吉他演奏的(优秀3篇)

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吉他演奏的篇一

古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指触弦都有严格要求，技巧精深。小编整理了相关的内容，欢迎欣赏与借鉴。

rasgueado的原意是抡弹，刮弹，抓弹，一种吉它加花的奏法，常见于佛拉门哥吉它演奏法。在乐谱上常缩写为“ras.”、“rasg.”。

弹指的奏法是右手握拳状，但不必过紧，用指甲的表面按小指，无名指，中指，食指的次序弹弦。拇指不弹。弹指的速度和琶音差不多，但发出的音的层次要比琶音多，所以弹指这种奏法常用来表现激越、热烈的气氛。注意：弹弦时各指依次放开的时间要均等，不要有快有慢。

并拢除拇指外的四个手指，用指甲同时弹弦;或用其中一个手指的指甲面快速的弹弦，就成了扫弦奏法。它的符号是一个向下的箭头，这种奏法在弹唱中很常见。大拇指也可以回勾，符号是一个向上的箭头。

在吉它演奏中，敲击琴弦是一种方法，而敲击琴的面板也是一种方法。

击板，这种技巧的弹奏方法很容易，即用右手的某个手指(通常用中指)垂直敲打琴的面板。不过有一点要注意，就是古典吉它不象佛拉门哥吉它在面板上一块护板，当手指垂直敲击面板时，容易使面板受到指甲所损伤，所以，一般可以轻轻敲击琴马底座的右边部分。

击板奏出的音不是乐音，而是噪音。

吉它有六根琴弦，它可以模仿出类似竖琴的琶音效果。吉它的琶音奏法有顺琶和倒琶两种。

(一)顺琶的符号是“}”，或再加上文字说明，如pulgar，pouce，friser等。

⒈文字pulgar，pouce都是大拇指的意思，这种琶音要用大拇指从低音弦圆滑地向高音弦弹。

注意：有时乐谱上会有pulgar单独出现在旋律上，并由虚线点表明其范围，这时它不表示用琶音奏法，而是要求用大拇指把这些音符一个个地拨出来。

⒉friser的意思的“联接，接近，靠近”。这种奏法是把右手除拇指外的三个手指都密集拢来，分别放在最上面三个音符所在的三根弦上，然后从拇指开始，在弦上用手指一个接一个地弹。如果琶音音符超过四个，那么多出的音符就都由拇指来担任，拇指可用上面的pulgar奏法，即可以用拇指接连弹，然后紧接着再由剩下的三个手指一一弹出最后三个音符。以上两种奏法虽然都属于顺琶，但效果是有区别的。

在乐谱上，有时只有符号或什么都没有，那么这一串和弦音的奏法可以由你自己选择。

(二)倒琶的符号是“|}”，再用文字index或indice说明。index和indice都是指食指，这种奏法是用食指由高音弦圆滑地弹向低音弦。

琶音和奏法不难，但要注意速度，过慢过快都不能弹出琶音的效果。过快就是扫弦奏法;过慢就成了分解和弦。琶音介于扫弦和分解和弦之间，虽快但刚好能清楚地听出各音的音响。

从外形上粗看，移指和滑音的动作好象差不多，但实际上是很不相同的.，首先两者的目地不同;移指是为了移动把位以便手指达到某个音或某群音，或为了取得某弦所特具的音质;而滑音大都是为了取得半音阶式的效果。其次，虽说同样是手指的移动，但其方法是不同的。

移指的奏法是：

移动的手指略微向上抬起一点，完全松释手指在弦上的压力，使手指浮按在弦上迅速地移动。正确的移指是绝对不能听到经过两音之间的各音痕迹的。

注意：移指时，在两音中间移动的过程也不要太长，要尽量缩短这段无声的时间。做到听不出手指移动的痕迹，就象手指在一个把位内按音一样。

由于移指经常是为了使手指达到在原把位按不到的音，因此移指总是和换把紧密相关的。关于把位的概念是这样的：吉它上每一个音品都是一个把位，最靠近琴头的是第一音品，下一个音品叫第二音品……，依此类推，直至最靠近音孔的音品(即第十九格)叫第十九音品，通常古典吉它拥有十九个音品。决定整个手究竟在第几把位，主要是左手食指。食指在第几音品就叫第几把位。

把位的英文是position，常缩写为p.或pos.。如果表示某个把位，则要和阿拉伯数字或罗马数字结合在一起。如pos.9表示第九把位即食指在第九音品上，有时也有单用罗马数字表示把位，如“vi”表示第六把位。另外，在一些欧洲出版的乐谱上，我们也常会见到“2e，7e”等。或在西班牙和南美洲出版的乐谱上见到“ca2a，ca7a”等写法，它们都是表示第二，第七把位的意思。

pizzicato原指弓弦乐器的一种拨奏技巧，对古典吉它来说，这个单词则有模仿弓弦乐器拨奏的音色的意思。演奏时，右掌伸直，用其右内侧(小指的方向)轻轻压在琴马正上方的琴弦上，同时用右拇指拨弦。当然，有时也时也可用食指，中指拨奏。无名指一般不用。用这种方法奏出的声音余音短促，沉闷，跟小提琴类等无音品的弓弦乐器上的拨奏效果差不多。

使用拨奏奏法要注意压弦部位的准确、稳固。手掌压得太前，发音效果不好，而且容易使音偏高;压得太后等于没压。

弹奏时，手掌不要随着手指的运动而偏离正确的压弦部位。使用拇指拨弦时，手掌可随拇指在不同弦上的位置变化而沿琴马小心地稍稍移动，以便调整拇指拨弦的角度。pizzicato常缩写为pizz。

泛音是一种奇妙的音响，在吉它上奏出的泛音，其音色透明而清澈。象铃声，也象钟声，有时又象潺潺的流水声或岩洞里单调的滴水声。总之，在乐曲中偶尔出现的泛音，是很富有情趣的。

泛音的奏法很多，基本可分为自然泛音(natural harmonics)和人工泛音(artificial harmonics)两类。

自然泛音的奏法是：左指轻轻虚按在琴弦上，右手手指用适当的力量拨弦，同时按弦的左指立即离开琴弦。注意左指按弦的部位要准确。在第十二、七、五、四、三音品上发的泛音分别比基音高八度、十二度、十五度、十七度、十九度。

tambora和tambour的原意都是鼓、大鼓，可以想象这种奏法就象敲大鼓，好象有一个大鼓和吉它在同时演奏。音色粗犷有力，别具一格。

大鼓的奏法是右手作半回转动作，用大拇指的外侧平敲离琴马2--3厘米处的琴弦，使弦振动发声，产生鼓声般的效果。注意敲击到高音弦，则高音旋律就能清楚地浮现在大鼓伴奏声上面。

在乐谱上，击弦奏法的符号可缩写为“tam.”。

在音乐上，这些单词通常是指“揉弦”。但揉弦一般是由演奏者自己决定的，吉它谱上从不标出。乐谱上如果标出这些单词，一般就指打弦。这些单词的缩写都是“vibra.”或“vibr.”。

打弦完全不用右指，仅靠左指用很强的力干脆果断地在琴弦上敲打，使琴弦起振动发出声音。在奏上行连音时，左指多少能借一点琴弦的余振，因此还比较省力;而打弦时，左指一点儿也不能借助这种余振。打弦奏法对左指的要求就更高了，左指软弱无力是打不出高质量的音来的。

在打弦时要注意：

(一)连续打弦，要注意左指抬起时，不要勾到空弦音，手指应该垂直起落。

(二)在低把位的打弦较容易;在高把位的打弦容易打出另一端的音，这个音大都比想要的音低。打弦前先用其它手指按住比要打的音低一、二个音品的音，然后再打弦。

倚音有前倚音和后倚音两种，它们的写法都是用较小的音符写在普通音符的角上，前倚音写在普通音符的前面，后倚音则在后。演奏时占用普通音符的一部分时间。按占时多少又有长、短倚音之分，占用普通音符一半的时值的倚音叫长倚音，只占很短一部分时值的倚音叫短倚音。

前、后倚音的弹奏方法大致一样，只不占时先后不同，前倚音占前，后倚音占后。倚音的演奏方法和连音奏法比较相似，但又有所区别。在同一弦上时，它的奏法和连音一样。在不同弦上时，小音符和普通音符要分别弹奏。

当倚音附在和弦音符上时，除了倚音后面的音符较晚出现外，倚音和其余几个和弦同时奏出，那个较晚出现的音紧跟着倚音用连音奏法奏出。倚音也可以有两个或两个音以上，叫复倚音。

注意：复倚音的弹奏方法虽和普通一个倚音的奏法一样，但倚音数目多了后，容易超出规定的时值，或与旋律音符平分秋高气色，使旋律音符占时过短。所以，弹奏这类音符时，一定要动作敏捷，切忌拖泥带水。

(一)用连音奏法奏出时值内的颤音。

(二)弹出主音，把主音上方的音用连音奏法奏出。

(三)在两根不同的弦上用左手按住两个音符，然后用右手两个或三个手指弹出 。

吉他演奏的篇二

作为首张巴洛克音乐专辑，《巴赫协奏曲》让杨雪霏说起来是迄今为止最具有挑战性的一张。

每一位演奏家都希望演奏巴赫的音乐！杨雪霏表示，她希望演奏有分量、高质量的巴洛克协奏曲。

不希望照搬巴赫写给小提琴的音乐、又希望展现吉他复调特性的杨雪霏，这次亲自改编巴赫的作品，能最清楚为什么这么去弹。

同时，杨雪霏在研究巴赫写给古钢琴和鲁特琴的作品时，发现巴赫其实是一个思想开放的人，也改编同时期音乐家的作品。

杨雪霏希望这次的改编不逊于原创，同时又有吉他的特点。

说到在这张新专辑里和杨雪霏合作的以利亚四重奏乐团(elias string quartet)时，杨雪霏透露说，这个乐团之前合作过、也合得来。

她强调，以往录制协奏曲通常与交响乐团合作，找音乐家合作也要合得来才行，这次录制的新专辑有室内乐的味道，而且和巴赫时代的背景也相仿。

这位北京姑娘说：我发现其实巴赫当时能找到合作的音乐家也是很有限的。

杨雪霏似乎在通过自己操刀，让她精心挑选、改编的巴赫协奏曲，无论从音乐本身、还是从形式上，更原汁原味反映巴赫生活的时代。

杨雪霏坦言，尽管吉他作品里中国曲目匮乏，但她依然喜欢演奏中国题材的作品。她笑着说，上学的时候就羡慕其他专业的同学有中国作品来演奏。她说：那我就自己改编好了！

杨雪霏说：吉他很适合演奏中国作品。

杨雪霏在评价同是emi唱片旗下的中国钢琴家李云迪的时候，说唯一一次在晚宴上见过的李云迪，给她的印象是比较优雅、文静和内向。

面对如郎朗、李云迪等中国演奏家都成为娱乐大众的公众形象，在国际古典音乐舞台同样占据重要地位的杨雪霏表示，每个人都不会拒绝成名。

杨雪霏认为，成名代表外界的认可，但她并不想成为一名大众明星。

这位曾经困惑过的中国音乐家表示，古典音乐毕竟不是流行文化。

她认为，郎朗成为大众明星后能带动人们欣赏钢琴音乐，也没什么不好。

杨雪霏说：我愿意顺其自然。

她说：我并不是非常喜欢走在大街上，谁都认识我的明星生活。

但她又补充了一句：可我有微博！

吉他演奏的篇三

学习吉他有什么演奏要诀呢?下面小编为大家整理了吉他演奏的十个要诀，希望对大家的吉他演奏有所帮助。

职业吉他手(包括吉他教师)应该具有良好的音乐素质及文化修养。音乐素质包括：1.对音准的敏感;2.对节奏的准确理解与表达;3.对和声及复调的理解与表达;4.视唱练耳的训练;5.对音乐内涵的感受、理解和表达力。(包括理解作曲家的意图，本人的体会与自己的想法等)以上所要求的并没有关于演奏技巧上的能力问题，但它毫无疑问地会影响一个人对音乐的接受能力和表达能力。例如对音准及和声的敏感可以及时发现乐谱中的错误;对于作曲的一些基本知识又可以使你将乐谱中的错误纠正;视唱与练耳可以帮助你快速地从没有听过的乐谱和听到唱片即可以将乐谱记录下来;具有较高的欣赏水平可以使你更多的了解不同演奏家的风格、特长与不足，而不会在演奏某一乐曲时盲目地模仿录音。这些都是足以说明音乐素质的重要性。

如何迅速提高自己修养呢?首先要有一定的文化水平，读一些名著，体会各个不同年代人们的思想、生活与追求。倾听各种不同形式、风格的乐曲，包括声乐、器乐等等，还可以读些介绍世界名曲的书籍和欣赏有关乐曲。

视唱练耳是业余爱好者容易忽视的训练。业余条件下，使用首调唱名方式更为容易和见效。与固定唱名不同的是一定要首先注意各调主音的位置，不必非使用专门的教材。随便唱能找到的各种高音谱号的乐谱都行，像小提琴、长笛、小号与键盘乐器的高音的乐谱表等等。联耳能写出首调音高也基本够用了(但一个合格的演奏家不但能听出乐曲的旋律，而且还能分辨出调式、和弦及复调并可以将它们记下谱来)。总之，要做一个有心人，随时注意和系统学习相结合就能逐步提高自己的素质。

吉他演奏的进步是依靠科学地、不懈地长期努力才能得到的。有人说，演奏家要服"终生苦役"虽然是一句笑话，但反映了系统的、长期练习的重要性。

首先是每日练习时间的问题。应该承认人是有差异的，传说小提琴大师帕格尼尼极少练琴然而却具备超人的技巧。但有的人每天则需每天练七八个小时才能有些进展、否则连保持水平都有困难。当然这也和人的勤奋程度有关。例如日本青年演奏家山下和仁便是每天无论如何也要用六个小时来练琴。据统计一般的职业演奏家平均的练琴时间在四个小时左右，对于任何人来讲、技巧的进步都是时间的积累，那种认为理解后便会掌握只是一种幻想罢了。

集中精力练习是效率最高的练习方法。而如何安排练习时间是直接影响效率的。个人应针对自己的具体条件安排最有利的练习时间，在练习时尽量避免外界干扰影响自己。可以每天将练习分为两段或三段进行，以免过度疲劳影响精力集中。但过于分散的练习也不会有好处，这就像一壶水在炉子上煮一会儿拿下来，凉了后再放上去煮一会，那么这壶水一天也不会开的道理是一样的。

常言道"工欲善其事，必先利其器"。拥有一把得心应手的吉他的确是一个吉他爱好者的首要问题。尤其是对水平较高的人来说更是如此，但我国目前的情况要做到这一点并不简单。一是高档的国产吉他并不好买;二是进口货的性能──价格比例往往差距太大、难以承受。笔者的建议是：买进口货一要经济承受得起;二要托真正内行的人去买一把名牌型号的吉他。知道型号便可以有相当的质量保证，也可以由此知道大概的价格及制造用料和做工，音色也有保证。不知道型号而只认牌子很可能上当。如果有条件，我劝爱好者购买国内有可靠信誉的厂家生产的高档琴，这远比买国外吉他好和实惠。

选购吉他的时候千万别忘了琴弦的作用。高质量的琴弦会给吉他的声音增色不少。另外，不同的环境也会给人完全不同的印象。例如，在一间较大而安静的空房子里由于混响声强而会使任何吉他的声间变得更加悦耳。因此，带着一把自己熟悉的吉他去比较、鉴别会使你评价更准确和客观。

鉴于我国目前的吉他教育水准，可以说这个问题是很难有统一答案的，笔者只是给大家提一点建议供参考。

目前教吉他的教师有很多，教材也是五花八门：五线谱、六线谱、简谱全部有。民谣弹唱、通俗弹法、正统古典各式具全。而且凡是会弹一点儿吉他的人全有教学的权力，所以选择良师不是易事。笔者认为，凡是打算正规的接受古典吉他课程的爱好者，一定要选择使用指甲弹奏尼龙弦古典吉他并且使用五线谱授课的教师。虽然自学成才也是很可贵的，但在演奏姿势上往往难以规范，教师的水平又没有考核。因此，在投师前要听一听其他人的反映如何。

每一段的升华都可能再寻找一个新的教师。除非你有一个值得信赖并且水平很高的教师。即使这样也仍然有必要向其他人请教。但请记住，不要参与教师间的矛盾。对于教学方式的`差异，可以思考其中道理，选择其合理的方式学习，也可以向老师委婉地提出建议，当然也应该毫不犹豫地离开只讲大话不负责任的"教师"。目前正式上课的方式有两种：一种是集体课，一种是个别课。上集体课时要特别注意听讲，记住教师强调的部分。

如果一时难以找到你认为合格的吉他教师，也可以找个有音乐修养的人。例如职业钢琴手、提琴手、指挥等等，让他们做你的教师。听你表演的曲目，让他们提出音乐上的要求，我想效果肯定会更好。

近年来国外来华讲学的人也多了起来，认真品质每个人讲课是有益处的。但是也不能太迷信了，认为外国的月亮比中国的圆那也是片面的。总之教师与学员是一个矛盾的两个方面，好的教师难找，但是良好的学习态度、方法以及随时注意与音乐有关的各种知识并积累总结无疑也是十分重要的。

每日练习主要解决三个方面的问题：1.基本功与技巧。2.学习新的曲目。3.提高音乐的表现力。它们所占用的时间比例可以各占三分之一(也可以根据自己的情况而定)。但每日的第一次练习都要着重于基本功锻炼，使手指灵活。基本功包括各种音阶练习、琶音练习，但练习一定要有重点，即根据自己的不足安排练习。而不要盲目地一段一段地练。另外，练习曲不同于视唱练耳，要把练习曲练熟并很好地弹奏下来，适当地提高或减慢速度，增加或减少音量和做到运用自如，便更能提高练习的效果。每次练习都最好选用不同练习目的的几个曲子来练，以免偏废。如要选用音阶练习、琶音练习，以及不同调式、节奏、及和声的乐曲来练。有了良好的基本功便可以大大提高练生曲子的速度。上面提到的练习是为了提高手指的灵活及适应性，为提高试奏能力要找一些生疏乐谱来视奏。用慢而稳的速度集中精力练习，做到尽量少出错。好的演奏家都有极强的视奏能力，所以可以掌握大量的演出曲目。