和更深的理解。美术鉴赏课在学生全面发展、完善自我能力素养上有着不可替代的重要作用，无论是学生还是学校，无论是家长还是各个教育机构，都应该提高对美术鉴赏的重视程度，一起进步，共同发展。
参考文献：
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古典主义绘画论文篇十一
西方经济学自从引进之后就融入到了中国经济发展中，并且对中国的经济发展产生了很大的影响。本文主要从西方经济学的引进开始讨论，浅谈西方经济学的各个主要分析方法对中国经济学的影响。
一、西方经济学的引进。
西方经济学的引进没有一个特定的时间，是随着我国资产阶级革命逐渐引入的，纵观历史可以发现，在我国半殖民半封建时期西方经济学就已经逐步走进中国。在百日维新时期，以梁启超、康有为等人发起的变革带动了西方经济理论的传入。根据统计，在我国“五四运动”开展之前，大约有四十部西方经济著作的完成，系统介绍了西方经济的基础理论以及分析方法。但是这个时期都是以翻译为主，直到二十世纪三十年代初期我国才有自己著作的相关西方经济理论书籍。此时著作的理论水平较低，达不到学术水平的高度，所以出版和阅读量也十分有限。这样的状态一直持续到了建国都没有太大的改观。在改革开放之后，我国对于西方经济理论的研究和引进都达到了一个新的阶段，这时对西方经济的研究由表面开始逐渐深入，并且有很多人员开始专门从事西方经济理论的研究工作。这个阶段，推动了我国西方经济学更大程度的发展。
在二十世纪八十年代的初期，对西方经济学的研究仅限于对凯恩斯经济学以及外国古典经济学的研究，像是美国的《宏观经济学》以及马歇尔的《经济学原理》也在研究范围内，但是经过目前的研究发现，我国当时对凯恩斯经济学理论的研究最为深入。这个现象和我国的国情有着密不可分的关系。因为凯恩斯经济的主张是政府要干预经济的发展，和我国改革开放初期的国情相符合，此时，西方一些非主流的经济学理论也被翻译引进，在某些方面弥补了凯恩斯经济学的不足。综合引入的各种经济学理论可以看到，对经济进行适当干预的理论是最符合我国国情的一种理论，并且也得到了我国众多学者的一致认同。在九十年代初期，在我国又兴起了产权经济学，这也是符合我国国情的一种西方经济学理论，产权经济学主要是以制度为核心进行的一种经济理论，强调产权制度也是我国目前经济发展迫切需要建设的一个方面。此种经济学理论在一定程度上缩小了我国和其他发达国家之间的差距。
二、西方经济学分析方法的影响。
西方经济学对中国经济发展的影响首先就表现在分析方法的影响上。
(一)实证分析法。
大多数学者都认为，马克思主义经济学理论是偏向于规范分析，而西方的经济学主要是运用实证分析法来进行分析的。实证分析法相比较而言有两个鲜明的特点：第一，主要分析“是什么”诸如此类的问题，主要强调的是对目前状况现象的分析，而不着眼于对现存问题的解决。第二，通过数据统计和经验，对实证提出的假说进行正面或者反面的论述，具有很大的客观性。这种分析方法对我国很多中年学者产生了较大影响，他们认同经济学是一种实证类的学科，所有的假说和研究者的.道德伦理价值理念没有任何的关系，他们只在客观条件下研究经济学问题。所以，经济学这一学科就被赋予了“道德中性”的客观意义。目前，西方经济学家一般倾向于实证经济学方法，但并不完全排除规范经济学。
(二)结构分析法。
结构分析法是在二十世纪八十年代随着宏观经济学的引入而发展起来的一种分析方法，结构分析法主张在“整体”上对经济有一个宏观的判断。在分析的过程中要依据经济内部发展规律和模式，这种分析方法认为经济之所以有质的变化是因为结构不同的原因。结构分析法的学者认为我国经济的矛盾不是通过单纯的数据分析就可以解决的，真正的矛盾是需求和供给之间的结构矛盾，所以这种分析方法主张对我国的经济结构进行分析，从结构方面来把握经济的增长矛盾。这种分析方法认为，在发展中国家，经济发展是缺乏一定的弹性的，弹性缺乏造成的经济发展不平衡归根结底就是结构的不合理，结构对于经济方向的判断有着有着重要意义，所以对经济的分析是需要从结构方面开始的。
(三)制度分析法。
制度分析法是在八十年代开始被中国的学者广泛接受，这个分析方法的热度一直持续到了九十年代。西方经济学家认为经济发展视需要一定的制度作为前提和保证的，因为西方经济学都是基于成熟的制度之上的分析，所以中国经济之所以有问题就是因为制度的不成熟。此种分析方法着重关注我国的制度问题，第一，我国现存的经济制度不是最终完善的。第二，我国的经济制度还在不断的发展。第三，我国目前的经济制度在很多方面来讲都只有暂时意义可以参考。这种制度分析的方法对于我国经济发展来说更具有现实性意义，就如著名经济学家诺斯所言：“制度理论集中考察的是制度在决定交易费用中的作用……制度经济学的目标是研究制度背景下人们如何在现实世界中作出决定……这些决定又如何改变世界……”
(一)有关我国经济学的学科定位。
西方经济学帮助我国经济学进行一个更好的定位，我国的传统理论认为经济学是要对社会与生产之间的关系进行研究的学科。而西方经济学学者更认同于将经济学看作为是一门“科学”的观点。虽然在西方，对于经济学的定位也存在分歧，但是这种分歧对于我国经济学的定位来说是微不足道的。随着中国经济学的发展，大多数的学者都认同中国经济学是建立在现代经济发展的基础之上的。综合权威学者的观点可以看出，经济学其实是一门社会学科，而不能称之为是科学。因为经济学中的很多变量是无法通过准确的计算而得出的，只能得出一个宏观的概念，综合西方经济学学家马歇尔的概念也可以看到，经济学通过分析只能得到一种经济发展的“趋势”，而不是一个可以通过数字来证明的可以参考的规律。加入经济学可以通过数学数字准确的计算出来，那么也就是失去了其学科意义。经济学没有准确的数字计算，因为其中的因素复杂多样，所以只能出现相关的趋势和方向预判。经济学和哲学等其他学科有着很大不同，这个学科具有很强的实践特点，不是通过单纯的逻辑和推理就可以得出答案的。很多西方经济学家认为经济学是可以通过数学学科的介入来得到答案的，其实不然，经济学尤其是和我国国情相结合的经济学，是需要一定的前提假设的，只有经过了历史检验的经济学才是真正所追求的学科。
(二)关于我国经济学的学科范畴。
我国经济学的学科范畴也是在不断发展中最终成形的，最初西方经济学的引进并没有绝提的范畴划分。我国对于经济学的界定由最初的研究生产与需求的关系到了现代经济学的范围拓展。目前学术界认为经济学主要由三个部分组成，分别为经济理论，经济正常，经济规律的应用。这三个部分相互联系，密不可分。经济理论是一切研究的基础，只有将研究基于理论的基础上才具有更大的公信力。发展到现在，经济理论不止一种，有很多经济理论是需要结合现实进行创新研究的。经济政策主要值得是对我国现存的政策方针的研究，主要是利用已有的理论和结果制定相应的经济发展参考政策。这种政策是针对现实问题而定的，必须具有现实意义才可。而经济应用研究是将理论应用到各行各业的一种最终实现，必须要提供具有参考性和操作性的依据。
(三)西方经济学与中国经济学的融合。
自从西方经济学的传入，就不可避免的与中国国情相融合，这是一个必然趋势。但是这种融合趋势是隐性的，在不断发展的过程中逐渐呈现出来。这表现在西方经济学的一些理论被应用到中国经济发展中，而马克思主义经济学理论也被用来分析一些西方经济现象。虽然两者之间有融合的趋势，但是这种融合并不是融为一体，而是在某些理念和应用上的融合，必要的分支依旧十分明确。目前我国已经划分为宏观经济学和微观经济学两个经济学主流，研究相关经济学问题。
四、结语。
西方经济学有很多的可取之处，对我国经济发展有带动作用，能给我国经济学带来活的生机。西方经济学自传入中国以来就被不断的充实和应用，不仅确定了我国经济学的学科定位，还提供了一种新的经济思路，有利于我国经济的可持续发展。
古典主义绘画论文篇十二
每每出现这种现象，不少老师简单地归结为：学生学习不努力、不刻苦，学习习惯差，甚至是认为学生头脑笨，不开窍。其实，在很大程度上是教师不顾学生的认知能力，违背学生心理发展规律，在教学设计、教学手段选择等方面存在偏差，致使学生思维滞后，无法理解和掌握所学知识。
1.师、生思维不对称。
心理学研究表明，思维敏锐、灵活具有创新性和批判性有助于问题的理解;相反，思维迟缓、不敏捷则不利于问题的解决。在课堂教学中时常会发现一头热的现象，教师讲得是口若悬河，津津有味，自得其乐。而学生是不知所以，一头雾水，其根本原因是师、生的思维不对称。学生处于智力、思维的发展上升期，其思维的广阔性与深刻性、思维的独立性与批判性、思维的逻辑性、思维的灵活性与敏捷性还都不完备，无法达到与教师的思维同步，特别是像一些具有发散、开放性问题或是规律揭示、空间想象及综合运用等思维要求较高的问题，学生更是应接不暇，无法跟上教师预设的思维要求，出现思维滞后或“掉队”。
2.学、教需求不吻合。
在课堂教学中常常会发现被教师认为是难点的知识，而在学生看来并非真正的难点。相反，对于一些难以理解和把握的知识，学生迫切需要教师进行深入的剖析、仔细的讲解，教师却轻描淡写一带而过。再有，教师讲到自己得意之处，十分兴奋，对学生已懂的问题和已掌握的知识仍然滔滔不绝地重复讲解，引起学生的厌恶，表现出情绪不安，不愿听讲。这就导致了教师的教与学生的学的需求不相吻合，当学生真正遇到那些难点时思维无法跟进。
3.学、教思路不合拍。
学生的学习是一环扣一环，逐层推进，是一种螺旋式上升，如果某一环节中出现了差错必将加大后续学习难度。此时，教师若仍然按照自己的教学习惯，沿用过去的教学思路组织教学，而忽视当下学生现有的知识基础和学力，其教学效果是不言而喻的。另外，我们时常发现在指导学生解决具体问题的过程中，很多教师只是根据自己对问题的理解，按照自己固有的思路讲解，而没有沿着学生的思路去分析错误原因，没有理解学生的心思，以至于同样的问题是一错再错，屡教不改。师、生之间这种学、教思路不合拍必然会导致师生思维的脱节。
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古典主义绘画论文篇十三
空间艺术在素描范畴内一是指画面的设计结构，二是指在一个二维平面对深度的幻想。空间感从文艺复兴到塞尚开始的现代主义都与它的表现方式有着直接的关系，其中，焦点透视的三维空间和平面二次元空间以其直观可感的形式，在西方素描中得到最为广泛的运用。西方素描在绘画空间上很是注重静物和景物分割空间形成的几何形构成，大多是结合焦点透视法，安排一个深度空间，组织有秩序的几何结构和画面，以数学计算式的精确，递减景物大小和在深度中进行画面构成。画面中无论近、中、远景的物象都用清晰的黑线勾勒出来，有相对清楚的边缘，空间的深度和前后关系靠一块块有厚度的平面重叠堆砌而成，然后再根据画面的空间结构的需要，主观的拉长、拉高、拉宽平面，空间通过平面的前后重叠而达到清晰的显现。而后印象主义和立体主义的空间观念，是追求素描空间在内心感受上的主观空间想象，并非客观现实的真实，由此创造出了一种新的素描空间艺术表现，这是一种把对象拆散后拼接成空间中全新的物体景象的自由技法。这种技法可以在同一幅画里展示出不同视点看到物象的各个面，这就打破了文艺复兴以来用焦点透视法描绘空间的思路。同时，通过多点透视把物象分解重组成几何形小切面的方法，被后来的很多艺术流派广泛借用。现代主义的艺术创新，在素描绘画的空间形式上有很多层面都与文艺复兴时期有着内在的联系，这也是那时绘画空间的现代延伸。至于它们之间存在的画面空间感觉差异和制造出画面前后空间的深度和厚度感，那是由于时代的艺术语言的不同，但对素描绘画空间的认识和空间背后的艺术追求却很相似，都是在同一艺术系统里向着相似的方向探索，在这种形式上自由的运用超越了现实的空间，更加表达了艺术家们所要阐述的意境。
西方素描视觉审美的`雏形，是从乔托时期开始的，断断续续地朝着线性透视、空气透视及色彩透视方面的方向使用发展，到十九世纪后期法国的印象主义艺术，把传统的西方素描的视觉审美发展到顶点。画中追求客观的再现，提倡画家要到野外对景写生，尊重和强调光与色的客观变化规律。同时在这一时期，受日本浮世绘及中国书法等东方艺术对西方绘画的影响，孕育和产生了追求主观表现的现代艺术的萌芽，这种局面的形成原因应归之于东西文化的交融，西方素描的视觉审美观已开始逐渐缩短，并朝着融和的方向努力发展。就素描的艺术创作与对客观物象关系而论，西方素描受传统哲学思想的深刻影响，在视觉审美上注重具有光影层次、透视、凹凸、色彩变换的高度写实形象，追求造型的准确、质感、光感、体感。虽然从印象画派以后，西方素描开始重视表现性，注重主观情感作用，但是从根本上来讲，西方素描仍然属于一种再现自然的艺术创作观念，在视觉审美上更多的是一种科学的艺术，得益于自然科学，如物理光学、透视学、人体解剖学、色彩学等科学研究。特别是在“摹仿论”、“反映论”、“现实主义”的深刻影响下，这一规律更是得以共识。从绘画形式上看，西方素描的形式特征包括了空间和物象的简化、大量空白的运用、前后空间的渗透和物象内外空间的相互开放、平面性与深度空间的结合、素描秩序感的运用等等，其传达了一种静观审美的态度，这恰好反映了外在形式和内在精神相统一的观念，这种氛围暗示出静观的意境便是一种哲理性的审美意识与感悟。
在素描绘画中，艺术家们始终把西方素描作为一门独立的艺术来看待，也正是这样，对西方素描发展历程的审视与思考，即可从康定斯基、塞尚到毕加索等艺术家那里开始寻求素描艺术语言的拓展和创新，从梵高充满表现主义激情的线条到波洛克的绘画杰出典范，便可看出，西方素描的概念和绘画之美已经在实践中为造型艺术带来了伟大的生命力，奠定了科学形体法则的基础。
古典主义绘画论文篇十四
摘要：绘画艺术的自我意识，是在摄影的刺激下形成的。绘画与摄影的区别表现在眼、手、心三个方面。摄影提示了绘画不是模仿，而是“有意味的形式”。绘画的“形”不等于“形象”(再现性形象)，而毋宁说是“形式”(抽象性形式)。绘画线条的意义从笔触中获得肯定，笔触和线条是画家身体活动的结果，因此绘画作品中有一个“看不见的身体”存在。构图是绘画处理中最根本的问题，其与空间互为表里，空间意识表现为画框意识与平面意识。绘画史呈“从形象到空间”的趋势而发展。
关键词：绘画;摄影;美学;有意味的形式;人心营构之象;空间幻象。
自古就有关于绘画艺术的大量思考。但是，直到19世纪下半叶，对绘画艺术的一种全新的理解才逐渐形成，进入20世纪，绘画美学才取得突破性的进展。这与美学的发展有关，与绘画艺术的演变有关，更与摄影技术的发明有关。摄影技术的诞生，使我们对绘画的理解发生了翻天覆地的变化。甚至可以说，在摄影技术产生之后，绘画以摄影为镜，方才真正地看清自己的面孔，认识到绘画本身的存在意义。亨利・摩尔指出：“摄影在今天扮演了一个很重要的角色，它的精确拷贝能力解放了画家并且使他们进发出另外一种观念。”绘画艺术的自我意识，是在摄影的刺激下得以形成或获得自觉的。因此，本文将以摄影为背景，以20世纪美学为参照，思考绘画艺术的美学问题。
一、眼与手。
1839年8月19日，法国科学院和美术院召开联合会议，公布了银版摄影术的专利权得到批准的消息。随着消息的公布，浪漫主义画家保罗・德拉罗什发出载人史册的一声惨叫：“从此以后，绘画死了!今天我们已经很清楚，德拉罗什纯属杞人忧天，绘画并没有寿终正寝。但是，历史地看，德拉罗什固然惊恐过度，却也在情理之中。摄影对绘画的冲击之所以如此之巨，是由于它彻底颠覆了西方传统绘画观念，那就是模仿论。在摄影诞生之前的西方画家看来，绘画模仿自然，实为天经地义。根据模仿论，“逼真”、“酷似”自然而然地成了绘画艺术的评价标准。然而，拥有“纪实性”天赋的摄影出世之后，画家们马上意识到，在逼真或肖似方面，绘画根本不能与摄影一争长短。
安格尔感叹道：“摄影术真是巧夺天工，我很希望绘画也能画到这样逼真，然而恐怕任何画家都办不到。”绘画为之奋斗了数千年的神圣使命，如今被摄影轻而易举地实现了。画家们如梦初醒，觉悟到模仿的使命从此不再神圣，甚至只是一个历史的误会。从19世纪末到20世纪初，西方画家、批评家和美学家基本上达成一个共识：“摹仿的理论早已不足为信了。”总之，以摄影为参照，绘画开始对自身的模仿性产生了怀疑，并且逐渐意识到自己的家园存在于摄影之外。
因此，找出绘画与摄影的区别，便是找到绘画的家园，找到绘画存在的理由。这个区别，简言之，就是人工与机械的区别。绘画的“人工性”表现为三个方面：眼、手、心。宗白华在短文《论素描》中生动地说，在素描中“画家的眼、手、心与造物面对面肉搏”。这句话可以借来一般性地说明绘画与摄影的区别。在摄影中见不出“眼、手、心与造物面对面肉搏”。自然，眼、手、心三者，在绘画中相互交融，连贯一气，只有在言说中才可以分解开来。
第一，眼。绘画与摄影均基于视觉，但是，画家和摄影家的观看是大不相同的。画家直接通过眼睛来观看，“与造物面对面肉搏”，而摄影家通过照相机的镜头来观看，眼睛与世界之间隔着一个镜头。根据格式塔心理学的原理，视知觉并不是对事物的忠实记录，而是一种“型知觉”。阿恩海姆指出：“所谓视觉，实际上就是一种通过创造一种与刺激材料的性质相对应的一般形式结构，来感知眼前的原始材料的活动。这个一般的形式结构不仅能代表眼前的个别事物，而且能代表与这一个别事物相类似的无限多个其他的个别事物。”比如汉字一贯被视为“方块字”，其实只有极少数汉字才是比较纯粹的方块形。又如，按照摄影的记录，人脸的轮廓是十分复杂、细碎的曲线。但我们用眼睛看，就觉得那是“圆脸”、“长脸”、“瓜子脸”、“葫芦脸”等简单的完整的几何形。儿童绘画就是格式塔理论的一个实例。
儿童画肖像或人脸，往往先用线条描出一个圆形或方形，再在中间填上一些简单的道道以代表眉眼口鼻。这样的形象，只能象征一个“抽象的人”，而不是一个特定的“爸爸”、“妈妈”、“爷爷”、“奶奶”、“哥哥”、“姐姐”(当然，儿童本人可以随心所欲地将它看做任何一个人)。它是一种概括化的形象，一种“感性的抽象”，一种“知觉的概念”。因此，绘画再现事物时，总是从概括的图案或抽象的程式开始，逐渐地逼近个别事物，个别性是绘画创作的终点。相反，摄影却不具备任何抽象概括的能力，只能以个别的事物为起点。举例来说，“摄影在表现一张概括的面孔时，会发生很大困难。它不得不从一个个别的例子人手。为了达到概括，它也许不得不去模糊或者竟要部分地隐藏这一个体的那些明显的细部。与积极的抽象陈述相反，它只能用删除一些原初材料的办法消极地达到这个目的。”
第二，心。抽象概括是视觉的特点，也是心灵的能力。绘画再现的对象具有非现成性或未完成性，甚至隐而不显，有待于画家参与进来促其显现;画家作画的过程，就是通过种种方式去探索、获取、创造形象的过程。纵然在写生时，画家也必然对眼前的物象加以概括化、理想化。
1516年，拉斐尔曾在一封信中自供：“为了画出一个美的女人，我必须观察许多美的女人，而且这也以你会帮助我作出选择为条件;不过，由于美的女人非常少，确切可靠的判断也很稀罕，所以我运用了我的头脑中产生的某种观念。”所谓“运用头脑中产生的观念”，也就是理想化。正是由于形形色色的理想化，才赋予艺术作品以独特面目和鲜明个性，使绘画千姿百态气象万千。因此在绘画作品中，我们看到的并不是感官直接性的自然，而是对自然生气洋溢、独辟蹊径的解释。摄影不具有抽象概括的能力，也不具有理想化的能力。摄影的对象总是已经现成地在眼前了，只等拍摄，甚至只需一按快门，瞬间完成。摄影并非一个创造形象的过程，因而就“摄像”本身而言，不具有创造性，而只是“记录”。
摄影并非理想化的创造物，镜头感触不到理想之域。如阿恩海姆所言，摄影就是“在实存的世界上寻找不寻常的事物”，而摄影作品，则是对那些发现了罕见美好事物之摄影家的奖赏。章学诚《文史通义》曾说，有“天地自然之象”，有“人心营构之象”;衡之摄影与绘画，摄影只能接受(选择)现成的“天地自然之象”，绘画形象则是创造出来的“人心营构之象”，简称“心象”。
第三，手。摄影家的观看联系于镜头，画家的观看联系于人手。摄影是镜头和底片的艺术，绘画是眼与手的艺术。摄影家一看到某个奇妙的事物就想立即拍摄下来，画家一看到某个奇妙的事物就想立即描绘下来。在《金玫瑰》中，康・帕乌斯托夫斯基借一位画家之口说：“看每一样东西时，都必须抱定这样的宗旨，我非得用颜料把它画出来不可。”观看时伴随着在绘画媒介中实现知觉对象的强烈冲动，乃是画家区别于常人的主要标志。借助于绘画媒介，如色彩、调子、线条、形体，画家在现实物象和绘画形象之间撕开了一道裂隙。
古典主义绘画论文篇十五
黑格尔对艺术美有着明确的定义：美是理念的感性显现，理念相当于艺术的内容，艺术的形式就是诉诸感官的形象，而艺术要把这两方面调和成为一种自由的、统一的整体。黑格尔认为，艺术的黄金时代已经过去，在希腊和中世纪晚期，人们更注重主观理念的演化，而相比之下，现代的艺术则更加偏重理智文化。
在黑格尔的年代，也就是18世纪末至19世纪上半叶，法国大革命为整个欧洲带来了思想改变的风潮，人们开始质疑权威和传统，强调理性，并且开始朝个人主义方向发展。这个时期，人们对艺术的观念也产生了变化。艺术家们开始寻求一些新的题材来进行创作，其中历史和革命题材首次大量进入了人们的视线。此时，新古典主义画派崇尚理性的表达，追求复古的精神，重视艺术在人民中所起到的道德教育。他们所选用的题材都是比较严肃的历史题材，重视形式，倡导形式美的原则，摒弃鲜艳的用色，主张减弱画面的色彩。黑格尔美学中对艺术的内容和形式的自由统一的要求正适用于新古典主义画派的绘画风格。
法国新古典主义画派画家雅克・路易・达维特（1748―1825）的《马拉之死》描绘了法国雅各宾派革命领袖之一马拉在浴室中被杀死时的情景。我们在欣赏这幅画的时候，能够明显地发现达维特的创作并非是情感冲动，而是一种对完善过的理念的表达。他并没有百分之百地还原马拉死时的画面，而是通过精心的设计塑造出一个在生命最后一刻仍在工作的英雄，这毫无疑问地美化了革命派的形象，并且成功地体现了他所想要体现的理念―具有一种政治煽动性的效果。
同样的例子我们也可以从他早些时候的另一幅作品《贺拉斯兄弟的宣誓》中找到。这幅作品描绘了古罗马时期贺拉斯家族的三兄弟代表罗马与伊特鲁利亚的古力茨亚人为避免大型厮杀，将以三对三决斗的方式决定罗马城和阿尔贝城的归属问题的故事。画面表现了在出征前，贺拉斯三兄弟的父亲鼓舞儿子们为了大义而勇敢奋斗、不怕牺牲的场景。由于罗马人与古力茨亚人有联姻关系，旁边的三位妻子正在为自己的丈夫和家人而哭泣，与表情坚定的三兄弟相对比，整幅画面体现了强烈的戏剧效果。这幅画表面上叙述了一个历史事件，实际上联系当时法国大革命的背景，正是在提倡一种为了革命和大义而不怕牺牲自我和家庭的大无畏精神，呼吁人们加入革命的队伍，这幅画的政治作用可见一斑。无论构图方面还是在严格遵循古老的法则，三兄弟的位置和画面上方的留白比例都是经过严密设计和计算的。达维特通过这幅作品，旗帜鲜明地体现了他当时的政治理念，这正是黑格尔美学中所强调的理念和形式的完美统一。
随着1794年热月政变的结束，雅各宾派的覆灭使作为雅各宾派主要负责人之一的雅克・路易・达维特遭遇了牢狱之灾。这一巨大的人生变革使他思考起自己过去的行为和思想。出狱后的达维特看到社会的现状，丧失了对革命的信心，在这样的情绪中，他创作了《萨宾妇女》。从这幅画中，我们可以明显看到画家的心境和理念发生了巨大的转变。它表现了已经育有儿女的萨宾女子冲到战场上来阻止自己的父兄和丈夫战斗的场景，画面中心张开双臂的女子，仿佛在大声呼喊着停止战争，这正代表了达维特此刻的心情：渴望和平。这个时候，画家理念的改变使得画面的题材和表现发生了变化，即使理念发生了改变，在达维特的作品中，我们仍然能够找到画面和画家理念的统一。
进入19世纪，达维特受到为了进一步巩固自己统治的`拿破仑的邀请，进入皇宫为王室作画。他从1805年开始创作《拿破仑一世加冕大典》，这幅画是为了纪念拿破仑在182月2日于巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式。当时拿破仑极其傲慢地让罗马教皇亲自来巴黎为他加冕，并且亲自夺过王冠为自己加冕。达维特为了避免尴尬，特地将内容更改成拿破仑为皇后加冕，既突出了拿破仑作为皇帝的中心位置，同时也没有令教皇太过难堪。此时的达维特已经成为拿破仑的追随者，这幅画充分体现了拿破仑的地位和气势，也能从中看出达维特心境的转化。
黑格尔的美学思想，带有他所倡导的客观唯心主义的浓重印记。他在强调主观的第一性的同时，也强调了内心思想的规律性和内容。他的理论中所重视的内容和形式，构成了新古典主义美术所具有的几项主要特征。受到启蒙运动理性思潮的影响，人们对传统观念认知的颠覆是体现在方方面面的，随着达尔文进化论的进一步阐释，人权对神权地位的再次挑战被推向高峰。黑格尔的美学肯定了创作者本身对绘画的重要性，画面的题材和内容不再左右绘画者的创作，而是通过画家本身的自我意识和理念“再构”出来。新古典主义绘画中，我们通过达维特的作品可以深刻感受到画家本人的理念对于作品创作的重要性，画家先产生思想，然后经过系统思维转化成明确的理念，再通过选择合适的素材和绘画形式与理念形成完美统一。这种主观第一性的肯定使得题材和画家的主观能动性在革命的风潮中跃向了极高的位置，也对后来的浪漫主义和其他画派产生了一定的影响。然而，黑格尔美学过于强调主观理念的重要性，而或多或少地忽视了客观存在，在今天看来，也是有一定的局限性的。
黑格尔的美学理念在当时的社会环境下是有非常大的积极意义的。它系统地阐释了在艺术创作中理念和形式的关系，并且强调了在创作中画家作为创作者的重要性，以及对理念本身的内容也做出了一定的规范和要求。我们在达维特的作品中能够找到这种理念和形式的统一，并且通过作品也能得到与作者感同身受的情感认同。这些作品不仅仅刻画历史题材或者重大事件，而是一种意识形态和理念的完美诠释，具有重要而深刻的意义。
